BEGIN:VCALENDAR VERSION:2.0 PRODID:-//Kunstleben Berlin - das Kunstmagazin - ECPv4.9.13//NONSGML v1.0//EN CALSCALE:GREGORIAN METHOD:PUBLISH X-WR-CALNAME:Kunstleben Berlin - das Kunstmagazin X-ORIGINAL-URL:https://www.kunstleben-berlin.de X-WR-CALDESC:Veranstaltungen im Kunstleben Berlin - das Kunstmagazin BEGIN:VTIMEZONE TZID:Europe/Berlin BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20050327T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20051030T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20060326T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20061029T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20070325T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20071028T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20080330T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20081026T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20090329T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20091025T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20100328T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20101031T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20110327T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20111030T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20120325T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20121028T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20130331T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20131027T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20140330T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20141026T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20150329T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20151025T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20160327T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20161030T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20170326T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20171029T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20180325T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20181028T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20190331T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20191027T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20200329T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20201025T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20210328T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20211031T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20220327T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20221030T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20230326T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20231029T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20240331T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20241027T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20250330T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20251026T010000 END:STANDARD END:VTIMEZONE BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20050228 DTEND;VALUE=DATE:20250329 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20250305T145238Z LAST-MODIFIED:20250305T152724Z UID:111922-1109548800-1743206399@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:Rebecca Harper: Thick Skinned - Quick Finned Always Turning Tides Tale DESCRIPTION:Die Szenerie entfaltet sich langsam in den Bildern von Rebecca Harper – langsam und hermetisch\, alles spielt sich wie auf einer Bühne vor den Augen der Betrachtenden ab. Die Räume\, die Figuren\, das Wasser – alles hat seinen Platz\, doch nichts bleibt isoliert. Alles kreist\, wie ein Himmelskörper\, um das Zentrum. Das Zentrum aller Darstellungen ist eine starke blonde Frau. Immer wieder sitzt sie in unterschiedlichen Momenten am Rand einer Wanne\, am Rand eines Bettes\, auf einer weichen Couch – allein\, in ihrer Welt. Sie hält eine Robbe\, die\, wie alle anderen Objekte\, eine Erweiterung der Frau selbst zu sein scheint. Eine Hand auf dem Fell\, eine Flosse auf ihrem Schoß – eine Symbiose\, vertraut und doch kindlich-weiblich\, kein Mutter-Kind-Verhältnis\, sondern ein Konzept von Kind und Frau. \nDie Räume erzählen Geschichten – aber nicht laut\, nicht fordernd. Objekte und Gegenstände sind aufgelistet: Bilder\, Spiegelungen\, offene Fenster. Wasser durchzieht alles – dunkle Flüsse\, gefüllte Wannen\, gemalte Meereslandschaften. Doch es ist kein Wasser\, das verschlingt oder zieht – sondern Wasser\, das trägt\, das erinnert\, das in Bewegung ist. Die Spiegel zeigen nicht nur die Frau\, sondern auch den Raum um sie herum\, eröffnen Perspektiven\, machen sichtbar\, was sonst übersehen würde. \nUnd überall finden sich Zeichen\, kleine Dinge\, die bleiben: die verschlossene Hutschachtel mit dem roten Vogel\, als bewahre sie etwas\, das nicht verloren gehen darf – oder das besser in der Schachtel bleibt\, wissend aufbewahrt. Die Bücher\, die niemand liest\, doch sie sind da\, als potenzielle Erzählungen. Die Landkarten an den Wänden\, die Kompasse\, die Segelboote – das Kind-Frau-Schema weist eine Richtung\, trägt das Subjekt wie selbstverständlich mit dem Wind in die richtige Bahn. \nDie Titel klingen zunächst wie Zeilen aus einem Gedicht – nicht bloß Beschreibungen\, sondern Gedanken\, die nachhallen. Blinking through Salt Lashes – ein Moment\, in dem das Sehen schwerfällt\, das Blinzeln durch Tränen oder Meerwasser\, als sei die Welt für einen Augenblick verhüllt. Dann Disappear like a Snatched Breath on an Angry Tide – als würde etwas fortgerissen\, ein Atemzug\, den man nicht halten kann\, ein Körper\, der sich auflöst\, nicht aus Schwäche\, sondern weil die Strömung es so will. \nAndere Titel sind beinahe erzählerisch\, lang\, als wollten sie nicht nur benennen\, sondern einen Rhythmus setzen. Thick Skinned – Quick Finned\, Always Turning Tides Tale spricht von Anpassung\, von einer Haut\, die schützt\, von Beweglichkeit\, von Flossen\, die niemals stillstehen – ein Körper\, der sich immer mit der Strömung dreht. Secret Eyes\, Holding Mourning of the Darkest River ist ein Versprechen\, ein Blick\, der mehr sieht\, der etwas bewahrt – eine Trauer\, die nicht laut wird\, sondern weiterfließt\, in einem Fluss\, der keine Ruhe kennt. \nDer Körper ist zentral\, präsent\, fest\, aber niemals starr. Er sitzt\, hält\, stützt sich ab\, bewegt sich in kleinen Momenten längerer Handlungen – in Pausen\, in einem Blick nach oben\, in einer kauernden Haltung. Die Körperhaltung ist offen\, aber nicht zur Schau gestellt\, kontrolliert\, aber nicht erstarrt. Kleidung betont oder löst sich auf\, Schnürungen fehlen\, Stoffe hängen herab – als würde die Grenze zwischen Körper und Umgebung durchlässig. Das Wasser ist nah – in Badewannen\, in Strömungen\, in Gemälden – ein Element\, das sich mit der Figur verbindet\, aber sie nicht verschlingt. \nDie Abwesenheit von Männern ist eine Lücke\, eine spürbare Leerstelle\, die sich durch die Räume zieht\, durch die Haltung der Frau\, durch die Objekte\, die sich um sie sammeln. Sie sitzt\, sie hält\, sie bewegt sich – aber es gibt kein Gegenüber. Kein männlicher Körper\, keine Hand\, die greift oder sich entzieht\, keine Gestalt\, die sich in den Spiegeln zeigt. Diese Leerstelle ist nicht bloß eine Abwesenheit – sie ist strukturell\, sie definiert die Räume\, weil sie nicht gefüllt wird. Außer durch eine Andeutung: einen Schatten. \nStattdessen gibt es Fische. Sie sind die einzige Spur\, die einzige Übersetzung eines abwesenden männlichen Prinzips. Sie liegen auf Tischen\, schwimmen in Wannen\, sind auf Fliesen gemalt – reglos oder in endloser Kreisbewegung\, nicht handelnd\, nicht sprechend. Der Fisch\, klassisches phallisches Symbol\, taucht auf\, doch bleibt er Objekt – ohne Funktion\, ohne Körper\, das Relikt eines Gegenübers\, das in dieser Welt nicht mehr agiert. \nDie Vögel sind keine bloße Dekoration\, keine sanften Begleiter des Lichts. Sie tauchen auf\, schwebend\, stürzend\, kreisend – als schwarze Figur auf dem Kaminsims\, als Möwe\, die fast den Boden berührt. Sie folgen keinem klaren Muster\, sie fügen sich nicht in die Symbolik der anderen Tiere. Die Robbe liegt\, die Fische schweigen – doch die Vögel fliegen\, manchmal zu nah\, manchmal wie eine Warnung\, manchmal als Echo von etwas\, das sich ankündigt\, ohne greifbar zu werden. Ihr Schwarz hebt sie von der Umgebung ab\, als gehörten sie nicht in die Welt der Frau\, sondern als dringe etwas von außen ein – ein Fremdkörper im Raum ihrer Reflexionen und Wasserflächen. Sie existieren jenseits der Wellen\, jenseits der Wannen\, außerhalb der Strömung – als etwas\, das sich nicht einordnen lässt. Vielleicht sind sie das\, was nicht gehalten werden kann\, was sich entzieht – während die Frau bleibt. \nDie Schachtel bleibt geschlossen\, weil sie nicht geöffnet werden muss. Sie steht da\, immer am selben Ort\, mit dem roten Vogel auf dem Deckel – als Zeichen\, als Möglichkeit\, als Behälter für etwas\, das nicht nach einem Ausbruch verlangt. Die Vögel außerhalb der Schachtel sind wild\, unkontrolliert\, eine Kraft\, die sich nicht bändigen lässt. Doch dieser Vogel bleibt an die Oberfläche gebunden – eingefroren\, gehalten\, bewahrt oder verzaubert. Vielleicht ist die Schachtel eine versiegelte Bedrohung – eine Kraft\, die nicht konkurrieren kann\, die in der Dynamik von Halten und Gehaltenwerden keinen Platz hat. Vielleicht bleibt sie deshalb unberührt. Weil ihr Inhalt zu mächtig ist. Weil das\, was verborgen liegt\, nicht zugelassen werden kann. \n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/rebecca-harper-thick-skinned-quick-finned-always-turning-tides-tale/ LOCATION:Verena Kerfin Gallery\, Köthenerstraße 28\, Berlin\, 10963 CATEGORIES:Ausstellung ATTACH;FMTTYPE=image/png:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2025/03/001-Washed-Bare-as-a-Beach-by-the-Rivers-Tide-Acrylic-on-cotton-180-x-250-cm-2023.png GEO:52.5044062;13.3763581 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=Verena Kerfin Gallery Köthenerstraße 28 Berlin 10963;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Köthenerstraße 28:geo:13.3763581,52.5044062 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200425 DTEND;VALUE=DATE:20201018 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20200306T180358Z LAST-MODIFIED:20230116T124721Z UID:82279-1587772800-1602910799@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:REMIX REMAKE: Präsentation und Interpretation DESCRIPTION:Klie zeigt Ausschnitte seines fotografischen Werks der Jahre 1992 – 2002 zeigen. Diese analogen Handabzüge auf Barytpapier werden Teil einer neuen raumgreifenden Installation und wachsen so über ihren ursprünglichen Kontext hinaus. Klie inszeniert und konstruiert in diesen Arbeiten den Moment der „Aura“. Die Präsentation ist somit ein REMIX und im REMAKE werden die Fotoarbeiten neuinterpretiert. \n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/remix-remake-praesentation-und-interpretation/ LOCATION:Berlin\, Deutschland CATEGORIES:Ausstellung END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200601 DTEND;VALUE=DATE:20201208 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20200515T095734Z LAST-MODIFIED:20230116T124709Z UID:83008-1590969600-1607299200@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:Happy Monday DESCRIPTION: URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/happy-monday/ LOCATION:Berlinische Galerie\, Alte Jakobstraße 124 – 128\, Berlin\, 10969 CATEGORIES:Begleitprogramm zur Ausstellung GEO:52.5037618;13.3986995 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=Berlinische Galerie Alte Jakobstraße 124 – 128 Berlin 10969;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Alte Jakobstraße 124 – 128:geo:13.3986995,52.5037618 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200601 DTEND;VALUE=DATE:20210101 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20200519T144327Z LAST-MODIFIED:20260313T102149Z UID:83031-1590969600-1609390799@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:Podcast "Wie geht es dir?" - Gespräche mit Künstlerinnen im Corona-Shutdown DESCRIPTION:Kathrin Schrader schafft mit ihrem Podcast „Wie geht es dir?“ ein Stimmungsbild des Lebens mit Corona. Je weiter die Corona-Krise in einen komplett veränderten Alltag führt\, desto ausführlicher und differenzierter reflektieren die befragten Künstlerinnen ihre Alltags- und Arbeitssituationen. In den jüngsten Folgen geht es darum\, wie die Erfahrungen aus dieser Krise die eigene Kunst\, aber auch die Verschränkung von Kunst und Gesellschaft\, sowie das Ausstellungsgeschehen und künstlerische Themen beeinflussen werden. \n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/podcast-wie-geht-es-dir-gespraeche-mit-kuenstlerinnen-im-corona-shutdown/ LOCATION:INSELGALERIE Berlin\, Petersburger Straße 76 A\, Berlin\, 10249\, Deutschland CATEGORIES:Begleitprogramm zur Ausstellung ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2020/05/A8EAC488-DA67-442F-BC4F-A6D241AB17F7_1_201_a.jpeg GEO:52.51883;13.45213 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=INSELGALERIE Berlin Petersburger Straße 76 A Berlin 10249 Deutschland;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Petersburger Straße 76 A:geo:13.45213,52.51883 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200610 DTEND;VALUE=DATE:20210209 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20200525T153606Z LAST-MODIFIED:20230116T124704Z UID:83104-1591747200-1612760399@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:Time Present DESCRIPTION:Die Schau untersucht\, wie sich Künstler*innen mit der Zeit und den Grundfragen der Fotografie auseinandersetzen: Welche unterschiedlichen Realitäts- und Zeitebenen hält eine Aufnahme fest? Bildet sie tatsächlich einen bestimmten Moment ab? Ist das\, was auf einem Foto zu sehen ist\, Gegenwart oder Vergangenheit\, Wirklichkeit oder Imagination? \nDieser thematische Rahmen ermöglicht es\, den Aufstieg\, den die Fotografie zu einem zentralen Medium der Gegenwartskunst erlebt hat\, über zeitliche und geografische Grenzen hinweg zu verfolgen. Dabei geht es nicht darum\, eine stringente Entwicklung der Fotokunst aufzuzeigen. Time Present gleicht eher einer vielstimmigen Konversation\, in der ästhetische und formale Strategien\, Konzepte\, politische und gesellschaftliche Fragestellungen in Beziehung zueinander treten. \nUnter dem motivischen Leitfaden der „Zeit“ werden dabei in vier Kapiteln Werke vorgestellt\, die einerseits die grundlegenden Fragestellungen der Fotografie berühren\, und andererseits die Entwicklung der Sammlung aufzeigen. \nDas Spektrum der Ausstellung reicht von „Klassikern“ der deutschen Gegenwartsfotografie wie Bernd und Hilla Becher\, Andreas Gursky und Candida Höfer\, die bereits in den 1980er- und frühen 1990er-Jahren gesammelt wurden\, bis hin zu junger Fotokunst aus Afrika\, Osteuropa\, dem Nahen Osten und China\, die heute die Sammlung mit prägt. Einen wichtigen Aspekt bildet der kritische Blick von nichteuropäischen Künstler*innen wie Yto Barrada\, Mohamed Camara und Kader Attia auf den westlich dominierten Kunstkanon. Und auch eine andere Revolution wird spürbar: Die Instagram-Kunst der Argentinierin Amalia Ulman zeigt\, wie sich die Fotografie durch digitale Technologien demokratisiert hat – aber auch\, wie sehr die Manipulation und Distribution von Bildern unser tägliches Leben bestimmt. Im Laufe der vier Jahrzehnte\, in denen Fotografie in der Sammlung Deutsche Bank gesammelt wurde\, hat sich nicht nur das Medium radikal gewandelt\, sondern mit ihm die globale Gesellschaft. Auch das dokumentiert Time Present. \n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/time-present/ LOCATION:PalaisPopulaire\, Unter den Linden 5\, Berlin\, 10117\, Deutschland CATEGORIES:Ausstellung ATTACH;FMTTYPE=image/png:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2020/05/Sato_Frieze.png GEO:52.5166343;13.3962165 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=PalaisPopulaire Unter den Linden 5 Berlin 10117 Deutschland;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Unter den Linden 5:geo:13.3962165,52.5166343 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200622 DTEND;VALUE=DATE:20201020 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20200920T205305Z LAST-MODIFIED:20221212T113535Z UID:84510-1592784000-1603083599@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:WIELAND FÖRSTER im Kunsthaus Dahlem DESCRIPTION:WIELAND FÖRSTER noch bis 18. Oktober im Kunsthaus Dahlem: Anlässlich des 90. Geburtstags von Wieland Förster widmet das Kunsthaus Dahlem diesem bedeutenden Bildhauer eine Werkschau mit Skulpturen aus 50 Jahren\, in denen sowohl formale und stilistische Entwicklungen dargestellt werden\, als auch auf Försters Auseinandersetzung mit der deutschen Geschichte und seiner eigenen Biografie Bezug genommen wird. \nDie Ausstellung zu WIELAND FÖRSTER versammelt eine Auswahl von Porträtarbeiten\, insbesondere Künstlerporträts der 1960er und 1970er Jahre\, sowie Werke\, die sich – immer vor dem Hintergrund der leidvollen Geschichte des 20. Jahrhundert – mit existentiellen Themen\nder Menschheit beschäftigen.