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SUMMARY:KÄTHE TO GO im Käthe-Kollwitz-Museum.
DESCRIPTION:Das Käthe-Kollwitz-Museum zieht in den Theaterbau am Schloss Charlottenburg!\nWährend der Umzugsphase bietet das Museum in seinem KOLLWITZ GUIDE eine digitale Stadttour der besonderen Art an. Mit KÄTHE TO GO kann man Orte in Berlin entdecken\, von denen Käthe Kollwitz sich inspirieren ließ oder an denen sie künstlerisch arbeitete. Ihr Leben lang befasste sich Kollwitz mit Themen wie Tod\, Elend\, Schmerz und Ungerechtigkeit. Sie besuchte beispielsweise die Insassinnen des Frauengefängnisses in der Barnimstraße oder begleitete skizzierend den Kohlenstreik im Wedding.\nEinige Orte ihrer Inspirationen existieren heute nahezu unverändert\, andere sind nicht mehr wieder zu erkennen. KÄTHE TO GO ermöglicht\, sich im Berliner Stadtraum auf Kollwitz‘ Spuren zu begeben und ihrer Geschichte nachzuspüren. Außerdem finden Sie im KOLLWITZ GUIDE eine Preview zur neuen Sammlungspräsentation im Theaterbau.\nZum KOLLWITZ GUIDE gelangt man über die Webseite: https://www.kaethe-kollwitz.berlin/aktuelles/ oder über folgenden Link: https://tinyurl.com/2aff4vqp \n
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/kaethe-to-go/
LOCATION:Käthe-Kollwitz-Museum Berlin\, Spandauer Damm 10\, Berlin\, 14059\, Deutschland
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SUMMARY:LOVE LETTERS TO THE CITY
DESCRIPTION:LOVE LETTERS TO THE CITY zeigt Werke von über fünfzig internationalen und in Berlin lebenden Streetartists\, die das transformative Potenzial von Kunst im öffentlichen Raum nutzen. Städte sind mehr als Beton und Asphalt\, sie pulsieren voller Geschichten\, Träume und Gefühle. Die neue Ausstellung im URBAN NATION\, kuratiert von Michelle Houston\, ist eine Hommage an die Stadt und eine Einladung\, unsere urbanen Lebensräume mit einem neuen Blick zu erforschen. Themen wie Urbanisierung\, Gentrifizierung\, Umweltzerstörung und soziale Ungleichheit verlangen einen kritischen Diskurs\, der die Entwicklung der Gesellschaft im positiven Sinne beeinflussen soll. Wie verändert Kunst die Sichtweise auf den öffentlichen Raum? Welche Veränderungen kann Kunst in der Stadt anstoßen? Auf welche Methoden greifen die Künstlerinnen und Künstler zurück\, um eine entsprechende Wirkung zu entfalten? \nTeilnehmende Künstler: 2501\, Aniruddh Mehta\, Banksy\, Blek le Rat\, Bordalo II\, Carlos Mare aka Mare139\, Chop ’em Down Films\, Crash\, Dan Witz\, Daze\, Drew.Lab_One\, Elfo\, Evol\, HA Schult\, HOGRE\, Isaac Zavale\, James Reka\, Jaune\, Jazoo Yang\, Joel Daniel Phillips\, Johannnes Mundinger\, Jordan Seiler\, Kenny Scharf\, Lady Pink\, Liviu Bulea\, Martha Cooper\, Matthew Grabelsky\, MILLO\, Moses & Taps\, Nika Kramer\, Octavi Serra\, Owen Dippie\, OX\, PAINTING DHAKA Project\, Paradox\, Rocco and his brothers\, Sebas Velasco\, Shepard Fairey\, Stephanie Buer\, Stiftung Berliner Mauer\, Stipan Tadić\, Susanna Jerger\, Tats Cru\, THE WA\, Vhils und Zhang Dali. \nLOVE LETTERS TO THE CITY\n14. September 2024 – 30. Mai 2027 \nURBAN NATION \n
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LOCATION:URBAN NATION Museum\, Bülowstr. 7\, Berlin\, 10783\, Deutschland
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SUMMARY:Kunst in Berlin. 1880 – 1980 Dauerausstellung
DESCRIPTION:Der Rundgang ist eine Zeitreise durch Berlin: Kaiserreich\, Weimarer Republik\, nationalsozialistische Diktatur\, Neuanfang nach 1945\, Kalter Krieg in der geteilten Stadt und die sich im Schatten der Mauer in Ost und West entwickelnden alternativen Gesellschafts- und Lebensentwürfe. In Ost-Berlin bildete sich ab den späten 1970er Jahren eine alternative Kulturszene aus. In West-Berlin zogen die aggressiven Werke der Neuen Wilden ab Ende der 1970er Jahre erneut international Aufmerksamkeit auf die geteilte Stadt. \nTastmodelle\, ein taktiles Bodenleitsystem sowie ein Mediaguide mit Bildbeschreibungen und Hinweisen zur Wegeführung ermöglichen es\, die Kunst auf vielfältige Weise zu erleben. Blinden und sehbehinderten Menschen bietet sich damit ein barrierefreier Zugang in der Ausstellung. \n
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LOCATION:Berlinische Galerie\, Alte Jakobstraße 124 – 128\, Berlin\, 10969
