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In Abwesenheit von binären Gegensatz^

18. Januar 2020 - 20. Februar 2020

Das Werk des jungen schweizerisch-britischen Künstlers William Grob und das der italienischen Künstlerin Elena Monzo zeichnen sich beide durch eine raue Technik und eine sehr eigentümliche Ästhetik aus.
Auch wenn beide Künstler aus unterschiedlichen kulturellen Hintergründen und leicht unterschiedlichen Generationen stammen, scheinen sie die Welt mit der gleichen Linse zu betrachten, wo die Regeln der binären Gegensätze gerne nicht akzeptiert werden. Die binäre Opposition ist die strukturalistische Idee, die die menschliche Neigung anerkennt, in Gegensätzen zu denken. Mit dieser Kategorisierung werden Begriffe und Konzepte tendenziell als positiv oder negativ assoziiert. Derrida, der Vater der Dekonstruktion, argumentierte, dass diese Oppositionen willkürlich und von Natur aus instabil seien, die Strukturen selbst beginnen sich zu überlappen und aufeinander zu prallen und schließlich demontieren sie sich von innen heraus. Sowohl Grob als auch Monzo scheinen sich Derridas Standpunkt zu eigen zu machen, denn die in ihren Werken dargestellten Subjekte entziehen sich nicht nur absolut der strengen Struktur einer konventionellen binären Ästhetik, sondern werden sogar zu Vorboten einer völlig anderen Ästhetik, sehr geliebt von der dritten Welle des Feminismus und zum Post-Anarchismus, der argumentiert, dass die wahrgenommene binäre Dichotomie zwischen Mann/Frau, zivilisiert/unzivilisiert, weiß/schwarz, alt/jung, Schönheit/Hässlichkeit die gesellschaftlichen Machtstrukturen zugunsten einer spezifischen Mehrheit verewigt und legitimiert hat.
Es ist an diesem Punkt nicht überraschend, dass sowohl William Grob als auch Elena Monzo der Massenkultur sehr kritisch gegenüberstehen. William erforscht die konsumierte/konsumierende Gesellschaft und ihre Folgen für das Individuum, und Elena unterstreicht ihre Vergänglichkeit, insbesondere in Bezug auf die weibliche Figur. Eine zerreißt die Realität, die er um sich herum sieht, und lässt die Wunden hell offen, während die Andere die Wundränder mit feinsten Stickereien verziert.

Elena Monzo gelingt es, die Ästhetik der Subkulturen Pop und Punkrock mit der geschmeidigen Eleganz des Jugendstils zu verbinden und so ihre Armee der unerwartetsten Powerdamen zu schaffen. Ihre Werkzeuge sind Stifte, Acrylfarben, Graphit, Make-up, Sticker, Texturstreifen, Glitzer und nie vergessen ein Hauch von Gold. Manchmal Stoff oder Raku-Keramik. Ihre aggressiven und dennoch feinen Linien erinnern an die nervösen und leidenschaftlichen von Egon Schiele, einem Künstler, der Frauen nicht nur begehrte, sondern wirklich verehrte und den wir auch als Feminist sehen können, der sexuell befreite Frauen in den Mittelpunkt seiner Kunst stellt. Im Kunstwerken von Elena Monzo finden wir einen ähnlichen Feminismus, in dem die Frauen von binäre Gegensätzlichkeit befreite eine elegante erotische Intelligenz zum Ausdruck bringt. Erotische Intelligenz, die einigen ein Gefühl von gequälter Subjektivität vermittelt, aber wirklich sexuelle und gender Emanzipation ist, reich an ironischer Kritik an den massenkulturellen Standards, die sich die Gesellschaft selbst gesetzt hat, die auf schwindende, aber gnadenlose ästhetische Regeln fixiert ist. Als Tracey Emin für die Briten ist Elena Monzo als das “bad girl der italienischen Kunst” bekannt, weil sie eine Vision von Frauen hat, die den gesellschaftlichen Normen in Italien und den bisherigen Vorstellungen von Weiblichkeit völlig entgegengesetzt ist. In einem Land, in dem ästhetische Modelle hauptsächlich von der Modeindustrie und von einer frauenfeindlichen Politik aufgezwungen werden, die die Frauen immer noch dazu drängt, sich selbst und ihre Körper zu verändern, um den Männern zu gefallen, um Sicherheit, Geld und Schutz zu erhalten, und in dem eine Moral, die auf konventionellen katholischen Binärgegensätzen basiert, immer noch vorherrscht, können die Monzo’s-Damen, die nicht binär, wild, heftig, unabhängig, sexuell ermächtigt sind und nicht auf den konventionellen Sinn für Mode oder Etikette reagieren, sicherlich beunruhigend sein.