\nGeboren in Dresden 1930 erlebt Wieland Förster als Jugendlicher den Krieg und die Bombardierung seiner Heimatstadt. Nicht weniger traumatisch sind die Jahre\, die Förster als junger Mann in der Haftanstalt Bautzen verbringen muss\, inhaftiert wurde der\n16jährige wegen angeblichen Waffenbesitzes. Nach seiner Entlassung studiert Förster von 1953 bis 1958 in Dresden und Berlin Bildhauerei. Von den stilistischen Vorgaben an den ostdeutschen Hochschulen bleibt er weitgehend unberührt. Förster verfolgt seine eigene bildhauerische Auffassung und rezipiert die künstlerischen Strömungen seiner Zeit. Aristide Maillol\, Alberto Giacometti und Henry Moore inspirieren sein Werk\, aber auch der Berliner Bildhauer Bernhard Heiliger\, der nicht nur wegen seines Wechsels von der Hochschule in Berlin-Weißensee nach Westberlin\, sondern auch wegen seiner Hinwendung zur Abstraktion im Osten offen attackiert wird. Im Frühjahr 1954 besucht Förster Heiliger\, der damals bereits zu den renommiertesten Bildhauer*innen der jungen Bundesrepublik zählt\, in seinem Berliner Atelier und es beginnt ein freundschaftlich kollegialer Austausch\, der Jahrzehnte andauern soll. \nFür die Ausstellung hat WIELAND FÖRSTER aus dem OEuvre Heiligers eine Auswahl jener Werke getroffen\, die ihm besonders wichtig erschienen. Sie werden im ehemaligen Atelier Heiligers\, dem Ostflügel des Kunsthaus Dahlem\, gezeigt. Heiliger attestiert dem jungen Kollegen eine »großplastische Begabung« und einen »seltenen Mut zu Großem«. Er bietet ihm an\, sein Studium bei ihm fortzusetzen\, doch Förster hält Heiligers »formale Anziehungskraft« nicht förderlich für seine »Selbstfindung«. Anregungen nimmt er dennoch auf. Prägend ist Heiligers Auseinandersetzung mit mythologischen Themen. Diese mündet in eine »früharchaische Figurenwelt«\, die Försters eigener »mittelmeerischen Sehnsucht« entspricht. Prägend ist auch Heiligers Porträtauffassung\, die jene entscheidenden Punkte einer Physiognomie zu definieren sucht\, anhand derer ein Gesicht gestaltet werden kann. \nDas Ringen um die Erfassung der Persönlichkeit eines Menschen\, die überindividuelle Züge annimmt\, charakterisiert Försters Porträtplastiken. Die eindringlichen Bildnisse von Künstlern wie dem Komponisten Hanns Eisler\, dem Regisseur und Gründer der\nKomischen Oper Walter Felsenstein oder dem Schauspieler Bernhard Minetti zeichnet eine intensive Lebendigkeit aus\, sie zeugen aber auch von Försters Fähigkeit einen »geistigen und habituellen Gleichklang« zu erzielen. \nDie Auseinandersetzung mit der Mythologie\, etwa in Marsyas – Jahrhundertbilanz oder den verschiedenen Fassungen der Daphne – gerät in Försters Werk zu einer Auseinandersetzung mit universellen Themen wie Leid\, Zerstörung\, Vergänglichkeit und existentieller Not – Themen\, die sich auch in Werken wie dem Großen Trauernden Mann oder dem Kleinen Martyrium niederschlagen. Hier gewinnt Försters Auseinandersetzung mit der traumatischen Geschichte des 20. Jahrhunderts plastischen Ausdruck\, der sich häufig in der Fragmentierung und Verletzung der menschlichen Figur visualisiert. Sein eigenständiger Weg bringt Förster aber auch mit der Kunstpolitik der DDR in Konflikt. Als 1964/65 der Kopf der Gelähmten entsteht\, hat Förster im Ellipsoid zwar eine neue Grundform gefunden\, die fortan sein Werk bestimmen wird\, von staatlicher Seite wird dieses frühe Hauptwerk des Künstlers jedoch heftig kritisiert. Der damalige Kulturminister Klaus Gysi 1965 vermutet gar eine Beleidigung des sozialistischen Menschen; Förster erhält Ausstellungsverbote. Doch der Künstler hat auch prominente Fürsprecher und seine Bedeutung im Kunstgeschehen kann nicht in Abrede gestellt werden. 1974 wird er ordentliches Mitglied der Akademie der Künste der DDR und später einer ihrer Vizepräsidenten\, zuständig für Meisterschülerfragen; 1985 wird Förster ordentlicher Professor. \nHeute zählt Wieland Förster zu den bedeutenden deutschen Bildhauer*innen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Sein figuratives Werk zeichnet eine unverwechselbare\, expressive Formsprache aus\, die der leidvollen Geschichte 20. Jahrhunderts gewidmet ist. »Ich bin auch nur Bildhauer geworden«\, so formuliert es der Künstler\, »um der Welt immer wieder zu sagen\, welches Leid die Jahrhundertmitte gebracht hat. Krieg\, Vorkrieg\, Nachkrieg – diese Zeit\, für die ich stehe\, als Jahrgang 30.« \nWIELAND FÖRSTER\nGeboren 1930 erlebt Wieland Förster als Jugendlicher den Krieg und die Bombardierung seiner Heimatstadt Dresden. Im Alter von 16 Jahren wird er wegen angeblichen Waffenbesitzes inhaftiert und verbringt drei Jahre in Bautzen\, bevor er\, schwer an\nTuberkulose erkrankt\, entlassen wird. Nach einer Ausbildung zum technischen Zeichner studiert Förster von 1953 bis 1958 in Dresden bei Walter Arnold und in Berlin bei Fritz Cremer Bildhauerei. 1959 wird er Meisterschüler an der Deutschen Akademie der Künste in Ostberlin.\nNach Ausstellungsverboten und Arbeitsbehinderungen in den 1960er und frühen 1970er Jahren erhält Wieland Förster zahlreiche Anerkennungen für sein Werk. 1973 wird er mit dem Kunstpreis der DDR ausgezeichnet\, es folgen u. a. 1974 der Käthe-Kollwitz-Preis der Akademie der Künste der DDR\, 1978 der Kunstpreis des FDGB und 1983 der Nationalpreis der DDR für Kunst und Literatur II. Klasse. Im Jahr 2000 wird er zudem mit dem Bundesverdienstkreuz 1. Klasse geehrt. 2010 erhält er die Ehrendoktorwürde der Universität Potsdam. Förster zeigte zahlreiche Ausstellungen im In- und Ausland\, u. a. in den Staatlichen\nMuseen zu Berlin (1980)\, der Kunsthalle Södertälje (1982)\, der BAWAG Foundation\, Wien (1990)\, im Dresdner Zwinger (2009/10) und zuletzt im Angermuseum\, Erfurt (2020). Er war zudem 1986 Teilnehmer der XIII. Biennale in Venedig. Seine Werke befinden sich in vielen öffentlichen und privaten Sammlungen sowie im öffentlichen Raum\, u. a. in Berlin\, Chemnitz\, Dresden und Potsdam. Im Jahr 2001 übergab Wieland Förster den Staatlichen Kunstsammlungen Dresden 58 Plastiken als Stiftung.\nDie Ausstellung wird gefördert vom Freundeskreis Kunsthaus Dahlem – Bernhard Heiliger e.V. \nText: Kunsthaus Dahlem\nBild: WIELAND FÖRSTER SKULPTUREN AUS 50 JAHREN Ausstellungsansicht Kunsthaus Dahlem 2020 Foto: Eric Tschernow. © VG Bild-Kunst\, Bonn 2020. \n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/wieland-foerster-kunsthaus-dahlem/ LOCATION:Kunsthaus Dahlem\, Käuzchenstieg 12\, Berlin\, 14195\, Deutschland CATEGORIES:Ausstellung ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2020/09/WIELAND-FOeRSTER-im-Kunsthaus-Dahlem-K_D-14416_klein.jpg GEO:52.46619;13.274 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=Kunsthaus Dahlem Käuzchenstieg 12 Berlin 14195 Deutschland;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Käuzchenstieg 12:geo:13.274,52.46619 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200627 DTEND;VALUE=DATE:20201013 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20190707T050000Z LAST-MODIFIED:20230403T093228Z UID:77313-1593216000-1602478799@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:Rembrandts Orient. Museum Barberini. Potsdam. Kunstmuseum Basel DESCRIPTION:Der Handel mit Asien\, Afrika und der Levante brachte Waren\, Schriften und Wissen in die Niederlande. Rembrandt und die anderen Maler des Goldenen Zeitalters nahmen vielfältige Anregungen auf. \nRembrandts Orient. Westöstliche Begegnung in der niederländischen Kunst des 17. Jahrhunderts \nEine Ausstellung des Museums Barberini\, Potsdam\, und des Kunstmuseums Basel \nwww.museum-barberini.com\n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/rembrandts-orient-museum-barberini-kunstmuseum-basel-potsdam/ LOCATION:Museum Barberini\, Humboldtstraße 5–6\, Potsdam\, Brandenburg\, 14467\, Deutschland CATEGORIES:Ausstellung ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2019/04/Rembrandts-Orient-Museum-Barberini.jpg GEO:52.3951686;13.0614461 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=Museum Barberini Humboldtstraße 5–6 Potsdam Brandenburg 14467 Deutschland;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Humboldtstraße 5–6:geo:13.0614461,52.3951686 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200703 DTEND;VALUE=DATE:20201024 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20200709T162938Z LAST-MODIFIED:20230116T124655Z UID:83581-1593734400-1603429199@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:Fresh! ...essays on Nature in der Galerie Kuchling DESCRIPTION:Inmitten kultureller und sozialer Übergänge hat das Jahr 2020 die Notwendigkeit des Erwachens eines individuellen und kollektiven Bewusstseins deutlich gemacht. Die Galerie Kuchling ist bestrebt\, dies in ihrem Programm zu berücksichtigen und Sie auf Themen aufmerksam zu machen\, die eine interaktive Diskussion zwischen Künstler*innen und Öffentlichkeit schaffen.\n„Fresh! …essays on Nature“ zeigt eine große Vielfalt von Projekten; von Skulpturen\, die wachsendes Grün und natürliche Materialien einbeziehen\, über Gemälde\, die surrealistische und abstrakte Darstellungen von Makro- und Mikrostrukturen unserer Umgebung zum Leben erwecken\, bis hin zu virtuellen Gärten.\nMit dieser Ausstellung wollen wir in einen Dialog eintreten\, der künstlerischen Praktiken reflektiert\, die sich auf vielfältige Weise auf Natur beziehen. Die Kunstwerke verbinden das Publikum nicht nur visuell mit dem Natürlichen\, sondern zeigen auch die konzeptuellen Wahlmöglichkeiten der Künstler*innen auf – von politisch\, ökologisch bis hin zu rein ästhetisch.\nDer Planet\, den wir bewohnen\, gehört uns allen\, also sollten wir nicht nur über unseren Einfluss auf ihn nachdenken\, sondern auch darüber\, wie er sich auf uns auswirkt. \n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/fresh-essays-on-nature/ LOCATION:Galerie Kuchling\, Karl-Marx-Allee 123\, Berlin\, 10243\, Deutschland CATEGORIES:Ausstellung ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2020/07/DSC1914-1.jpg GEO:52.517017;13.4478046 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=Galerie Kuchling Karl-Marx-Allee 123 Berlin 10243 Deutschland;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Karl-Marx-Allee 123:geo:13.4478046,52.517017 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200710 DTEND;VALUE=DATE:20201215 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20200710T164850Z LAST-MODIFIED:20230116T124651Z UID:83633-1594339200-1607921999@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:There’s No Such Thing as Solid Ground - Gropius Bau DESCRIPTION:There’s No Such Thing as Solid Ground – Vom 10. Juli bis 13. Dezember 2020 präsentiert der Gropius Bau die Ausstellung There’s No Such Thing as Solid Ground von Otobong Nkanga. \nDie komplexe\, sich ständig verändernde Beziehung zwischen Mensch\, Land und Strukturen von Reparatur und Fürsorge ist ein zentrales Thema von Otobong Nkangas Ausstellung There’s No Such Thing as Solid Ground im Gropius Bau. Ihr Werk\, das sich mit globalen ausbeuterischen Extraktionsverfahren befasst\, richtet einen poetischen und gleichzeitig kritischen Blick auf das wechselseitige Verhältnis von Menschen\, Flora und Fauna sowie von natürlichen Ressourcen\, insbesondere Mineralien. \nNkanga versteht den Begriff „Land“ als eine geologische und diskursive Formation\, die über Vorstellungen von Erde\, Boden und kartierten Territorien hinausreicht – ein Terrain\, auf dem ökologische\, wirtschaftliche\, politische und soziale Kräfte in wiederkehrenden Rhythmen von Konflikt und Verhandlung miteinander gefangen sind. Land bedeutet für Nkanga einen Ort\, an dem wir Menschen durch neue Formen der Umverteilung und des Zusammenlebens um Lösungen ringen. Auf Grundlage intensiver Forschung und durch die Verschränkung von Medien wie Installation\, Performance\, Zeichnung\, Poesie und Storytelling umspannt Nkangas Werk die Zeitlichkeit kolonialer Regime sowie die Operationen verborgener globaler Netzwerke\, die auf lebende Organismen einwirken. There’s No Such Thing as Solid Ground präsentiert eine Reihe von Installationen und Performances\, aber auch eine neue Wandzeichnung und eine Mehrkanal-Soundarbeit. \nIm ersten Raum der Ausstellung wird die Installation Taste of a Stone (2010-2020) zu sehen sein – ein Innengarten\, der eigens für diesen historischen Raum inszeniert wurde und der sich ständig weiterentwickelt. Die Landschaft aus Kies und großen Steinen wirkt harmonisch\, setzt aber gleichzeitig die Materialien Stein und Knochen in Beziehung zum Erbe von Zwangsarbeit\, geologischen Funden und pulverisierter Erdmaterie. Er dient auch als Treffpunkt für eine Reihe von Vorträgen\, Workshops und sozialen Begegnungen. \nDiaspore (2014/2020) ist eine täglich stattfindende Performance-Installation mit Frauen*\, die sich der Schwarzen\, Afrikanischen und/oder Afrodiasporischen Community zugehörig fühlen. Auf ihren Köpfen tragen sie Töpfe mit Cestrum nocturnum (Nachtjasmin). Die Arbeit durchkreuzt Linien von Abstammung und mündlicher Erinnerung und verweist auf Verwurzelung und Verlassenheit\, während sie in die mächtige und allgegenwärtige Selbstbekenntnis Schwarzer Existenz einstimmt. \nFür die Ausstellung im Gropius Bau komponiert Nkanga ihre Mehrkanal-Soundarbeit Wetin You Go Do? Oya Na (2020) neu. Die skulpturalen Formen dienen als Gegengewicht zu Machtstrukturen und fragiler Balance in Zeiten von Enteignung und Angst. Durch polyphone Töne und Echos sowie Gesänge und stimmliche Äußerungen der Künstlerin in englischer und nigerianischer Pidgin-Sprache wirkt diese Installation wie eine akustische Kammer\, die Notationen von Unterwerfung\, Rebellion und Widerstandsfähigkeit hervorhebt. \nNkangas Projekte loten Grenzen von Diskurs und Ideologie neu aus. Sie beschäftigen sich damit\, wie man jenseits menschlicher Dimensionen restaurative Pflege und Verantwortung etablieren kann. Ihre Werke widmen sich der rapiden Erschöpfung des Planeten als steigende Kosten des algorithmischen Kapitalismus. Die Künstlerin erklärt: „In den Yoruba- oder Igbo-Philosophien zum Beispiel kann man nicht denken\, existieren und sich im Raum dieser Welt aufhalten\, ohne die Luft\, den Wind\, den Baum oder die Jahreszeiten zu berücksichtigen“. Manifest of Strains (2018) zeichnet die Wechselwirkungen von Umweltgerechtigkeit\, kollektiver Wut und technologischem Begehren anhand einer Installation auf\, in der die Elemente Feuer\, Wasser und Luft geerntet werden. Durch den Austausch von Energien kennzeichnet dieses mechanistische System Perioden der Latenz\, der Korrosion und der Eruption. Darüber hinaus visualisiert es strukturelle Unterdrückung und die kollektive Psyche\, in einem Moment\, in dem verschiedene Teile der Gesellschaft während Aufständen\, Besatzungszeiten und Revolutionen zum Siedepunkt kommen. \nOtobong Nkangas vielfältige Herangehensweise an organische Materialität\, menschlichen Affekt und Sprache korrespondiert dabei mit den Themen des Ausstellungsprogramms im Gropius Bau: Land\, Fürsorge\, Anthropozän\, Grenzen\, globale Ressourcen\, Traumata – und deren intrinsische Beziehungen zum menschlichen Körper. Ihr Aufenthalt als In House: Artist in Residence am Gropius Bau im Jahr 2019 hat dazu beigetragen\, die Idee von „Reparatur und Fürsorge“ als zentrales Thema des Programms im Gropius Bau zu formulieren. \nWährend dieses Aufenthaltes beschäftigte Nkanga sich im Rahmen ihres Projekts Carved to Flow\, das im Rahmen der documenta 14 (2017) initiiert wurde\, auch mit den Besucher*innen des Hauses. Schlüsselaspekte dieser Plattform für Forschung\, Zusammenführung und gemeinschaftliche Produktion sind die Vermittlung von Wissen durch Konversation\, horizontales Lernen\, Poesie und im Fluss befindliche Körper. Für dieses fortlaufende Projekt wird während der gesamten Ausstellungsdauer ein Werkstattraum im Erdgeschoss eingerichtet. Carved to Flow ist als eine unterstützende Struktur konzipiert\, die von afrikanischer Architektur inspiriert wurde. Das Projekt erforscht die Bewegung von Materialien und Körpern als Teil eines Prozesses\, der um die Herstellung und Zirkulation von O8 Black Stone Seife kreist. In dieser Seife vermischen sich reichhaltige Öle und Buttersorten aus Afrika\, dem Nahen Osten und dem Mittelmeerraum – von Orten wassergebundener Migrationsrouten also – mit Holzkohle\, dem Überrest organischer Materie\, die in Abwesenheit von Sauerstoff karbonisiert wurde. Dadurch wird die Fruchtbarkeit der Regionen mit den Folgen von Krise\, Zerstörung\, Ausbeutung oder Misswirtschaft kontrastiert: Zustände\, die Völker und Pflanzen im übertragenen Sinne nach Luft schnappen lassen. \nCarved to Flow ist als fließendes\, sich entwickelndes Projekt angelegt. Es ersetzt Ökonomien der Extraktion und Verdrängung durch ein System der Übertragung\, bei dem das\, was entfernt wird\, in der ein oder anderen Form ersetzt oder zurückgezahlt wird. Gegenwärtig finanzieren die Erlöse aus dem Verkauf der O8 Black Stone Seife den Kunstraum Akwa Ibom Athen in Griechenland und die Carved to Flow Foundation in Nigeria\, zwei Orte für Kunst und die Archivierung lokalen Wissens. \nThere’s No Such Thing as Solid Ground erzählt von emotionaler Intelligenz\, zirkulärer Zeit und und der Sichtbarmachung von Heilung. \nStephanie Rosenthal\, Direktorin des Gropius Bau\, erklärt: „Viele Künstler*innen\, mit denen wir in den kommenden Jahren zusammenarbeiten werden\, beschäftigen sich intensiv mit den Themen Reparatur und Fürsorge. Das spiegelt auch die ökologischen Krisen und sozialen Turbulenzen unserer Zeit. Der Gropius Bau hat seine eigene bewegte Geschichte. Bei der Renovierung des Gebäudes nach dem Krieg wurden die Spuren der Schäden nicht überdeckt\, sondern bewusst sichtbar gelassen – als Erinnerung an die Notwendigkeit\, Traumata anzuerkennen und Wege zu finden\, über die Zukunft nachzudenken.“ Der Standort des Gropius Bau verleiht Otobong Nkangas Arbeiten eine zusätzliche Dringlichkeit. Fragen von globaler Bedeutung werden aufgeworfen: Wie ist unser Verhältnis zu Land? Wer gehört wohin? Wie können und sollten Grenzen in einer Ära der wachsenden Ressourcenknappheit definiert werden. \nDie Ausstellung wurde kuratiert von Stephanie Rosenthal mit Clara Meister. \nBild: Otobong Nkanga\, Taste of a Stone\, 2020. Ortsspezifische Installation\, Findlinge\, Gneis\, Granit\, Inkjet-Druck auf Kalkstein\, Islandmoos\, Marmorkies\, Movements\, Pflanzen Installationsansicht Otobong Nkanga: There’s No Such Thing as Solid Ground\, Gropius Bau\, Berlin\, 2020 © Otobong Nkanga\, Foto: Luca Giradini \n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/theres-no-such-thing-as-solid-ground-gropius-bau/ LOCATION:Martin-Gropius-Bau\, Niederkirchnerstraße 7\, Berlin\, 10963 CATEGORIES:Ausstellung ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2020/07/There’s-No-Such-Thing-as-Solid-Ground-Gropius-Bau_web.jpg GEO:52.5066485;13.3819377 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=Martin-Gropius-Bau Niederkirchnerstraße 7 Berlin 10963;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Niederkirchnerstraße 7:geo:13.3819377,52.5066485 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200813 DTEND;VALUE=DATE:20210627 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20200815T125324Z LAST-MODIFIED:20260312T175935Z UID:84030-1597276800-1624683599@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:Daimler Art Collection Ausstellung ›31: Women‹ DESCRIPTION:Daimler Art Collection Ausstellung ›31: Women‹ – Unbedingte Aufmerksamkeit sollte man der Sammlung Daimler Contemporary in der nördlich gelegenen Alten Potsdamer Straße (Haus Huth) schenken: Mit der Ausstellung ›31: Women‹ wird an zwei bahnbrechende Präsentationen in Peggy Guggenheims New Yorker Galerie Art of This Century angeknüpft: ›Exhibition by 31 Women‹\, 1943\, und ›The Women‹\, 1945. \nInitiiert und kokuratiert wurden diese Ausstellungen damals von Guggenheims Freund und Berater\, dem Künstler Marcel Duchamp. Es waren die ersten Ausstellungen in den USA in diesem Umfang\, die sich ausschließlich auf Künstlerinnen fokussierten. Die Frauen repräsentierten eine junge Generation aus 11 verschiedenen Nationen. Inhaltlich trafen Vertreterinnen des Surrealismus auf abstrakte Malerinnen\, dadaistisch beeinflusste Künstlerinnen und unbekannte\, jüngere Positionen der Zeit. \nIm Rückbezug auf dieses wichtige Gründungsdokument feministischer Kunstgeschichte verdichtet die Ausstellung ›31: Women‹ mit rund 60 Werken der Daimler Art Collection zwei langfristig entwickelte Schwerpunkte der Sammlung: der Fokus auf weibliche Protagonistinnen der Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts einerseits\, Recherchen und Projekte seit 2016 zu Duchamp/kuratorischer Praxis/Readymade andererseits.\nDie Schau ›31: Women‹ beginnt historisch mit Werken aus der Tradition von Bauhaus und Konkreter Kunst\, führt weiter zu europäischen und amerikanischen Tendenzen aus Zero und Minimalismus und erweitert dann den Horizont um jüngere Künstlerinnen aus Indien\, Südafrika\, Nigeria\, Israel\, Chile\, USA u.a. Ländern. Die Ausstellung bringt frühe feministische Tendenzen mit globalen Perspektiven der zeitgenössischen Kunst in überraschenden Konstellationen und thematischen Inszenierungen zusammen.\nKuratorin: Renate Wiehager\n\nZwei eigenständige neue Publikationen begleiten die Ausstellung: Marcel Duchamp. Das kuratorische Werk\nSie sind Legende in Wort und Bild: Marcel Duchamps Verkleidungen und zahllosen fotografischen Selbstinszenierungen\, seine ironischen\, sarkastischen\, humorvollen Kommentare zu Kunst\, Kunstbetrieb\, Kunstkritik und Kunstgeschichte. Weniger bekannt ist jener Marcel Duchamp\, der sich empathisch und strategisch alert für die Künstlerinnen und Künstler seines zeitgenössischen kulturellen Umfeldes eingesetzt hat: als Kurator von Ausstellungen zwischen den 1910er-Jahren und seinem Tod 1968\, als Juror und Berater einiger der bedeutendsten Sammlungen\, Museen und Galerien zur Kunst der Moderne. Der Band skizziert rund vierzig Ausstellungen\, ergänzt um jüngste Forschungsergebnisse\, und stellt die enge Kooperation mit wichtigen Protagonisten der Zeit vor: von Louise und Walter Conrad Arensberg\, Katherine S. Dreier\, Francis Picabia\, Sidney und Harriet Janis bis zu André Breton\, Julien Levy oder Peggy Guggenheim.\n\nDuchamp. The Women. Les Femmes. Die Frauen. Las Mucheres\nDie neue Publikation eröffnet eine ungewöhnliche Perspektive auf den ›Jahrhundertkünstler‹ Marcel Duchamp. Anhand kunstwissenschaftlicher Essays und biografischer Porträts zu mehr als einhundert Protagonistinnen von der frühen Moderne bis in die 1960er-Jahre\, die Leben und Werk von Duchamp geprägt haben\, werden wesentliche Initiativen und Kooperationen diskutiert\, die seine künstlerischen Projekte begleitet und angeregt haben. Ergänzend werden Texte von Frauen zugänglich gemacht und ins Deutsche übersetzt\, die bisher nur an entlegener Stelle auffindbar bzw. lediglich in französischer oder englischer Sprache verfügbar waren. Der Band zeichnet das gesellschaftliche und kulturelle Wirken der Frauen nach\, die als Sammlerinnen\, Galeristinnen\, Künstlerkolleginnen und Autorinnen ihre Zeit in Europa und den USA mitgeprägt haben.\nEssays zu u.a.: Louise Arensberg / Djuna Barnes / Katherine S. Dreier / Suzanne Duchamp / Peggy Guggenheim / Elsa von Freytag-Loringhoven / Mina Loy / Maria Martin / Louise Norton / Gabrielle Buffet-Picabia / Mary Reynolds / Carrie\, Ettie und Florine Stettheimer / Beatrice Wood.\n\nDie Publikationen erscheinen im April 2020 und können im Daimler Contemporary zu vergünstigtem Preis erworben werden.\n\nIm Rahmen der Ausstellung sind in einer separaten Präsentation Künstlerinnen-Portraits des Malers Marcus Neufanger ausgestellt.\n\nDaneben sei auf „Momente des Umbruchs“ verwiesen: Natalia Stachon im Interview.\nDas Werk der Künstlern Natalia Stachon (*1976 Kattowitz\, PL) transformiert und verdichtet ästhetische Elemente des öffentlichen Raumes in installativen Arbeiten. Im Interview mit Nadine Isabelle Henrich spricht sie über die Rolle von Fotografie und Literatur in ihrem künstlerischen Prozess\, ihr Interesse an industriellen Materialien\, die Wechselwirkungen zwischen Kunst und Gesellschaft sowie die neuen Kontrollinfrastrukturen in Zeiten einer globalen Pandemie. Sehen Sie das Video hier (in englischer Sprache): https://art.daimler.com/artwork/natalia-stachon-visions-and-revisions-13-2019/\nBeitrag Jana Noritsch\, Bild: Ausstellungsansicht 31: Women‹ © Daimler Art Collection in Berlin-Schöneberg (bis Juni 2021)\n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/daimler-art-collection-ausstellung-31-women/ LOCATION:Daimler Contemporary Berlin\, Alte Potsdamer Straße 5\, Berlin\, 10785 CATEGORIES:Ausstellung ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2020/08/Daimler-Art-Collection-200227_Women_013@DAC.jpg GEO:52.5084739;13.374776 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=Daimler Contemporary Berlin Alte Potsdamer Straße 5 Berlin 10785;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Alte Potsdamer Straße 5:geo:13.374776,52.5084739 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200814 DTEND;VALUE=DATE:20210428 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20200818T100112Z LAST-MODIFIED:20221212T113500Z UID:84095-1597363200-1619499599@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:Gezeichnete Stadt - Ausstellung in der Berlinischen Galerie DESCRIPTION:Gezeichnete Stadt – Arbeiten auf Papier 1945 bis heute: so heißt die aktuelle Ausstellung in der Berlinischen Galerie. Wie haben Künstlerinnen und Künstler ihre Faszination von der Großstadt umgesetzt? Die künstlerischen Positionen spiegeln das Leben und die Kunst der letzten Jahrzehnte wider. Zu sehen bis Januar 2021. \n\n\nBerlin ist gezeichnet von seiner Geschichte\, von Erfolgen und Niederlagen\, von Feudalismus\, Prag­matismus\, Liberalismus\, Demokratien und Diktatu­ren. Aber auch gezeichnet und gemalt von vielen Künstler*innen. Die Berlinische Galerie verfügt über eine der größten und wichtigsten Kunstsammlungen zur Stadt Berlin. Eine besondere Auswahl wird nun ab dem 14. August teilweise erstmals präsentiert. \nGezeichnete Stadt zeigt über 175 Werke von 22 Künstlerinnen und 47 Künstlern: über­wiegend Zeichnungen in großen\, mittleren\, kleinen Formaten\, viel Buntes und Schwarzweißes in sehr unterschiedlichen Techniken sowie ein facettenrei­cher Stilmix aus Gegenständlichkeit\, Fotorealismus\, Surrealismus\, Spätexpressionismus\, Abstraktion\, Illustrationen und Comic. „Gezeichnete Stadt“ zeigt in sechs Kapiteln einige weltbekannte Künstler*innen – u.a. Rainer Fetting\, K.H. Hödicke\, Tal R\, Tacita Dean\, Wolf Vostell – bietet aber auch viel Zeit und Raum für Entdeckungen und Wiederentdeckungen starker Werke und starker Künstler*innen-Biografien wie Gabriele Basch\, Thomas Bayrle\, Gertrude Sand­mann\, Werner Heldt\, Evelyn Kuwertz\, Klaus Vogelsang. Ausstel­lungskuratorin Annelie Lütgens befasst sich mit der Faszination der Metropole\, verbindet Ost mit West. In vielen Werken lassen sich Spuren der Zeitgeschichte auffinden\, immer wieder schim­mern auch Erinnerungsbilder an das Berlin der Weimarer Republik hindurch. Berlin feiert dieses Jahr das 100-jährige Jubiläum seiner Stadtgeschichte mit Veran­staltungen und Ausstellungen\, „Gezeichnete Stadt“ ist Teil davon. \n\n\n\nDie Ausstellung findet im Rahmen des Jubiläumsjahres „Berlin 100“ statt – einer Initiative des Landes Berlin. Sie wird unterstützt vom Förderverein Berlinische Galerie e.V.\n\nÖffnungszeiten der Berlinischen Galerie\nMi – Mo 10 – 18 Uhr\nDienstags geschlossen \nEintritt\nTageskarte 8 EUR\nErmäßigt 5 EUR\n(gilt auch für Gruppen ab 10 Personen)\nHappy Monday! Jeden ersten Montag im Monat zahlen alle Besucher*innen nur 4 EUR.\nFreier Eintritt bis 18 Jahre \nBild: © NoRA: Außenansicht Berlinische Galerie\, 2020 \n\n\n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/gezeichnete-stadt-ausstellung-in-der-berlinischen-galerie/ LOCATION:BERLINISCHE GALERIE\nMuseum für moderne Kunst\, Alte Jakobstraße 124-128\, Berlin\, 10969 ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2020/08/Gezeichnete-Stadt-Ausstellung-in-der-Berlinischen-Galerie-Arbeiten-auf-Papier-1945-bis-heute.-Grossstadt-Zeugnisse.jpg GEO:52.503478;13.398227 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=BERLINISCHE GALERIE\nMuseum für moderne Kunst Alte Jakobstraße 124-128 Berlin 10969;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Alte Jakobstraße 124-128:geo:13.398227,52.503478 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200822 DTEND;VALUE=DATE:20201027 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20200817T191456Z LAST-MODIFIED:20260313T102141Z UID:84083-1598054400-1603688399@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:"Schwarz + Weiß" - der VdBK 1867 im Käthe-Kollwitz-Museum DESCRIPTION:Verein der Berliner Künstlerinnen 1867 zu Gast im Charlottenburger Käthe-Kollwitz-Museum: In der Sonderausstellung dominieren die Farben „Schwarz + Weiß“ und erzeugen eine Atmosphäre der Einkehr und Besinnung. 22. August bis 25. Oktober 2020 \nAusstellende Künstlerinnen: Silvia Klara Breitwieser\, Ines Doleschal\, Hannah Dougherty\, Friederike Klotz\, Maja Rohwetter\, Heike Ruschmeyer\, Viola Schill und Nadja Siegl.