William Grob’s hatte als Kind schwere Sprachstörungen und konnte sich bis zum Alter von sieben Jahren nicht verbal ausdrücken. Er griff auf Farben und Formen zurück, um seine Emotionen und Gefühle auszudrücken, und dies ist immer noch tief in seiner Kunst verwurzelt, was die Grenze zwischen Realität und psychischer Welt zu einem weiteren Hauptthema seiner künstlerischen Praxis macht. Seine Serie MASKS, die auf Straßenfotografien basiert ist, die er in New York City und Berlin aufgenommen hat, bietet ergreifende Vermittlungen über das Leben, die Gesellschaft und die individuelle Erfahrung, durchtränkt von einer polemischen Ironie. Eine Kombination von Faktoren, die uns an die Collage-Arbeiten von Angus Fairhurst erinnern könnten, während seine Verwendung von groben Bleistiftstrichen und die Zeichnung der vereinfachten, ungeschminkten menschlichen Figur ihn dem Vorläufer der Street Art, Keith Harrings, in seinem Bemühen, die lebendige pulsierende Energie unserer Städte zu verewigen, näher bringt. Die Wahl, die Proportionen seiner ungeschlechtlichen Figuren gerade genug zu strecken und auf die Spitze zu treiben, während sie verewigt werden, indem sie in einer umstrittenen Gesellschaft, zusammen mit der Wahl, sich auf die Ausgestoßenen, Obdachlosen, Betrunkenen und die subtile Einsamkeit, zu konzentrieren, erinnert an die ersten Werke von George Grosz, mit der leicht aufgeweichten Perspektive eines jungen Mannes, der, auch wenn er die Widersprüche unserer Gesellschaft und unserer Zeit sehen kann, nie die historischen Schrecken der ersten fünfundvierzig Jahre des XX.
Diese Ausstellung präsentiert auch einige der größeren Werke von Grob aus der Serie OVERLAID EMOTIONS. Diese sind das Ergebnis von malerischen Interventionen, getrieben von reinen Emotionen, auf Reproduktionen von Vintage-Fotografien. Die Fotografie ist ebenso unehrlich wie ehrlich in der Wiedergabe der Realität, und indem er seine Emotionen durch die Farbe entweder kontrolliert oder impulsiv über sie fließen lässt, weist Grob mit dem Finger auf das Paradoxon, dass wir in einer Welt leben, die keine Wahrheiten und keine Antworten, sondern nur Überzeugungen enthält. Sein Glaube besteht darin, gleichzeitig eine physische Wahrheit, die Fotografien, und eine emotionale Ehrlichkeit, die Bilder, zu zeigen. Die Verwendung von scheinbar absurdem und nicht relevant Text in seinen Arbeiten ist auch eine Möglichkeit, die Wahrheit ungefiltert durch binäre Oppositionen darzustellen. Als das permanente Gemurmel unseres Gehirns, das gleichzeitig die komplexeste Argumentation und den banalsten Gedanken verarbeiten kann, wodurch wir in der Lage sind, der Dichotomie Schwarz/Weiß nicht nur Grau, sondern auch die ganze Palette von Farben und Schattierungen hinzuzufügen.

Details

Beginn:
18. Januar 2020
Ende:
20. Februar 2020
Veranstaltungskategorie:
Veranstaltung-Tags:
Eintritt: -

Veranstaltungsort

Luisa Catucci Gallery
Allerstr. 38
Berlin, 12049 Deutschland
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Veröffentlicht am: 27.12.2019 | | Tag: intern,

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