\nKuratorin der Ausstellung „Schwarz + Weiß“: Dr. Anna Havemann \nEin Nilpferd gegen eine Schlange gesetzt\, ein Affe auf Filz\, Naturformen\, die zu japanischen Schriftzeichen werden\, Linien\, Reflexionen\, Spiegelkästen\, die das Leben in mechanischen Bahnen symbolisieren; Fotografien\, die Abgründe eröffnen. Die 80-jährige Konzept- und Objektkünstlerin Silvia Klara Breitwieser zeigt in ihrem sechsteiligen Relief-Zyklus erstmalig Menschenbildnisse. Die BILDNISSE sind Menschenbilder als Meta-Portraits. Sie sind keine Individual-Portraits\, aber Hinterfragungen von Antlitz und Gesicht im Bezug zu Gesellschaft\, Umwelt\, Schicksal und Geschichte. Ines Doleschal reduziert in ihrer Serie Form folgt konsequent Farbe und Form. Umgeben von einem Übermaß an flüchtigen und reizintensiven Bildern im Alltag und Großstadtleben ist die Konzentration auf ein Weniges – Kohleflächen\, Architekturparaphrasen\, Papierstreifen und minimale Farbigkeit – ein künstlerischer Gegenentwurf. \nEin Blickfang der Ausstellung ist Hannah Doughertys raumhohe Installation: Zeichnungen auf mehreren Lagen von Papierrollen. Die Künstlerin setzt sich mit Naturphänomenen auseinander und arbeitet u. a. mit Versatzstücken aus Comic und Popart. Friederike Klotz symbolisiert durch ihre Linien und Reflexionen\, die ein Spiegelkasten entstehen lässt\, das Leben in vorgegebenen\, mechanischen Bahnen. Maja Rohwetter kommentiert mit ihren wie am Computer entstanden wirkenden Collagen die neuen Medien. Heike Ruschmeyer verwendet in ihren „Disaster Series“ Fotografien aus Zeitungen\, die einen Blick in die Abgründe menschlicher Existenz eröffnen. \nSkurril bis alptraumhaft wirken die Arbeiten von Viola Schill\, die sich in der Plastik mit Nilpferd und Schlange und in der Filzcollage „Als der Affe sprechen lernte“ mit Rollenbildern in der Gesellschaft auseinandersetzt. Auf der Suche nach Zeichen und Spuren befindet sich Nadja Siegl\, die in der Natur gefundene Gegenstände fotografiert\, vergrößert und ihnen eine eigene Sprache gibt. \nDie acht ausstellenden Künstlerinnen des Vereins der Berliner Künstlerinnen 1867 repräsentieren einen Querschnitt der Mitglieder dieses Traditionsvereins\, dem Käthe Kollwitz einst selbst angehörte. In der Sonderausstellung „Schwarz + Weiß“ sind Alt und Jung vertreten\, aus Berlin stammende Künstlerinnen wie auch aus dem In- und Ausland zugezogene. Der Verein der Berliner Künstlerinnen 1867 ist Motor\, Netzwerk und Schaufenster für kunstschaffende Frauen. Viele bekannte Künstlerinnen der Moderne standen mit dem Berufsverband als Mitglieder\, Schülerinnen\, Lehrerinnen oder Teilnehmerinnen an den Vereinsausstellungen in enger Verbindung. Heute vereint der Verein 54 Künstlerinnen aus aller Welt\, deren Lebens- und Arbeitsmittelpunkt Berlin ist. \n„Da der Verein der Berliner Künstlerinnen 1867\, obwohl er zu den ältesten Kulturinstitutionen Berlins gehört\, keinen festen Ausstellungsort hat\, sind wir sehr dankbar\, dass wir bereits zum zweiten Mal im Käthe-Kollwitz-Museum zu Gast sind\,“ sagt Ute Gräfin von Hardenberg\, 1. Vorsitzende des VdBK. \nDer Verein spielte auch im Leben von Käthe Kollwitz eine wesentliche Rolle und ermöglichte ihr in seiner 1868 gegründeten Zeichen- und Malschule eine professionelle Ausbildung. Die monochrome Arbeitsweise hat eine lange Tradition und fand in dem Werk von Käthe Kollwitz eine nie zuvor dagewesene Ausschließlichkeit. Waren es bei Kollwitz hauptsächlich schwarze Linien und Flächen auf weißem Papier\, loten die zeitgenössischen Künstlerinnen die Möglichkeiten des Umgangs mit den Nichtfarben Schwarz und Weiß sowie allen dazwischenliegenden Grautönen in verschiedenen Techniken aus und wie bei einem Orchesterstück ergibt sich ein harmonischer und zugleich eindringlicher Gesamtklang. Vertreten sind Kohlezeichnungen\, Collagen\, Fotografien\, Skulpturen\, Installationen sowie Spiegelkästen. \nDr. Anna Havemann\, Kuratorin der Ausstellung verspricht\, „die Abstinenz der Farbe wird die Betrachtenden herausfordern\, über ihre Wahrnehmungsmuster in unserer Welt der Farbenflut zu reflektieren.“\nDr. Josephine Gabler (Direktorin Käthe-Kollwitz-Museum Berlin): „Wir freuen uns sehr\, den VdBK 1867 erneut im Käthe-Kollwitz-Museum zu Gast zu haben. Es wird nach dem Corona-Ausbruch die einzige Sonderausstellung des Museums im Jahr 2020 sein. Alle anderen auswärtigen Präsentationen wurden abgesagt oder verschoben. Es ist dem Kollwitz-Museum aber gerade in dieser schwierigen Zeit ein besonderes Anliegen\, Künstlerinnen eine Öffentlichkeit zu bieten. Als weitere Unterstützung können während dieser Ausstellung im Museum erstmalig Werke der Mitglieder des VdBK 1867 von den Besucher*innen auch käuflich erworben werden. Wir hoffen sehr\, dass von diesem einmaligen Angebot reger Gebrauch gemacht wird.“ \nBegleitprogramm Künstlerinnengespräch und Ausstellungsrundgang:\nSonntag\, 6. September 2020 um 16 Uhr mit Hannah Dougherty und Maja Rohwetter\nSonntag\, 13. September 2020 um 16 Uhr mit Viola Schill und Nadja Siegl\nSonntag\, 20. September 2020 um 16 Uhr mit Ines Doleschal und Friederike Klotz\nFamilienworkshop Sonntag\, 18. Oktober 2020\, 11–13 Uhr\nwww.kaethe-kollwitz.de\nÖffnungszeiten: Täglich 11 – 16 Uhr\, Eintritt: 7 €\, erm. 4 €\, Telefon: 030 882 5210 \nDer VdBK 1867 ist der erste und älteste Berufsverband bildender Künstlerinnen im deutschsprachigen Raum. \nDer Verein der Berliner Künstlerinnen 1867 \n \nEs gelten die Hygiene- und Abstandsregeln\, so dass wir Sie bitten\, während Ihres Aufenthaltes in den Museumsräumen den vorgeschriebenen Mund-Nasen-Schutz zu tragen. Haben Sie bitte Verständnis\, dass nur eine begrenzte Zahl von maximal 10 Besucher*innen gleichzeitig Einlass finden. Es besteht von Seiten des Museums eine Dokumentationspflicht. \nBild: © Viola Schill\, Manchmal verändern sich die Größenverhältnisse (2019)\, Assemblage aus Modelliermasse\, Porenbeton\, Plastikfigur\, 25 x 25 x 20 cm\, Foto © Rainer Jordan \n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/schwarz-weiss-der-vdbk-1867-im-kaethe-kollwitz-museum/ LOCATION:Berlin\, Deutschland CATEGORIES:Begleitprogramm zur Ausstellung ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2020/08/Viola.Schill.Manchmal_veraendern_sich_die_Groessenverhaeltnisse_2019@Rainer_Jordan_web.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200823 DTEND;VALUE=DATE:20210130 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20200710T174343Z LAST-MODIFIED:20230116T124638Z UID:83644-1598140800-1611896399@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:City (un)limited – der Traum vom eigenen Haus. Schloss Biesdorf. DESCRIPTION:Immer eindringlicher stellt sich die Frage nach Bodeneigentum bezogen auf das Spannungsverhältnis zwischen den Bedürfnissen von Einzelnen und denen der Gemeinschaft. Die Ausstellung unternimmt eine Bestandaufnahme des Siedlungsgebietes im Berliner Bezirk Marzahn-Hellersdorf\, das als größte zusammenhängende Einzelhaussiedlung Deutschlands gilt. Realisiert sich die Autonomie von Einzelnen tatsächlich durch (Wohn-)Eigentum? Die künstlerischen Positionen der Ausstellung bewegen sich zwischen Bestandsaufnahme\, Analysen der politischen\, wirtschaftlichen und sozialen Aspekte und möglichen Zukunftsszenarien. Zur Ausstellung gibt es ein umfangreiches Begleitprogramm. \nListe der Künstler*innen \nSigrun Drapatz / Tanja Lenuweit\nIna Geißler\nEva Kietzmann\nThomas Kilpper / Ina Wudtke\nUlrike Kuschel\nFabian Lippert\nReinigungsgesellschaft\nDaniele Tognozzi \n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/city-unlimited-der-traum-vom-eigenen-haus/ LOCATION:Schloss Biesdorf\, Alt-Biesdorf 55\, Berlin\, 12683\, Deutschland CATEGORIES:Ausstellung ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2020/07/city-unlimited.jpg GEO:52.5098114;13.5576429 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=Schloss Biesdorf Alt-Biesdorf 55 Berlin 12683 Deutschland;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Alt-Biesdorf 55:geo:13.5576429,52.5098114 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200823 DTEND;VALUE=DATE:20201107 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20200710T174606Z LAST-MODIFIED:20230116T124638Z UID:83646-1598140800-1604638799@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:B1 – eine Straße durch Berlin. Fotografien im Schloss Biesdorf. DESCRIPTION:Fotografien von Aenne Burghardt\, Ekkehart Keintzel\, André Kirchner\, Andreas Muhs\, Peter Oehlmann\, Cordia Schlegelmilch\, Jörg Schmiedekind\, Wolf Jobst Siedler\, Peter Thieme\, Volker Wartmann\, Arnd Weider und Jochen Wermann. 2016 bis 2020 \nDie Bundesstraße B1 verbindet zahlreiche das Stadtbild prägende und historisch bedeutsame Orte\, die die deutsche Geschichte des 20. Jahrhunderts lesbar und erlebbar machen: Novemberrevolution\, Weimarer Republik\, Nazi-Zeit\, Krieg und Nachkrieg\, Berlins Teilung und erneutes Zusammenkommen nach dem Fall der Mauer und der deutschen Wiedervereinigung. Die widersprüchliche Geschichte dieser Stadt\, ihre Brüche und Veränderungen manifestieren sich in den entlang der B1 zu findenden Stadträumen und Architekturen\, die wie eine Abfolge von Ausstellungsstücken erlebt und verstanden werden können. \nZwölf Fotografinnen und Fotografen zeigen ihre persönlichen Wahrnehmungen und Auffassungen dieser Stadträume\, die im Jetzt verankert sind\, aber nie ihre Geschichte vergessen lassen. \nIn der Berliner Gesprächsrunde zur Stadtfotografie\, zu der mittlerweile vierzehn Fotografinnen und Fotografen regelmäßig zusammenkommen\, wird neben Diskussion und Austausch auch an gemeinsamen fotografischen Themen gearbeitet. \n2016 begann die Auseinandersetzung mit der B1. Ein Abschnitt dieses ursprünglich von Königsberg bis Aachen reichenden Verkehrsweges führt durch Berlin\, von Mahlsdorf im Osten der Stadt bis zur Glienicker Brücke im Südwesten. \nIm Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography 2020 \n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/b1-eine-strasse-durch-berlin/ LOCATION:Schloss Biesdorf\, Alt-Biesdorf 55\, Berlin\, 12683\, Deutschland CATEGORIES:Ausstellung ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2020/07/Peter-Thieme.-Zehlendorf.-Potsdamer-Stra├ƒe.jpg GEO:52.5098114;13.5576429 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=Schloss Biesdorf Alt-Biesdorf 55 Berlin 12683 Deutschland;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Alt-Biesdorf 55:geo:13.5576429,52.5098114 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200828 DTEND;VALUE=DATE:20201017 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20200710T125021Z LAST-MODIFIED:20230116T124637Z UID:83605-1598572800-1602824399@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:Thai Pham Ho - Körper und Glied. Galerie Anna25 DESCRIPTION:Der aus Vietnam stammende Berliner Künstler hat noch während seines Studiums an der Akademie der bildenden Künste in München mit dem Tätowieren angefangen. Mit seinen Tätowierungen beschreitet er einen neuen Weg in der Branche\, da er weg von den Traditionen geht und andere\, künstlerische Ausdrucksweisen beim Tätowieren sucht. Ebenfalls versucht der Künstler in seiner Kunst neue Wege zu beschreiten\, indem er die Tätowierung\, die Kunst\, den Körper und dazu mitschwingenden gesellschaftliche Vorurteile in drei Werkgruppen vereinigt. \n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/thai-pham-ho-koerper-und-glied/ LOCATION:Galerie Anna25\, Schönleinstr. 25\, Berlin\, 10967\, Deutschland CATEGORIES:Vernissage ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2020/07/IMG_1042-scaled.jpg GEO:52.49067;13.42059 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=Galerie Anna25 Schönleinstr. 25 Berlin 10967 Deutschland;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Schönleinstr. 25:geo:13.42059,52.49067 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200829 DTEND;VALUE=DATE:20201026 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20200804T100533Z LAST-MODIFIED:20221212T113448Z UID:83927-1598659200-1603601999@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:Poröse Stadt – Grenzgänge des Urbanen im Kunstraum Kreuzberg. DESCRIPTION:Eine Ausstellung von Caroline Adler & Eylem Sengezer \nPoröse Stadt — Grenzgänge des Urbanen eröffnet einen Blick auf das Bewohnen von Stadt als poröses und prekäres Beziehungsgeflecht\, das immer wieder neu verhandelt werden muss. Die Ausstellung versucht\, die (unsichtbaren) Grenzziehungen und Machtverhältnisse im städtischen Raum\, aber auch die kreativen Möglichkeiten ihrer Umdeutung und Aneignung sichtbar zu machen. Gerade durch die Einblendung dieser Machtverhältnisse innerhalb städtischer Verwertungsprozesse wird die Verwicklung und Verdichtung unterschiedlicher Regime der Marginalisierung für bestimmte Körper und Erinnerungen in denselben Räumen einer Stadt deutlich. Die Auseinandersetzung mit der Stadt wird somit zu einer Auseinandersetzung mit der gelebten Erfahrung im Stadtraum\, den sozialen Formen\, die bestimmte Architekturen (v)er(un)möglichen\, als auch der ‘wohnenden Gesellschaft’ als sozialer Architektur selbst.\nDie Arbeiten gehen unter anderem der Frage nach\, wie und wo sich ein solidarisches ‘Recht auf Stadt’ jenseits funktionaler Logiken artikuliert. Neben der Auseinandersetzung mit dem öffentlichen Raum thematisiert die Ausstellung das ‘Wohnen’ nicht als Rückzug ins Private\, sondern als von jeher politisches Verhältnis: in der kritischen Auseinandersetzung mit der Internationalen Bauausstellung (IBA) der 80er Jahre und den widerständigen Strategien von Migrant*innen im Kampf um lebenswertes Wohnen in Kreuzberg bis hin zur kreativen Selbstorganisation von Mieter*innen im Märkischen Viertel der 70er Jahre.\nDas Stadtbild Berlin ist auch ein Raum der Imagination\, in das sich verschiedene gesellschaftliche Selbstverständnisse und -entwürfe eingeschrieben haben: von der ideologischen Rezeption alter und neuer Architektur im Anschluss an die Baukunst der 60er Jahre bis hin zu zeitgenössischen dystopisch-unternehmerischen Entwürfen der ‘Stadt von morgen’\, geprägt von einer Logik der Exklusivität und des Ausschlusses.\nEine dekoloniale Auseinandersetzung mit dem historischen Berlin als ‘poröser Stadt’ erfolgt gegen eine monumentale Erinnerungskultur\, die sich in Denkmälern oder machtvollen Überschreibungen im öffentlichen Raum manifestiert. Zeichnungen\, Fotografien und Videoarbeiten nehmen persönliches und kollektives Erinnern als Emanzipation von hegemonialer Stadtgeschichte in den Blick: sei es an der Siegessäule im Berliner Tiergarten\, an Schauplätzen ehemaliger NS-Zwangsarbeitslager oder auf dem Alten St. Matthäus Friedhof. \nGefördert aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds und der Senatsverwaltung für Kultur und Europa: Fonds für Kommunale Galerien und dem Fonds für Ausstellungsvergütungen für Bildende Künstlerinnen und Künstler. \n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/poroese-stadt-grenzgaenge-des-urbanen/ CATEGORIES:Ausstellung ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2020/08/200728_Poröse_Stadt_Facebook_Teaser_NLF-scaled.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200829 DTEND;VALUE=DATE:20201115 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20200917T142207Z LAST-MODIFIED:20221212T113535Z UID:84504-1598659200-1605329999@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:JÜRGEN WITTDORF: LIEBLINGE. Kunstverein KVOST. DESCRIPTION:Arbeiten aus der Sammlung Linkersdorff und der Sammlung des Schwules Museum Berlin\, kuratiert von Stephan Koal.\nHolz- und Linolschnitte finden sich darunter ebenso wie Zeichnungen mit Rötelkreide\, Kohle und Tusche sowie Keramiken. Ergänzt wird die Ausstellung im KVOST durch Bilder seiner wohl bekanntesten Serie: Zyklus für die Jugend. \nWittdorfs Bilder zeigen vielfältige Alltagsszenen\, Stillleben\, Landschaften und Tiere. Seinen Durchbruch als Künstler in der DDR erlangte er jedoch mit der Darstellung junger Menschen\, die nicht als Arbeiter und Bauern idealisiert\, sondern als Suchende mit ihren Wünschen und Sehnsüchten dargestellt wurden. Was Wittdorf von der Obrigkeit den Vorwurf der „Verwestlichung“ einbrachte\, wurde von der Jugend begeistert gefeiert. \nDie Kunst war für Wittdorf auch ein Mittel\, sich mit seiner eigenen Homosexualität auseinanderzusetzen\, die in der DDR bis 1968 unter Strafe stand. So entstanden über die Jahrzehnte etliche Bilder halbbekleideter oder nackter männlicher Körper. Aus heutiger Perspektive betrachtet\, stellen sich zahlreiche Bezüge her zu den ikonischen Arbeiten von Künstlern wie David Hockney oder Tom of Finland. \nWittdorf hinterließ keine Vorgaben\, die den Verbleib seines Erbes geregelt hätten. \nNach seinem Tod\, kam es zu einer Versteigerung in einem Auktionshaus für Nachlässe\, bei der der Sammler Jan Linkersdorff einen Großteil der Konvolute retten konnte und so die zusammenhängende Erhaltung ermöglichte. \nKVOST zeigt die Arbeiten Jürgen Wittdorfs in einer Petersburger Hängung\, größtenteils in den Originalrahmen – so\, wie sie auch in Wittdorfs Wohnung präsentiert wurden. \nDie Ausstellung wird durch Leihgaben aus der Sammlung des Schwulen Museums unterstützt. \nJürgen Wittdorf\, geboren in Karlsruhe\, mit einer schulischen Ausbildung in Königsberg (heute Kaliningrad)\, studierte von 1952 bis 1957 an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig. Nach einigen Jahren als freischaffender Künstler in Leipzig zog Wittdorf 1970 nach Ost-Berlin und wurde Meisterschüler an der Akademie der Künste bei Lea Grundig. Neben der freischaffenden Tätigkeit als Grafiker und Maler war Wittdorf viele Jahre Dozent und Zeichenlehrer. Seine Werke sind in etlichen Sammlungen ostdeutscher Museen vertreten sowie im Berliner Schwulen Museum. Die Grafikmappe Zyklus für die Jugend befindet sich u.a. auch in der Sammlung des Deutschen Historischen Museums. \nZur Ausstellung erscheint ein Katalog im DISTANZ Verlag. \n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/juergen-wittdorf-lieblinge/ LOCATION:KVOST – Kunstverein Ost\, Leipziger Strasse 47\, Berlin\, 10117\, Deutschland CATEGORIES:Ausstellung ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2020/09/04_Wittdorf_KVOST.jpg GEO:52.510285;13.397856 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=KVOST – Kunstverein Ost Leipziger Strasse 47 Berlin 10117 Deutschland;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Leipziger Strasse 47:geo:13.397856,52.510285 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200901 DTEND;VALUE=DATE:20201103 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20200907T205336Z LAST-MODIFIED:20221212T113523Z UID:84360-1598918400-1604293199@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:Berlin Biennale DESCRIPTION:Die Berlin Biennale – die 11. – läuft: Solidarität\, Verletzlichkeit und Widerstand stehen bei der diesjährigen Berlin Biennale im Fokus. An vier Ausstellungsorten können die Besucher Präsentationen und Performances begutachten oder an Workshops teilnehmen. \nDie 11. Berlin Biennale begann vor einem Jahr mit einer langsamen Öffnung. Seitdem erkundet sie die zahlreichen Risse\, die wir in uns tragen\, die kleinen Furchen\, die uns ebenso trennen wie verbinden. Die eingeladenen Künstler*innen und Teilnehmer*innen der Biennale stellen sich diesem Prozess in ihrer jeweiligen Praxis\, mit eigenen Definitionen\, in ihrem spezifischen Kontext und ihrer Zeitlichkeit. Einen Raum schaffen\, in dem wir diese Erfahrungen teilen können\, bedingt\, dass wir das wenig nachhaltige Tempo einer Biennale entschleunigen\, die Erwartungen an ein singuläres Konzept zurückweisen\, uns der nächsten neuen Idee zur Lösung aller Probleme verweigern. Als die Corona-Pandemie vor einigen Monaten die Festung Europa erreichte\, hatten wir einen Augenblick lang das Gefühl\, die Erde wolle stehenbleiben. Das Virus offenbarte die Brutalität des Alltags und die Ungleichheit\, in der die große Mehrheit der Gefangenen des patriarchalischen Kapitalismus zu leben gezwungen ist. Während wir diese Worte schreiben\, befinden sich viele\, deren Werke in der Ausstellung zu sehen sind\, im Süden und nach wie vor im Lockdown. Sie sind da\, wo medizinische Versorgung ein Luxus ist\, und es nur für die Privilegierten Rettung gibt.\n\nDie Worte „Der Riss beginnt im Inneren“ haben wir bei Iman Mersal entlehnt. Die Dichterin thematisiert die zahlreichen Geister der Mütterlichkeit und höhlt die mit ihnen verbundenen Moralvorstellungen unserer Zeit aus. Mersals Beschreibung gründet in der Ablehnung des Selbstopfers\, in der Weigerung\, das „Ei [zu sein]\, das das Neugeborene auf dem Weg ins Leben zerbricht“. Sie stöbert in den Spalten dieses Dissenses\, spürt darin die mannigfachen Möglichkeiten auf\, die Mutter und Kind in dieser Gebrochenheit tragen: Schmerz und Schönheit\, Trauer und Leben. Als Titel des Epilogs der 11. Berlin Biennale verweist Der Riss beginnt im Inneren auf den Betrug\, der in der Annahme liegt\, hier werde das Alte zerstört\, damit etwas Neues entstehen kann\, jenes Argument also\, auf das die weißen Väter immer wieder als frisches Gerüst für den Erhalt ihrer verfallenden Strukturen zurückgreifen. Dies ist die Gewalt\, die uns umgibt. Wir sind ein Teil von ihr.\n\nDer Riss beginnt im Inneren ist eine Komposition des sich überlagernden Erlebens der in der Ausstellung versammelten Kunstwerke\, ist gemeinsames Atmen\, gegenseitige Berührung und Bewegung. Der Riss beginnt im Inneren legt Zeugnis ab von den wirkmächtigen kollektiven Geschichten\, die diese Beiträge erzählen\, von der Arbeit\, die sie leisten\, von dem\, was sie erschüttern. Der Epilog ist eine Übung in gegenseitiger Erkenntnis\, die Anerkennung der Risse im System\, derjenigen\, die es zerbricht und ihrer Kämpfe. Wenn die einzwängende Politik der Kompartmentalisierung aufgerissen wird\, verschwindet die Kunst nicht im Nichts\, sondern sie durchfließt alles. Der Riss beginnt im Inneren verneigt sich vor der solidarischen Verletzlichkeit der Heilenden und Fürsorgenden\, der Kämpfenden\, vor ihren Frakturen und ihrer Macht.\n\nDie Antikirche\n\nKönnen wir unseren kollektiven Körper von patriarchalischer Gewalt und der Gefahr\, die sie darstellt\, befreien? Nach wie vor feiern die Massen den weißen Vater\, den Priester und den Staatsmann\, der von seiner nationalistischen Kanzel herab predigt. In der gesichtslosen Menge der Anbetenden drängt sich Leib an Leib. Die sexualisierte Politik des Faschismus manifestiert sich im Zusammenspiel mit der ekstatischen\, alle Häretiker*innen erfassenden Repression. In ihren zahlreichen Mutationen setzt die Religion des Kolonialkapitalismus den kriminellen Amoklauf gegen die wachsende Mehrheit der Ungläubigen fort. Diese wiederum wenden sich von den alten\, blassen Göttern und ihren Fundamentalismen ab\, vandalisieren Kathedralen\, verkünden\, dass auch ihre Statuen stürzen werden. Der Klerus insistiert\, der heidnische Feind sei mächtig\, unsichtbar und omnipräsent\, und glücklicherweise stimmt das. In Konfrontation zu den neuen Theokrat*innen\, ihren Anhänger*innen und ihrer mörderischen Historie stehen diejenigen\, die zurückschlagen\, indem sie schlicht ihr Leben leben. Ihre Existenz allein ist eine Übung im Überleben\, gegenwärtig im Alltagskampf\, der in diesem Augenblick überall auf dem Planeten geführt wird. Schlaflieder\, gesungen von den Alten\, Rebellionen\, gewebt von indigenen Frauen\, Kinder\, ihren Müttern entrissen\, die neue Verwandtschaften finden. Emanzipatorische Kosmologien und Sexualitäten bauen private und kollektive Gegenkirchen\, queere und transfeministische Tempel\, die sich der Taktik der Angst und des Fanatismus der Autokrat*innen und ihren makabren Prozessionen stellen. Sie sagen: „Wir sind die Enkel*innen der Hexen\, die ihr verbrannt habt.“ Sie vollziehen Rituale feministischer Solidarität. Sie erfinden die matriarchalischen Allianzen der rebellischen Trauer. Sie teilen ihre Verletzlichkeit und ihre Geschichten. Sie sind spirituelle Heiler*innen. Sie sind immer viele\, und niemals allein.\n\nDas Schaufenster\n\nDie Stadt besteht nicht aus dem Gebauten. Sie formt sich aus weichen\, sich durch sie bewegenden Körpern und ihrer affektiven Kartografie. Kleidung hilft uns\, Raum zu gestalten\, zu bewohnen und zu verändern. Doch können wir uns in den Ort hüllen\, den wir erreichen wollen? Können wir den ersehnten kollektiven Leib tragen? Willkommen vor dem Schaufenster\, das den Blick auf rebellische Körper und ihre Choreografien der Entwaffnung freigibt. Prêt-à-porter-Architektur für eine Dynamik der Empfindsamkeit und eine Politik der Mode\, die die hypersexualisierte Normalität der saisonalen Kollektionen in den Warenhäusern entschleiert. Kleidung als zweite\, als schützende Haut\, als Fürsorge\, die die Maskerade der Geburt oder der biologischen Mitgift offenbart. Kleidung und Kostüm als zärtliche\, anschmiegsame Festung\, als Raum für sich allein. Trojanische Gänse oder Opossums als liebevolle\, organische Gefährte\, aus denen wir herausspringen\, um das Hausieren der Konzerne zu entlarven und die Uniformen zu zerreißen\, die sie uns aufzwingen. Kleider und Prothesen als Akt der Liebe\, als Möglichkeit des Zuhörens und des Zusammenseins\, des Einswerdens mit dem\, was uns umgibt. Kleidung\, Bedeckung und Aufdeckung\, als Sprache und Territorium. Weiße Wände sanft gezeichnet\, kaschiert\, das Licht reflektierend gestaltet\, uns einfangend in ihren schimmernden Glanz. Dies ist eine Fassade für queere und dissidente Körper und ihre wilden Promenaden.\n\nDas umgekehrte Museum\n\nWie beklagen wir den Verlust dessen\, was nie sein durfte? Wie beweinen wir\, was im Namen des Fortschritts\, der Schönheit\, der Zukunft ausgelöscht und zum Schweigen gebracht wurde? Museen wurden auf diesem vielfachen Tod erbaut. In kleinen Glassärgen bergen sie die Scherben zerbrochener Welten\, das dort erbeutete Gut. Sie zogen weiter in die Moderne\, unfähig\, dem Impuls\, besitzen zu wollen und einzukerkern\, z\, und behaupteten ein weiteres Mal\, dass alles Wissen in der Schuld ihrer „Entdeckungen“ stünde. Hygienisch weiße Wände erklärten Pest und Plantagen zu Angelegenheiten der Vergangenheit. Saubere Schiefertafeln und riesige Ausstellungshallen wurden errichtet\, um große Männer und ihre monumentale Kunst zu feiern. Neues wurde gestaltet\, um die Vergangenheit im ewigen Machtverhältnis mit ihrer Gegenwart zu halten\, die Zeitlichkeit selbst gekapert. Doch die Steine erinnern an die Jahrhunderte\, in denen die Wälder brannten\, das Land ausgebeutet\, das Leben leergesaugt wurde. Sie sind Zeugen und erkennen\, dass sich die Zeit nicht auf eine gerade Linie herunterbrechen lässt. Der alte Klang der Vögel\, der Flüsse und Felsen\, die dem Boden entrissen wurden\, dröhnt über uns. Die aus der Geschichte Getilgten fragen nicht\, ob sie leben dürfen\, und sie weigern sich\, zu vergessen. Sie warnen uns\, dass der dunkle Rauch\, der aus der rissigen Mutter Erde aufsteigt\, eine Gefahr für alle darstellt\, die auf ihr leben. Sie warnen\, dass der fallende Himmel eine unmittelbare Bedrohung ist. Sie sind sich bewusst\, dass diese Mauern ihre Erfahrungen und das Erleben ihrer ermordeten Vorfahren nicht festhalten können. Sie üben sich im Zuhören\, um die Wunde zu heilen\, zu der die Welt geworden ist. Ihre Geschichten des Verschwindens werden gehört und gefühlt. Sie fordern weder Inklusion noch neue Ideen\, sondern die bedingungslose Freilassung aller Geiseln.\n\nDas lebendige Archiv\n\nIm vergangenen Jahr war unser temporärer Raum 11. Berlin Biennale c/o ExRotaprint ein Ort der Erfahrung und des Austauschs. Hier wurden Geschichten erzählt\, erfunden und geteilt\, in verschiedenen Sprachen\, die im Hof und auf der Straße gesprochen werden\, die immer noch zu hören sind. Dies war ein Ort des experimentellen Ausstellungsmachens\, an dem sich Menschen begegneten\, sich unterhielten\, Tee tranken\, saßen und vorlasen\, Puppenspiele inszenierten und präsentierten\, malten\, schrieben\, lauschten\, tanzten. Ein Ort\, an dem sich der Prozess des Machens den unerwarteten Konsequenzen gegenseitiger Exponiertheit öffnete. Wir\, diejenigen\, die dazukamen\, lernten von unseren Nachbar*innen\, von ihrer vorsichtigen Neugier und großzügigen Bereitschaft. Wir lernten vor allem von den Kindern\, die sich als erste ein Stück dieses Quartiers aneigneten. Sie wussten\, dass es ihnen mehr als uns gehörte\, und sie nutzen es entsprechend. Wir waren traurig\, als wir schließen mussten\, weil die Pandemie die Stadt traf\, und freuten uns\, als wir die Türen wieder öffnen durften. Wir bemühten uns\, vorsichtig zu agieren\, suchten sichere Möglichkeiten der Wiederbegegnung\, wissend\, wie wichtig ein solcher Raum der Kontakte ist. Dieser Ort gab dem Prozess Sicherheit\, er entstand langsam\, war durchlässig und hatte einen menschlichen Maßstab. Fast wurde er zu einem Zuhause. Hier lebt sie\, die Gastfreundschaft\, die vor allem von unserer Umgebung\, von den Passant*innen\, Teilnehmer*innen\, Gästen\, Künstler*innen und Mitarbeitenden ausgeht. Für eine kurze Zeit ließen Menschen sich hier nieder\, fanden zusammen\, versammelten sich\, sprachen miteinander und hörten zu. Was bleibt ist ein lebendiges Archiv dieser Gastfreundschaft – das Geschenk\, das sie alle uns machten.\n\nMit Arbeiten und Beiträgen von:\n\nPacita Abad • Noor Abuarafeh • Marwa Arsanios • Shuvinai Ashoona • Paula Baeza Pailamilla • Aline Baiana • Virginia Borges\, Gil DuOdé und Virginia de Medeiros (und Gäste: Pêdra Costa\, Marie Monteiro\, Bárbara Richter) • Deanna Bowen • Felix Brüggemann • Cansu Çakar • Edgar Calel (in Zusammenarbeit mit Fernando Pereira dos Santos) • Flávio de Carvalho (in Zusammenarbeit mit Raymond Frajmund) • Sara Sejin Chang (Sara van der Heide) • Colectivo de Serigrafía Instantánea • Francisco Copello • Léo Corrêa • Kiri Dalena • Cian Dayrit • Die Remise (Ali Akyol\, Jacqueline Aslan\, Stefan Bast\, Muriel Biedrzycki\, Julia Brunner\, Fatma Cakmak\, Stefan Endewardt\, Tobi Euler\, Melina Gerstemann\, Ayşe Güleç\, Juanita Kellner\, Angelika Levi\, Carmen Mörsch\, Shanti Suki Osman\, Ayse Preissing\, Markus Schega\, Miriam Schickler\, Aylin Turgay und Schüler*innen der Nürtingen-Grundschule und Heinrich-Zille-Grundschule und Gäste: Çiçek Bacık\, Aïcha Diallo\, Saraya Gomis\, Kotti-Shop\, Annika Niemann\, Tuğba Tanyılmaz) • Zehra Doğan • El Palomar • Brenda V. Fajardo • FCNN – Feminist Collective With No Name (Dina El Kaisy Friemuth/Anita Beikpour) mit Neda Sanai • Feministische Gesundheitsrecherchegruppe (Inga Zimprich/Julia Bonn) (und Gast: Sickness Affinity Group) • Andrés Fernández • Galli • Sandra Gamarra Heshiki • Till Gathmann • Mauricio Gatti und Grupo Experimental de Cine (Alfredo Echániz\, Gabriel Peluffo\, Walter Tournier) • Pélagie Gbaguidi • Eiko Grimberg • Sheroanawe Hakihiiwe • Emma Howes und Justin Kennedy in Zusammenarbeit mit Balz Isler • Francisco Huichaqueo • Âlut Kangermio • Käthe Kollwitz • La rara troupe • Delaine Le Bas • Mapa Teatro – Laboratorio de Artistas • Christine Meisner • Meyer-Grohbrügge • Dana Michel und Tracy Maurice • Małgorzata Mirga-Tas • Dorine Mokha • Pedro Moraleida Bernardes • Óscar Fernando Morales Martínez • Marcelo Moreschi • Carlos Motta • Museo de la Solidaridad Salvador Allende (MSSA)\, CL • Museu de Arte Osório Cesar\, Franco da Rocha\, BR • Museu de Imagens do Inconsciente\, Rio de Janeiro\, BR • Andrés Pereira Paz • Antonio Pichillá • Mirja Reuter und Florian Gass • Naomi Rincón Gallardo • Florencia Rodriguez Giles • Aykan Safoğlu • Mariela Scafati • Solvognen (The Sun Chariot) Theater Group • Young-jun Tak • Teatro da Vertigem • Elena Tejada-Herrera • Teo • The Black Mamba – Natasha Mendonca & Suman Sridhar • Sinthujan Varatharajah • Cecilia Vicuña • Azucena Vieites • Castiel Vitorino Brasileiro • Bartolina Xixa • Osías Yanov und Sirenes Errantes • Katarina Zdjelar und anderen\n\nDie Berlin Biennale wird gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes und organisiert vom KUNST-WERKE BERLIN e. V.\nTickets sind auf der Website https://bb-shop.visitate.net/en vorher zu buchen. \nOrte:  \nKW Institute for Contemporary Art\, Auguststraße 69\, 10117 Berlin\nMi–Mon 11–19 Uhr\, Do 11–21 Uhr\, Die geschlossen \ndaadgalerie\, Oranienstraße 161\, 10969 Berlin\nMi–Mon 11–19 Uhr\, Die geschlossen \nGropius Bau\, Niederkirchnerstraße 7\, 10963 Berlin\nMi–Mon 11–19 Uhr\, Do 10–21 Uhr\, Die geschlossen \n11th Berlin Biennale c/o ExRotaprint\, Bornemannstraße 9\, 13357 Berlin\nMi–Mon 11–19 Uhr\, Die geschlossen \nBild: © Affect Archives. Sinthujan Varatharajah – Osías Yanov\, 11th Berlin Biennale c/o ExRotaprint\, 22.2.–2.5.2020\, extended until 25.7.2020\nInstallation view. © Foto: Mathias Völzke \n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/berlin-biennale/ CATEGORIES:Ausstellung,Kunst- und Kulturfestival ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2020/09/Berlin-Biennale-bb11_Exp_3_public_C_Mathias-Voeltzke.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200903 DTEND;VALUE=DATE:20201102 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20201012T195648Z LAST-MODIFIED:20221212T113554Z UID:84695-1599091200-1604206799@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:Nicola Samorì "In abisso" bei EIGEN + ART DESCRIPTION:Nicola Samorì wird in der Galerie EIGEN + ART gezeigt mit „in abisso“ („in den Abgrund“)\, bis Ende des Monats in Berlin-Mitte. \nDie Beziehung Nicola Samorìs zu den Quellen seiner Bilder ist durchdrungen von einer kontinuierlichen Auseinandersetzung mit der Geschichte der bildenden Kunst\, nicht lehrhaft\, sondern substanziell. Die Arbeit als Maler und Bildhauer impliziert notwendigerweise die Konfrontation mit diesem Erbe\, das heutzutage nur allzu oft als sperriger Ballast wahrgenommen wird. Samorì hat keine Angst vor der Vergangenheit und vor seinen Vorgängern. Er nimmt sie als Vorbilder in Besitz und nutzt sie\, um einen notwendigen Weg der Erkenntnis und Selbsterkenntnis zu durchlaufen\, benutzt sie als Instrumente\, um ihre Sprache zu dekonstruieren und eine eigene Poetik zu begründen. \nDie Suggestionskraft einer kunsthistorischen Ikone kann so stark sein\, dass sie über die Jahrhunderte immer wieder neu bearbeitet wird\, jedes Werk zu einem Baustein wird\, der nach und nach die Elemente der Wiedererkennbarkeit verliert\, immer mehr mit seinem jeweiligen Urheber eins wird und sich immer weiter vom Ursprungswerk entfernt. (…) In den malerischen Arbeiten der Ausstellung arbeitet Nicola Samorì mit den natürlichen Fehlstellen in Marmor- und Onyxplatten\, mit Aushöhlungen\, Geoden und Aggregaten im Material. Die Figuren in seinen Bildern passen sich diesen Fehlstellen an statt sie zu kaschieren\, mal werden sie zu Augen umgewidmet\, mal lösen sie sich in Blumenblüten oder Gesichtern auf\, dann wieder werden Brustwarzen nachempfunden. Die Motive entwickeln sich aus einem physischen Mangel oder einem Defekt der Natur und verweisen oft auf die Martyrien biblischer und kunsthistorischer Figuren: der Lukrezia\, der Heiligen Lucia oder dem Hieronymus. Und wenn das Ursprungsmaterial makellos ist\, wie im Falle der Santa Lucia in weißem Carrara-Marmor\, dann ist es der Künstler\, der dort mit seiner Bearbeitung einen Störfaktor\, eine Anomalie einbaut: Wie bei einem chirurgischen Eingriff implantiert er natürliche Geoden in die orbitalen Hohlräume des Materials. Der Akt\, der das Bild blendet\, öffnet den Blick desjenigen\, der es betrachtet für Neuinterpretationen des Kodex. (Ausschnitt aus einem Text von Chiara Stefani\, Übersetzung aus dem Italienischen von Sabine Heymann) \nBild: Nicola Samorì In abisso\, Ausstellungsansicht\, 2020\, Galerie EIGEN + ART Berlin. Foto © Uwe Walter\, Berlin \n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/nicola-samori-in-abisso-bei-eigen-art/ LOCATION:Galerie Eigen+Art\, Auguststraße  26\, Berlin\, 10117 CATEGORIES:Ausstellung ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2020/10/NSamori_Berlin_2_Eigen-Art.jpg GEO:52.5269196;13.3971198 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=Galerie Eigen+Art Auguststraße  26 Berlin 10117;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Auguststraße  26:geo:13.3971198,52.5269196 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200903 DTEND;VALUE=DATE:20201124 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20201013T202213Z LAST-MODIFIED:20221212T113555Z UID:84715-1599091200-1606107599@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:Features - 10 Sichten auf Berlin Nikolaikirche DESCRIPTION:Features – 10 Sichten auf Berlin | Museum Nikolaikirche: Ab sofort gibt es in der Berliner Nikolaikirche wieder hochkarätige zeitgenössische Kunst zu sehen: „Features – 10 Sichten auf Berlin“ betrachtet aus künstlerischer Perspektive die jüngste Geschichte und die Gegenwart Berlins. \nFür die Ausstellung haben zehn hier lebende oder arbeitende deutsche und internationale Künstlerinnen und Künstler Entwicklungen und Debatten in den Blick genommen und jeweils ein neues\, großformatiges Bild erarbeitet. Die Werke stammen von Norbert Bisky\, Patricia Bucher\, Sol Calero\, Friederike Feldmann\, Nadira Husain\, Thomas Kilpper\, Thomas Ravens\, Petra Trenkel\, Helen Verhoeven und Suse Weber. \n„Die Festschreibung der Gegenwart und der Vergangenheit ist immer auch eine politische Deutung und Aussage. Doch wie wollen wir unsere jetzige Zeit erzählen? Die Perspektive der Kunst ermöglicht vielstimmige\, diverse und zeitgenössische Deutungen der aktuellen Geschichte. Die Künstlerinnen und Künstler zeigen überraschende persönliche Sichtweisen\, die uns die Gegenwart und die jüngere Vergangenheit besser verstehen lassen\,“ so Paul Spies\, Direktor des Stadtmuseums Berlin.\n\nSo wie Berliner Stadtbilder von Beginn an einen Sammlungsschwerpunkt des Stadtmuseums Berlin gebildet haben\, so haben sie immer auch zur Auseinandersetzung mit Gegenwartsthemen angeregt. Die Einladung an zeitgenössische Kunstschaffende\, ihre persönliche Sicht auf Berlin ins Bild zu setzen\, ist daher ein folgerichtiger Schritt\, der vielfältige Anknüpfungsmöglichkeiten für die Menschen dieser Stadt und für ein internationales Publikum bietet. Kuratiert wurde die Ausstellung von Maarten Janssen\, der als freier Künstler und Kurator in Rotterdam und Berlin lebt.\n\nAusgangspunkt für das Projekt war Maarten Janssens Beobachtung\, dass zwei Bildfriese in der Stadtmitte die Geschichte Berlins teilweise sehr unterschiedlich erzählen: der Terrakottafries am Roten Rathaus (1879) und der Gerhard Thiemes Betonfries im Nikolaiviertel (1987)\, der sich von der Rathausstraße bis in die Poststraße zieht. Beide Reliefs zeigen ausgewählte Ereignisse der Stadtgeschichte vom 13. Jahrhundert bis zum Zeitpunkt ihres Entstehens – jedoch setzen sie entsprechend des jeweiligen politischen Zeitgeistes unterschiedliche Schwerpunkte.\n\nSicht auf die jüngste Geschichte und Gegenwart:\nWenn die beteiligten Künstlerinnen und Künstler das klassisch-repräsentative Format eines Frieses aufgreifen\, geht es nicht um eine neue\, ideologisch gefärbte Entwicklungsgeschichte Berlins\, sondern darum\, vor dem Hintergrund aktueller Realitäten eine internationale\, multiperspektivische Sicht auf die Entwicklungen seit 1987 und die heutige Stadt zu entwerfen. Wer sind wir jetzt\, an diesem Ort\, in der deutschen Hauptstadt\, einer europäischen Metropole mit allen komplexen Problemen des urbanen Lebens im 21. Jahrhundert? In Auseinandersetzung mit dem Ausstellungsort\, den Sammlungen des Stadtmuseums Berlin\, der jüngsten Geschichte und der Gegenwart dieser Stadt sind zehn neue Werke entstanden\, die sich im Kirchenschiff zu einem großen Fries zeitgenössischer Kunst zusammenfügen. > Die Nikolaikirche stärkt mit der Sonderausstellung ein weiteres Mal ihre Bedeutung als lebendiger Ort kulturellen Lebens in Berlin und Raum für zeitgenössische Kunst\, die zur aktiven Beschäftigung mit wichtigen aktuellen Themen einlädt. Begleitend zur Ausstellung findet ein wöchentliches Musikprogramm statt\, an das sich jeweils eine Führung oder ein Gespräch mit beteiligten Künstlerinnen und Künstlern oder dem Kurator anschließt.\n\nGefördert durch den Hauptstadtkulturfonds\nAdresse MUSEUM NIKOLAIKIRCHE | Nikolaikirchplatz | 10178 Berlin\nInfoline Tel. (030) 24 002-162 | info@stadtmuseum.de\nÖffnungszeiten täglich 10–18 Uhr\nEintritt 6\,00 / 4\,00 Euro\, bis 18 Jahre Eintritt frei\n\nLaufzeit bis 22. November 2020\nDas Booklet „Features – 10 Sichten auf Berlin“ im Eintrittspreis enthalten\nWebseite www.stadtmuseum.de/features\n\nBild: Features Copyright Stadtmuseum Berlin Foto: Christian Kielmann\n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/features-10-sichten-auf-berlin-nikolaikirche/ LOCATION:Museum Nikolaikirche\, Nikolaikirchplatz\, Berlin\, 10178\, Deutschland CATEGORIES:Ausstellung ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2020/10/Features_copyright-Stadtmuseum-Berlin_Foto-Christian-Kielmann.jpg GEO:52.5166501;13.4078135 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=Museum Nikolaikirche Nikolaikirchplatz Berlin 10178 Deutschland;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Nikolaikirchplatz:geo:13.4078135,52.5166501 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200904 DTEND;VALUE=DATE:20201108 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20200714T123313Z LAST-MODIFIED:20230116T124633Z UID:83695-1599177600-1604707200@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:Meng Huang - Solo Exhibition DESCRIPTION: URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/meng-huang-solo-exhibition/ LOCATION:Kang Contemporary\, Lindenstraße 90\, Berlin\, 10969\, Deutschland CATEGORIES:Ausstellung GEO:52.5025191;13.3941226 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=Kang Contemporary Lindenstraße 90 Berlin 10969 Deutschland;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Lindenstraße 90:geo:13.3941226,52.5025191 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200904 DTEND;VALUE=DATE:20201122 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20200714T111146Z LAST-MODIFIED:20230116T124634Z UID:83679-1599177600-1605934799@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:"Oberflächenspannung" DESCRIPTION:„Oberflächenspannung“ gibt es auf vielfältige Weise ab 4. September im legendären Prenzlauer Berger Verein Helle Panke zu sehen: Malerei von Felix Schulze und Matthias Moseke. \nDas physikalische Phänomen der Oberflächenspannung bekommt in den beiden abstrakten malerischen Position von Felix Schulze und Matthias Moseke vielschichtige ästhetische und philosophische Bedeutungsebenen. Was braucht es\, um ’surface energy‘ zu schaffen oder zu durchbrechen? \nAb 19 Uhr wird die Ausstellung am 4. September eröffnet: Einführung: Jana M. Noritsch (Collectors Club Berlin)\, Musik: Celine Voccia\, piano.\nDie Ausstellung ist zu sehen bis zum 20. November.\nBesichtigung ist nach Terminvereinbarung möglich in der Kopenhagener Straße 9\, Berlin 10437. \nWir hatten den Maler Moseke schon einmal im Video-Interview dazu: „Traktion“ Video zum Kunstgespräch in der Galerie Schöne Weide. \n„Helle Panke“ e.V. – Rosa-Luxemburg-Stiftung Berlin: 1991 kamen Intellektuelle\, Künstlerinnen\, Künstler und politisch Interessierte aus dem Ostteil zur Einsicht\, dass politische Veränderung zuallererst politische Bildung\, die Diskussion von Theorie und Politik der Linken in einer kapitalistischen Gesellschaft verlangt. Heute ist der gemeinnützige Verein tatsächlich ein Gesamtberliner Projekt geworden\, wo niemand nach dem Stadtteil fragt\, aber gerne ob seiner Haltung\, seines Wissensdurstes und seiner Diskussionsfreude begrüßt wird. Seit fast drei Jahrzehnten finden rege Diskussionen in den vielfältigen Veranstaltungen statt. \nFelix Schulze\nSowohl bei den abstrakter Malereien als auch bei seinen Holzarbeiten ist das Element der Entdeckung ein vorherrschendes Thema. Genau wie die Formen eines Möbelstücks während der Arbeit langsam sichtbar werden\, entfaltet sich das Kunstwerk auf dem Maluntergrund im Verlauf des Prozesses. Die Fertigstellung seines ersten Bildes als Nebenprodukt eines Holzarbeit-Projektes war der Beginn einer langen Versuchsreihe mit\nverschiedenen Materialen und Techniken\, sowie der stetigen Verbesserung von unterschiedlichen Methoden\, um schlussendlich einzigartige und\nwirkungsvolle Effekte in der Kombination von Farbe und Struktur zu erreichen. Felix Schulze möchte das Publikum faszinieren und Emotionen provozieren. Dieses Bestreben zeigt sich in jedem einzelnen seiner Werke. Spürbar werden in den Arbeiten außerdem die Kontraste zwischen Stille und Chaos sowie zwischen Licht und Dunkelheit. Um dem Betrachter eine freie und individuelle Interpretation der Kunst zu ermöglichen\, erhalten\nseine Werke häufig keinen Titel. \nMatthias Moseke\nKontinuierlich stellt die nicht-gegenständliche Malerei das Fundament seines künstlerischen Schaffens dar. Komposition als Kernthema\, gegenläufige oder plane Strukturen\, pastose Farbflächen\, deutlicher Duktus und eine reduzierte Palette sind charakteristisch für seine Arbeiten. Immer münden\nintensiv durchgearbeitete Sujets in eine malerische Konsequenz. Intuition und Konzept werden hierbei nicht als gegensätzliche Herangehensweisen\nwirksam – sie bedingen einander und formen\, mit entschlossenen Setzungen\, emotionale Bildräume. Ob tiefdunkel oder gleißend hell\, mosekes Werke transportieren seine optimistische Haltung zum Leben und zur Leidenschaft. \nText: Jana Noritsch\, Bild: Matthias Moseke „unterbrochen“ \n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/oberflaechenspannung/ LOCATION:Helle Panke e.V. – Rosa-Luxemburg-Stiftung Berlin\, Kopenhagener Straße 9\, Berlin\, 10437\, Deutschland CATEGORIES:Ausstellung ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2020/07/Oberflächenspannung-unterbrochen_moseke.jpg GEO:52.5491612;13.41081 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=Helle Panke e.V. – Rosa-Luxemburg-Stiftung Berlin Kopenhagener Straße 9 Berlin 10437 Deutschland;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Kopenhagener Straße 9:geo:13.41081,52.5491612 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200904 DTEND;VALUE=DATE:20201031 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20200807T091342Z LAST-MODIFIED:20221212T113449Z UID:83938-1599177600-1604033999@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:Maike Freess. THEATRE OF SOLILOQUY in der Luisa Catucci Gallery. DESCRIPTION:Die virtuose Zeichentechnik der deutschen Künstlerin Maike Freess\, die aus einer schier unerschöpflichen Quelle der Phantasie schöpft\, hat eine anziehende\, fast schon brutale Kraft.\nEs ist nicht mehr das bloße ästhetische Vergnügen\, den Betrachter dazu zu drängen\, sie anzuschauen. Maike Freess arbeitet mit verschiedenen Medien: Fotografie\, Skulptur\, Video und Installation.\nDoch ihr Hauptgebiet bleibt zweifellos die Malerei\, durch diese Verbindung erreicht sie eine Art Hyperrealismus.\nMänner\, Frauen und Kinder werden in ihrem intimsten Zustand porträtiert\, in Räumen\, in denen alles gewährt wird\, wie in der Schwebe in dem einen irdischen Moment zwischen Wachsein und Schlummern\, wo “Schönheit” und “Proportionen” nur Ansatzpunkte sind. In\nihrem zeichnerischen Prozess beginnen sich die Sujets zu verwandeln\, als würde etwas Verborgenes und Verdrängtes enthüllt\, etwas insgeheim Gewünschtes\, das Fiktion und Realität vermischt.\nSie kommt nicht zum Surrealismus\, weil ihre Arbeit das Gefühl vermittelt\, durch eine Art poetische Vision erzeugt zu werden. Hinter ihren Figuren verbirgt sich eine tiefgründige psychologische Arbeit.\nFreess stellt kein spezifisches Thema dar\, mehr die Erinnerung an einen Traum\, in dem Bewusstes und Unterbewusstes\, Subjektives und Universelles zu einer Einheit verschmelzen.\nMaike Fress beschreibt als Hauptthema ihrer künstlerischen Forschung das Individuum in seiner unvollkommenen\, begrenzten und instabilen Natur\, die Beziehung zu sich selbst\, zu seiner\nUmgebung\, zu anderen Menschen und zur Gesellschaft: die Ambiguität der menschlichen Psyche. Arthur Schopenhauer schrieb: “Das Gedächtnis ist kapriziös und bizarr\, wie ein junges Mädchen: Jetzt leugnet es unerwartet das\, was es hundertmal zugestanden hat\, nur um es zurückzugeben\, wenn man aufhört\, darüber nachzudenken.” In der Reihe “Die Erben – Die Erben” spielt Maike Freess auf genetische Veranlagungen an\, auf jene unerwünschten Begabungen\, die uns von unseren Vorfahren übertragen wurden\, um unseren Lebensweg zu bewältigen. Wir müssen uns unseren Ursprüngen\, unseren Vorvätern\, bei jeder Veränderung der Umstände stellen\, um zu verstehen\, wer wir sind und wo unsere Möglichkeiten liegen. Eine kontemplative Arbeit\, die uns zu einem genetischen Code zurückbringt\, der eng mit unserem inneren Selbst verbunden ist. Marcel Proust sagte: “Wir können alles in unserem Gedächtnis finden: Es ist eine Art Apotheke\, ein chemisches Labor\, in dem wir zufällig hier ein beruhigendes Medikament oder dort ein gefährliches Gift in die Hände bekommen”. Durch Weisheit und Erfahrung werden wir fähig\, aus unserem Unterbewusstsein die richtigen Instrumente zu erhalten\, um dem\, was vor uns liegt\, zu begegnen. Die existentielle Erfahrung wird dank der Erinnerung zum Leben. \n„Ein Loch ist immer da\, wo etwas nicht ist.“ Kurt Tucholski \nAuf phylogenetischer Ebene funktioniert der Mensch\, indem er u.a. aus für ihn positiven Elementen seine Motivation schöpft. Negatives\, schlechte Erinnerungen werden weggedrückt\, zugusten der positiven Begebenheiten\, Erinnerungen und Geschichten.\nDies dient vor allem dazu\, besser zu leben und zu überleben. Dieser Mechanismus unseres menschlichen Daseins\, das Negative zu Gunsten des Positiven zu verschieben\, ist fest determiniert. Bewertungen von Dingen und Erlebnissen\, für Zurückliegendes\, (Historisches) werden insofern korrigiert\, repariert\, manipuliert. Geschichte zu eliminieren oder zu manipulieren\, erweist sich zunächst als eindeutiger Vorteil für das Hier und Jetzt. Damit entsteht allerdings ein proportional falsches Bild.\nDer Zustand\, den wir im Moment des Ereignisses erleben\, hat in der Wirkung und Entfaltung eine ganz andere Qualität als in der Rückschau. So scheint die Chance auf objektive Reflexion kaum möglich. Den Blick auf Erlebtes wiederum bewusst zu korrigieren\, zu manipulieren oder auch zu reparieren erschafft einen Kontext\, der mit dem beschriebenen Mechanismus noch zusätzlich verschmilzt. Unter diesen Voraussetzungen ist der Gedanke naheliegend\, dass jede Erinnerung schon eine Korrektur der Wirklichkeit darstellt. Daraus generiert sich umgekehrt der Wunsch\, unsere Erinnerung in der Weise zu korrigieren\, dass eine bessere Nähe zur Realität möglich wird.\nDer Umgang mit dem ideellen Erbe spielt in diesem Zusasmmenhang ebenso eine bedeutende Rolle: Das Moment der Konfrontation und der Annahme des Erbes\, die wachsende Beeinflussung durch Erbe\, der Umgang mit demselben\, d.h. man kann seiner Prägung sozial und genetisch nicht entrinnen\, man kann sich nicht entziehen. Das Erbe kann zur Last\, zur Bürde oder auch zum Geschenk werden. Gibt es dabei also die absolute individuelle Freiheit? Natürlich nicht\, höchstens eine Annäherung. Eine gewisse Determinierung jedes Einzelnen ist vorgegeben. Theater of Soliloquy verstehe ich als kulminatives Ensemble\, als finalen Hybrid. Zeichnungen\, größtenteils auf schwarzem Papier zeigen Körperhüllen\, Körperfragmente menschlicher Wesen.\nDabei geht es mir keinesfalls um reale Abbilder\, sondern ausschließlich um das Dahinter\, um unser Innenleben mit allen Besonderheiten\, Attitüden\, dem Unvollkommenen\, Abwegigen im Alltäglichen\, Unzulänglichkeiten oder auch gesellschaftlicher Normen.\nMich beschäftigt das menschliche Dasein aus psychologischer Perspektive. Ich suche eine Form psychologische Räume darzustellen\, Der ‚gedachte Raum‘ ist meine Basis. Ich will unser ganz persönliches Drama\, unser inneres Theater herausstellen. Aufgeladene Innenwelten und Ambiguitäten\, Unbeschreibbares\, Unsichtbares werden sichtbar gemacht.\nIch operiere mit der Verbindung des “Inneren” und des “Äußeren” sowohl auf materiellerals auch auf psychologischer Ebene. Psychische Räume werden nach außen gestülpt und werden zu konkretisierten\, unheimlichen “Innen” räumen.\nIch suche eine Verbindung zwischen “innen” und “außen” sowie einen Übergangsort zu schaffen\, wo der mentale und physische Raum miteinander korrelieren und eine neue Realität bilden. Mir geht es um ein existenzielles Prinzip.\nMomente des Nicht-Jetzt\, psychologische Leerstellen und Leeräume\, Wartezeiten auf etwas Neues\, auf das Eigentliche\, das Besondere interessieren mich dabei. Das Unbewusstsein nimmt hier seinen eigenen Platz ein.\nDabei sind mir alle Mittel der Verzerrung\, Übertreibung ins Surreale oder der Mutation recht. Es ist immer das Seltsame\, das die Routine in unserem Blick durchbricht.\nIn meinen Zeichnungen verwende ich schwarze bzw. weiße cut-Elemente. Auch Schnitte\, Spalten\, Öffnungen\, Verletzungen im Papier entstehen. Sie geben den Blick ins Innere frei\, bzw. überlagern\, trennen oder verschieben ihre Objekte.\nSie stehen für die zweite doppelte Ebene\, die permanent präsent sind\, die parallel zu unseren Gedanken existiert und nicht benennbar ist. Diese “verborgenen Orte” beschreiben das Ungewisse\, das Unbeschreibbare\, die Zwischenräume zwischen den realen Dingen.\nDiese schwarze oder weißen Schnitte\, Risse\, Spalten oder Löcher transportiere ich ebenso in den realen Raum als dreidimensionale Zeichnung. \n– Raumzeichnungen / architektonische Eingriffe (Cuts):\nNicht ich schneide die cuts\, sondern cuts schneiden den Raum. Ähnlich wie auf den Zeichnungen durchqueren schwarze Linien\, Spitzen und Kanten auch Wände und Boden. Sie entspringen einer unvorhersehbaren Quelle\, um sich dann im Nichts wieder aufzulösen.\nDer Organismus “Raum” soll dabei wie in einen künstlichen Tiefschlaf versetzt werden. Präzise Eingriffe sollen den „Kreislauf“ stören\, rekonstruieren und refigurieren. Diese ‚cuts‘ -Schnitte\, Risse\, Verletzungen\, Dekonstruktionen\, Überlagerungen/Überblendungen\, Kaschierungen- stehen für das Leere\, das Unerkannte\, das Unbekannte\, das Unvorhersehbare\, das uns permanent im Leben kreuzt. Wie schwarze Löcher oder blinde Flecken kennzeichnen sie das\, was wir mit Logik nicht verstehen können.\nDiese Lücken und Löcher zwischen den Dingen sind letztlich signifikanter als das visuell an einem Ort Anwesende\, weil sie die Wahrnehmung immer wieder neu aktivieren.\nMaike Freess \n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/maike-freess-theatre-of-soliloquy/ LOCATION:Luisa Catucci Gallery\, Allerstr. 38\, Berlin\, 12049\, Deutschland CATEGORIES:Ausstellung ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2020/08/MAIKE-Soliloquy_INSTA-1.jpg GEO:52.4747742;13.424074 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=Luisa Catucci Gallery Allerstr. 38 Berlin 12049 Deutschland;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Allerstr. 38:geo:13.424074,52.4747742 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200904 DTEND;VALUE=DATE:20201108 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20200812T150927Z LAST-MODIFIED:20221212T113450Z UID:83963-1599177600-1604725199@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:TIDE - Meng Huang in der Kang Contemporary. DESCRIPTION:Please scroll down for German version \nIt is the German Romantic painters that deeply impress Meng Huang\, and especially the work of Caspar David Friedrich such as The Monk by the Sea or the Abbey in the Oak Forest\, both of which hang in the National Gallery in Berlin. Meng Huang has often gazed at them there – always viewing only one painting a day\, and always for exactly 45 minutes. What fascinates the artist (who lives in Berlin and Beijing) about Friedrich’s paintings is the kinship to Chinese landscape painting that he observes\, especially to paintings of the Song Dynasty (960-1279 AD). \nThe three large-format\, black and white oil paintings in Meng Huang’s exhibition at KANG Contemporary depict scenes from nature that connect the paintings from the two epochs. Water-1 (2012) depicts lightly foaming waves on a moving water surface\, which could also be seen as mountains. In Lake of Rain-1 (2020)\, raindrops draw circles on a still water surface; Nature-2 (2020) is a scene in which the water\, shore\, mountains and clouds are dramatically stratified in horizontal layers. \nIn all three pictures the painter takes the position of an observer\, as if hovering in reverie over the surface of the picture. In particular with Nature-2\, Meng Huang quotes\, on one hand\, the two-dimensional effect in the historical pictorial concept of Chinese painting\, according to which the lower third of the canvas is the stage of human\, earthly life\, while the upper third depicts nature\, \nthe heavenly. On the other hand\, he succeeds thereby in allowing the motif to appear all the more three-dimensional – a clear reference to the example of paintings from the Romantic period. \nIf in these paintings – in contrast to many paintings of Caspar David Friedrich – there are no people to be seen\, this is an apt and characteristic expression of isolation and loneliness\, of atmospheres of longing. But above all\, with these paintings Meng Huang concentrates upon the representation of natural phenomena as a traditional representation of the divine – appropriate to that vision of painting of the Song Dynasty\, according to which the depiction of human beings is considered trivial. \nThat Meng Huang is known as a political artist – especially through his paintings in which people are depicted – places his works shown here at KANG Contemporary in a special light. Although each painting works independently\, together they deliver\, in their emptiness of human presence\, a worthy framework for the artist’s sculptural work of 2018: Name. \nFor this work\, central in his exhibition at KANG Contemporary\, the artist has presented the names of all those persons who\, in connection with the occupation of Tibet by the People’s Republic of China\, have burned themselves (self-immolated) since 2009: their names are written in Braille on fired porcelain plaques\, one plaque for each name. These names are not allowed to be officially recognized or compiled in the People’s Republic of China. Meng Huang chose the material for the white plaques\, which are identical in size and shape\, not only because the fired material references the cause of death of the people he names\, symbolizing them in an urgent\, haunting way through a kind of silent protest\, but also because of the English term for porcelain: China. Of the total 162 plaques of this so eminently political as well as formally impressive work of Meng Huang\, 30 plaques are being presented at KANG Contemporary. \nText by Martin Conrads\nEnglish edit by Carolyn Prescott \nGerman version \nEs sind die Gemälde der deutschen Romantik – und insbesondere die Caspar David Friedrichs –\, die Meng Huang tief beeindrucken: „Der Mönch am Meer“ oder die „Abtei im Eichwald“ – beide in der Berliner Neuen Nationalgalerie hängend. Oft hat Meng Huang sie dort betrachtet – immer nur ein Gemälde am Tag\, und immer für exakt 45 Minuten. Was den in Berlin und Peking lebenden Meng Huang an Friedrichs Bildern fasziniert\, ist die von ihm bemerkte Verwandtschaft zu chinesischer Landschaftsmalerei\, vor allem zu jener aus der Zeit der Song-Dynastie (960–1279 n. u. Z.). \nDie drei großformatigen\, schwarz-weiß gehaltenen Ölgemälde in Meng Huangs Ausstellung bei KANG Contemporary zeigen Naturszenen\, die die beiden Malereiepochen verbinden: leicht schäumende Wellen auf einer bewegten Wasseroberfläche\, die auch Berge sein könnten („Water–1“\, 2012)\, Regentropfen\, die auf einem stillen Gewässer ihre Kreise ziehen („Lake of Rain–1“\, 2020) sowie eine Szenerie\, bei der Wasser\, ein Ufer\, Berge und Wolken in horizontaler Staffelung dramatisch geschichtet sind („Nature–2“\, 2020). \nIn allen drei Bildern nimmt der Maler die Position eines sich über der Oberfläche befindenden\, schwebenden\, entrückten Beobachters ein. Insbesondere bei „Nature–2“ zitiert Meng Huang so einerseits jene historische Bildvorstellung zweidimensional wirkender chinesischer Malerei\, nach der im unteren Drittel der Leinwand die Bühne des menschlichen\, irdischen Lebens gezeigt wird\, während auf den oberen Dritteln die Natur\, das Himmlische abgebildet ist. Andererseits gelingt es ihm auf diese Weise\, das Motiv umso dreidimensionaler erscheinen zu lassen – ein deutlicher Verweis auf Bildbeispiele aus der Romantik. \nWenn auf diesen Gemälden – ganz im Gegensatz zu vielen Bildern Caspar David Friedrichs – keine Menschen zu sehen sind\, so ist dies durchaus ein eigener Ausdruck von Isolation und Einsamkeit\, von Atmosphären der Sehnsucht. Vor allem aber sucht Meng Huang mit diesen Gemälden die Konzentration auf die Darstellung von Naturerscheinungen als traditioneller Repräsentation des Göttlichen – gemäß jener Vorstellung der Malerei der Song-Dynastie\, nach der die Abbildung von Menschen als trivial gewertet wird. \nDass Meng Huang insbesondere durch seine Gemälde\, auf denen Menschen abgebildet sind\, als auch politischer Künstler bekannt ist\, lässt seine bei KANG Contemporary gezeigten Bilder in besonderem Licht erscheinen: So eigenständig jedes von ihnen ist\, liefern sie in ihrer Menschenleere einen würdigen gemeinsamen Rahmen für Meng Huangs skulpturale Arbeit „Name“ von 2018. \nFür dieses bei KANG Contemporary zentral gezeigte Werk hat der Künstler alle Namen jener Personen\, die sich im Zusammenhang mit der Besetzung Tibets durch die Volksrepublik China seit 2009 selbst verbrannt haben\, in Braille-Schrift auf Porzellantafeln gebrannt – für jeden Namen eine Tafel. Es handelt sich um Namen\, die in der Volksrepublik offiziell nicht genannt\, nicht gesammelt werden dürfen. Das Material für die weißen größen- und formidentischen Tafeln wählte Meng Huang nicht nur\, da der gebrannte Werkstoff Beistand leistet\, die Todesursache der von ihm im Sinn eines stillen Protests benannten Personen in eindringlicher Weise zu symbolisieren\, sondern auch wegen des englischen Begriffs für Porzellan: „China“. Von den insgesamt 162 Tafeln dieser so eminent politischen wie formal eindrücklichen Arbeit Meng Huangs werden bei KANG Contemporary stellvertretend 30 gezeigt. \nText by Martin Conrads \n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/tide-meng-huang/ LOCATION:Kang Contemporary\, Lindenstraße 90\, Berlin\, 10969\, Deutschland CATEGORIES:Ausstellung ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2020/08/Kang-ContemporaryNEW.jpg GEO:52.5025191;13.3941226 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=Kang Contemporary Lindenstraße 90 Berlin 10969 Deutschland;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Lindenstraße 90:geo:13.3941226,52.5025191 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200904 DTEND;VALUE=DATE:20201214 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20201203T222617Z LAST-MODIFIED:20260313T103031Z UID:85101-1599177600-1607835599@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:Salon No 3 - Galerie Christine Knauber DESCRIPTION:Über 90 Werke von 23 Künstlerinnen und Künstlern hält die Galerie Christine Knauber derzeit in der Ausstellung »Salon No 3« bereit. Die Salon-Reihe zeigt in großzügiger Petersburger Hängung eine üppige Vielfalt von Positionen\, Techniken und Sujets zeitgenössischer Kunstschaffender.\n\nChristine Knauber: »Durch Corona hatten wir alle weniger soziale Kontakte\, aber auch weniger Begegnungen mit der bildenden Kunst. Diesem allgegenwärtigen Weniger will diese Ausstellung ein fröhliches Mehr entgegensetzen!«.\nSorgfältig kuratierte Malerei\, Druckgraphiken\, Zeichnungen\, Skulpturen und Fotografien stehen für dieses »Mehr« in der Schöneberger Langenscheidtstraße.\n\nKünstler/innen: Heike Adner\, Sarah Deibele\, Tobias Deicke\, Jill Tegan Doherty\, Rainer Ehrt\, Ola Eibl\, Michael Jastram\, Christoph Löffler\, Frank Machalowski\, Jörg Menge\, Selma Özdemir (Atelier Blumenfisch)\, Elke Pollack\, Paul Reichmann (Atelier Blumenfisch)\, Mathias Roloff\, Gudrun Schäfer\, Peter Schulz Leonhardt\, Gregor Schuster\, Ursula Strozynski\, Hartmut Sy\, Marcel Teske\, Miguel Vallinas Prieto\, Daniel Wetzel und Juri Zurkan.\n\nDie vielfältige Ausstellung will inspirieren\, erstaunen und begeistern. »Unsere Kunstszene braucht solche Begeisterung gerade jetzt\, nachdem viele Galerien und Einrichtungen geschlossen waren oder ihre Pläne für Sommer und Herbst ändern mussten«\, so Christine Knauber.\n\nAusstellung bis 12. Dezember 2020 Öffnungszeiten: Mi–Sa 13–18 Uhr\nFührungen während der Ausstellungslaufzeit:\nsamstags 14–18 Uhr (mit Anmeldung)\n\nAnmeldung per Mail oder Telefon (s.u.). Aufgrund der aktuellen Situation dürfen sich in den Galerieräumen leider nur bis zu acht Gäste aufhalten. Sie sind eingeladen\, ein Zeitfenster von einer Stunde zu buchen und so in einen ganz privatimen Kunstgenuss zu kommen! Beginn ist jeweils zur vollen Stunde innerhalb der angegebenen Zeiten. Bitte beachten Sie\, dass wir bei Veranstaltungen verpflichtet sind\, Ihre Anwesenheit zu dokumentieren und Ihre Kontaktdaten aufzunehmen. Des Weiteren möchten wir Sie bitten\, die allgemeinen Hygieneschutzmaßnahmen zu berücksichtigen.\n\nIm neuen Jahr hat die Galerie wieder ab 6. Januar 2021 geöffnet. Das Salon-Karussell wird sich bis Mitte/Ende Februar 2021 weiterdrehen.\n\nGalerie Christine Knauber\nLangenscheidtstraße 6 (U7 Kleistpark)\, 10827 Berlin-Schöneberg Telefon: 030 69 81 65 09\nkontakt@galerie-knauber.de\, www.galerie-knauber.de\n\nBild: Ausstellungsansicht Fotos: © Cathrin Bach und Christine Knauber\n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/salon-no-3-galerie-christine-knauber/ LOCATION:Galerie Christine Knauber\, Langenscheidtstr. 6\, Berlin\, 10827 CATEGORIES:Begleitprogramm zur Ausstellung ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2020/12/Salon-No-3-Knauber.jpg GEO:52.4891902;13.3620169 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=Galerie Christine Knauber Langenscheidtstr. 6 Berlin 10827;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Langenscheidtstr. 6:geo:13.3620169,52.4891902 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200905 DTEND;VALUE=DATE:20201011 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20200709T143651Z LAST-MODIFIED:20230116T124633Z UID:83572-1599264000-1602305999@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:Dodo Dialogues in der janinebeangallery DESCRIPTION:In der Gruppenausstellung „Dodo Dialogues“ wird die janinebeangallery die Werke von den fünf Künstlern Anna Borowy\, Dominik Butzmann\, Kathrin Günter\, Arny Schmit und Martin Stommel als eine thematische Gegenüberstellung von Mensch und Natur zeigen. Die Gemälde der drei Maler Borowy\, Schmit und Stommel haben sowohl Landschaften als auch Tierdarstellungen als Motive\, kommen jedoch gänzlich ohne menschliche Gestalten aus. Im Unterschied dazu weisen die Fotografien von Dominik Butzmann als auch die Collagen von Kathrin Günter zwar Menschen als Hauptakteure auf\, dennoch sind diese sowohl durch ihre Rollen als Umweltaktivisten oder bei Günter auch durch ihre Umgebung unübersehbar mit Flora und Fauna verbunden. \nObwohl die Motive der Gemälde der Ausstellung durchaus voll- und eigenständig fungieren\, fällt dennoch das Fehlen von Abbildungen von Menschen auf\, wenngleich sie die Spuren und Auswirkungen menschlichen Einflusses aufweisen. Die Werke realisieren in Sonderheit die Schönheit und Verletzlichkeit der Natur sowie Empathie mit der Kreatur. Darin ist eine Lösung vom Anthropozentrismus begriffen\, der auch als Ursache für fahrlässigen Umgang mit der Natur verstanden werden kann.\nDie Fotos und Collagen der Ausstellung schließen sich der Kritik an menschlicher Hybris an\, obschon aus anderer Perspektive. Hier sind es zum einen die Porträts von Dominik Butzmann der sehr unterschiedlichen Exponenten des Umweltaktivismus\, zum anderen die von tierischen Avataren begleiteten Prominenten in den Collagen von Kathrin Günter\, die sich diskret oder per Personenkult dem Schutz der Umwelt widmen. Gerade die Collagen spiegeln aber auch die menschlichen Eitelkeiten und Affekte wider\, die dem reinen Altruismus womöglich noch im Weg stehen. \nAls Ensemble betonen die Werke der Ausstellung „Dodo Dialogues“ durch die inhärente oder offensichtliche Gegenüberstellung von Mensch und Natur die notwendige Erkenntnis der Symbiose\, in der sie sich befinden. Diese Verbindung offenbart sich auch in der Covid-19-Pandemie und der Verletzlichkeit des Menschen in der Natur\, weil er ein Teil ihrer ist. Das Verhalten von Natur und Mensch bedingt sie selbstverständlich gegenseitig\, zu ihrem Schaden oder Vorteil. \nAuszug aus dem Pressetext von Matthias Bergemann \n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/dodo-dialogues-3/ LOCATION:janinebeangallery\, Torstrasse 154\, Berlin\, 10115\, Deutschland CATEGORIES:Ausstellung ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2020/07/jbg_Martnin-Stommel_Day-_200-x-270-cm_-oil-on-canvas-2019-scaled.jpg GEO:52.5291053;13.3973186 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=janinebeangallery Torstrasse 154 Berlin 10115 Deutschland;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Torstrasse 154:geo:13.3973186,52.5291053 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200909 DTEND;VALUE=DATE:20201013 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20200714T084820Z LAST-MODIFIED:20230116T124632Z UID:83675-1599609600-1602478799@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:Time Goes By - Rebecca Horn & Antonio Paucar in der ifa-Galerie Berlin. DESCRIPTION:Die ifa-Galerie Berlin nutzt den Moment der Bewegungslosigkeit in der Pandemie und stellt Werke aus dem Kunstbestand des ifa (Institut für Auslandsbeziehungen) in neue Kontexte. Gerade jetzt gewinnen die beunruhigenden und berührenden Arbeiten von Rebecca Horn neue Bedeutung. Die titelgebende Installation Time Goes By verweist auf die zentrale Verbindung von Skulptur und Film. In den Performances\, Filmen und Skulpturen schafft Horn einen Raum zwischen Leben und Tod\, Vergangenheit und Zukunft\, Innen und Außen. \nHorn hat die nächste Künstlergeneration nicht nur geprägt\, sondern aktiv den Dialog mit ihr gesucht. Die Ausstellung vermittelt den generationsübergreifenden Dialog mit dem in Berlin und Huancayo (Peru) lebenden Künstler Antonio Paucar\, der 2005 ihr Meisterschüler war. Paucar ergründet in seinen Performances die zerbrechlichen Naturen und kraftvollen Erfahrungen des menschlichen Körpers. Er bewegt sich durch private\, öffentliche und politische Räume\, die kulturell und symbolisch aufgeladen sind. \nEröffnung im Rahmen Berlin Art Week: Mittwoch\, 9. September 2020 (14 bis 22 Uhr)\nAusstellungsdauer: 10.9. – 11.10.2020\nSonderöffnungszeiten : 9. – 13.9.2020 12 – 21 Uhr \nBeitragsbild: Rebecca Horn\, Weißer Körperfächer / White Body Fan\, 1972\, Performance Videostill ©VG Bild-Kunst\, Bonn 2020 \n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/time-goes-by-rebecca-horn-antonio-paucar/ LOCATION:ifa-Galerie Berlin\, Linienstraße 139-140\, Berlin\, 10115\, Deutschland CATEGORIES:Ausstellung ATTACH;FMTTYPE=image/png:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2020/07/Rebecca-Horn-Weißer-Körperfächer-1972-FotografieVideostill-.png GEO:52.5266846;13.395848 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=ifa-Galerie Berlin Linienstraße 139-140 Berlin 10115 Deutschland;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Linienstraße 139-140:geo:13.395848,52.5266846 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200909 DTEND;VALUE=DATE:20201115 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20200721T132806Z LAST-MODIFIED:20230116T124631Z UID:83801-1599609600-1605329999@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:Jack Pierson bei Aurel Scheibler DESCRIPTION:Pierson\, 1960 an der Westküste der USA geboren\, ist von Anbeginn durch die Galerie vertreten. Als Fotograf hat Pierson internationale Bekanntheit erlangt und einen großen Einfluss auf nachfolgende Generationen ausgeübt. Seit seinen Anfängen arbeitet er multidisziplinär. Und so sind seine berühmten Wortskulpturen ein wichtiger Bestandteil seines Schaffens. Als Mitglied der Boston School\, einer Gruppe junger Fotografen\, darunter Künstler wie Nan Goldin\, Mark Morrisroe und David Armstrong\, etablierte er in seinen Fotografien eine Bildsprache mit einer zutiefst persönlichen Vision\, die homoerotische Akte darstellt sowie Stillleben oder auch Landschaften. \nSeine neuesten Arbeiten\, die hier zum ersten Mal präsentiert werden\, sind Fotografien mehrerer Bilder\, die nebeneinander oder übereinander angeheftet sind. Das Zusammenspiel einzelner Fragmente auf den Tafeln entfaltet eine narrative Qualität\, die stark von formal-ästhetischen Ähnlichkeiten\, einer fast impressionistischen Farbkomposition und der Intimität einzelner Details geprägt ist. Gelegentlich ist in seinen Werken ein melancholischer Unterton spürbar; und die damit verbundenen Themen wie Erinnerung\, Begehren oder Verlust und Sehnsucht appellieren an persönliche emotionale Dispositionen des Betrachters. Pierson hatte seine erste Einzelausstellung und gleichzeitig seine erste Ausstellung in Europa 1992 bei Aurel Scheibler. Die aktuelle Präsentation seiner neuesten Arbeiten ist mittlerweile seine achte Ausstellung in der Galerie. \n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/jack-pierson/ LOCATION:Aurel Scheibler\, Schöneberger Ufer 71\, Berlin\, 10785\, Deutschland CATEGORIES:Ausstellung ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2020/07/JackPierson_08-ANNOUNCEMENT-rotated.jpg GEO:52.50546;13.36426 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=Aurel Scheibler Schöneberger Ufer 71 Berlin 10785 Deutschland;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Schöneberger Ufer 71:geo:13.36426,52.50546 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200909 DTEND;VALUE=DATE:20201012 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20200901T093736Z LAST-MODIFIED:20221212T113514Z UID:84282-1599609600-1602392399@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:Michael Müller: Anton im Bastrock. Galerie Thomas Schulte. DESCRIPTION:Die Galerie Thomas Schulte freut sich zum Gallery Weekend Berlin im September 2020 die beiden Ausstellungen „Anton im Bastrock“ und „Bikini on Mars“ des Künstlers Michael Müller zu präsentieren. \nDies ist die erste Einzelpräsentation des Künstlers\, die im Anschluss an seinen umfangreichen Ausstellungszyklus „18 Exhibitions“ (2013 bis 2017) in der Galerie stattfindet. Die Ausstellung „Anton im Bastrock“ stellt erstmalig in größerem Umfang das malerische Werk Müllers in den Mittelpunkt\, der bislang vor allem durch konzeptuell-komplexe\, vielschichtige Installationen\, Performances und als Kurator bekannt ist. Es werden mehrere neue Werkgruppen programmatischer Malerei vorgestellt\, „Vor und hinter dem Glas“\, „Handicap“\, „Schwierige Bilder“\, „Abstrakte Autogamie“\, „Verschränkte Werke“ und „Urteilskraft“. Darin untersucht Müller die klassischen Ansätze\, Methoden und Techniken von Malerei – ihre Formate\, Materialien\, Präsentation und Wahrnehmung – und hinterfragt unsere erlernten Zugänge und Erwartungen an Malerei. Dabei widmen sich die großformatigen Bilderserien jeweils verschiedenen Aspekten von Bildentstehungsprozessen. \nNach der ersten Version der Ausstellung\, die während des Gallery Weekend Berlin eröffnet\, wird es nach der Hälfte der Ausstellungsdauer unter dem Titel „Ästhetisches Urteil und Selbstlosigkeit“ eine zweite Hängung geben. In dieser zweiten Version werden alle installativen Elemente aus dem Ausstellungsraum entfernt und die Gemälde in klassisch reduzierter und konzentrierter Form präsentiert. \n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/michael-mueller-anton-im-bastrock/ LOCATION:Galerie Thomas Schulte\, Charlottenstraße 24\, Berlin\, 10117\, Deutschland CATEGORIES:Ausstellung ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2020/09/Lage-der-Freiheit-Acrylic-Gesso-Lacquer-Paint-on-Belgian-Canvas-and-Plexiglass-180-×-280-cm-2019_2020-klein.jpg GEO:52.5102257;13.392153 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=Galerie Thomas Schulte Charlottenstraße 24 Berlin 10117 Deutschland;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Charlottenstraße 24:geo:13.392153,52.5102257 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20200909 DTEND;VALUE=DATE:20201012 DTSTAMP:20260615T020647 CREATED:20200901T094351Z LAST-MODIFIED:20221212T113515Z UID:84284-1599609600-1602392399@www.kunstleben-berlin.de SUMMARY:Michael Müller: Bikini on Mars. Galerie Thomas Schulte. DESCRIPTION:Als Installation von außen weithin im Stadtraum sichtbar\, hat Michael Müller sechs monumentale abstrakte Gemälde mit dem Titel „Mentale Treibhölzer“ in die Rahmen der großen Schaufenster im Corner Space der Galerie Thomas Schulte gespannt. \nDie Bilder entstanden spontan\, ohne Entwurf und wurden vom Künstler mit den bloßen Händen gemalt. Sie sind in sich vollständig und ergänzen sich nicht gegenseitig zum Gesamtwerk\, sondern wirken vielmehr wie vereinzelte und gleichwertige Bestandteile einer Collage. Malen beschreibt Müller als intuitiv. Erst im Prozess kristallisiere sich nach und nach eine Struktur heraus und ergebe sich die Komposition. Der Künstler sieht die „Mentalen Treibhölzer“ als Hybride\, die ihm selbst fremd geworden sind. In ihnen hinterfragt er den Ursprung abstrakter Bildideen. Neben den durch die Größen der Schaufenster diktierten Formate gilt allein die erste Farbe\, mit der er die Malerei beginnt\, als gesetzt; alles Weitere entwickelt sich ungeplant. Sind die Bilder also wie Treibholz aus dem Unterbewussten angeschwemmt worden oder liegen ihrer Entstehung nicht doch vielmehr bewusste Entscheidungsmechanismen zugrunde? \nDie Installation „Bikini on Mars“ im Window Space der Galerie besteht aus einer großen goldenen Diskokugel und eine orangefarbene Fensterfolie welche den Raum in orangefarbenes Licht tauchen und die Wahrnehmung der darin befindlichen Malerei bestimmen. \nBeitragsbild: Michael Müller\, „Mentale Treibhölzer“\, 2020\, Installationsansicht Galerie Thomas Schulte\, Foto: Stefan Haehnel. \n URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/michael-mueller-bikini-on-mars/ LOCATION:Galerie Thomas Schulte\, Charlottenstraße 24\, Berlin\, 10117\, Deutschland CATEGORIES:Ausstellung ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.kunstleben-berlin.de/wp-content/uploads/2020/09/Michael-Müller_Corner-Space_Galerie-Thomas-Schulte_stefanhaehnel_2020.jpg GEO:52.5102257;13.392153 X-APPLE-STRUCTURED-LOCATION;VALUE=URI;X-ADDRESS=Galerie Thomas Schulte Charlottenstraße 24 Berlin 10117 Deutschland;X-APPLE-RADIUS=500;X-TITLE=Charlottenstraße 24:geo:13.392153,52.5102257 END:VEVENT END:VCALENDAR