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SUMMARY:Ready for take-off: Ab Juni 2025 eröffnet die Modellfläche TXL Raum für Clubkultur\, Kreativität und neue Visionen
DESCRIPTION:Aus dem stillgelegten Flughafen Tegel erwacht auch dieses Jahr wieder ein lebendiger Ort für Kunst und Kultur zum Leben! Ab Juni 2025 öffnet die Modellfläche TXL erneut ihr Gate – für Clubkultur\, kreative Begegnungen und unvergessliche Erlebnisse. Wo früher Flugzeuge abhoben\, wird nun ein einzigartiger Raum für Musik und urbane Visionen weiterentwickelt. Nun sucht die Clubcommission einen geeigneten Betreiber:innenakteur. \nIn einer Zeit zunehmender städtischer Verdichtung und ansteigender Gewerbemieten öffnet die Modellfläche TXL erneut ihre Tore\, um öffentlich zugängliche Räume für Clubkultur zu schaffen und zu bewahren. Seit 2023 steht auf dem Gelände des ehemaligen Catering-Gebäudes eine Open-Air-Fläche für kulturelle Veranstaltungen zur Verfügung. Nun wird das Gemeinschaftsprojekt unter Führung der Clubcommission ausgeweitet: Ein neuer Betreiber:innenakteur soll die Außen- und Innenbereiche langfristig für Kunst und Clubkultur nutzen. Ziel ist die Entwicklung eines nachhaltigen Betriebsmodells für ein interdisziplinäres Zentrum für Clubkultur mit Nutzungen sämtlicher Kultursparten und Akteur:innen der Urbanen Praxis. \nDer Flughafen Tegel war 46 Jahre lang ein zentraler Verkehrsknotenpunkt – zunächst als Tor nach West-Berlin\, später als Hauptstadtflughafen. Das mittlerweile unter Denkmalschutz stehende markante Catering-Gebäude („Gebäude I“) aus den 1960er Jahren\, bekannt für seine ikonische orangefarbene Architektur\, ist heute einer der wenigen kulturellen Standorte im Entwicklungsgebiet Urban Tech Republic. Umgeben von Flächen\, die für Forschung\, Industrie oder Erholung gedacht sind\, soll auf dem ehemaligen Rollfeld des Flughafens das fast 3.700 Quadratmeter große Gelände erneut für vielfältige inklusive Veranstaltungsformate wie Live-Musik\, Tanzveranstaltungen\, Performances\, Filmvorführungen\, Workshops und Theateraufführungen zur Verfügung stehen. Ab Ende 2025 soll erstmals auch ein Teil des Innenbereichs hinzukommen\, um ganzjährig nutzbare clubkulturelle Räume zu schaffen. \nVom 17. April bis 17. Mai 2025 haben erfahrene Veranstalter:innen aus Berlin die Chance\, sich für die Bespielung der Modellfläche TXL zu bewerben. Der Betrieb ist zunächst für mindestens drei Jahre bis Mitte 2028 geplant\, mit der Möglichkeit einer Verlängerung. Eine unabhängige\, fünfköpfige Jury aus Expert:innen der Clubkultur und Urbanen Praxis wählt das passende Betreiber:innenkollektiv aus\, das im Juni 2025 bekannt gegeben wird. Voraussetzung für die Bewerbung ist ein ganzheitliches\, wirtschaftlich tragfähiges Konzept\, das sowohl den Innen- als auch den Außenbereich umfasst und bis Ende 2025 für die folgenden Jahre ausgearbeitet wird. Alle Informationen zur Ausschreibung sind auf der Website txl.clubkultur.berlin zu finden. Die Entwicklung der Modellfläche TXL wird gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt. Dieser Prozess wird umgesetzt von der Clubcommission Berlin e.V. in Kooperation mit der Kulturraum Berlin gGmbH und der Geschäftsstelle des Berliner Projektfonds Urbane Praxis der Stiftung für Kulturelle Weiterbildung und Kulturberatung. \nJoe Chialo\, Senator für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt des Landes Berlin„Das ehemalige Flughafengelände Tegel entwickelt sich weiter zu einem lebendigen\, vielseitigen Kulturquartier. Mit der Modellfläche TXL entsteht ein einzigartiger Ort\, der Clubkultur\, Kunst und urbane Praxis verbindet. Die Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt unterstützt dieses Vorhaben\, um kulturelle Vielfalt von Anfang an in die Stadtentwicklung einzubinden und einen neuen\, offenen Kulturraum für Berlin zu schaffen.“ \nEmiko Gejic\, Pressesprecherin Clubcommission Berlin e.V.„Die Berliner Clubkultur lebt von Freiräumen – und genau solche Räume müssen aktiv gesichert und neu geschaffen werden. Die Umnutzung des Areals der ehemaligen Cateringgebäudes für kulturelle Zwecke trägt dazu bei\, Berlins vielfältige Kulturlandschaft zu erhalten und weiterzuentwickeln. Wir freuen uns\, dass dieses Projekt fortgesetzt wird und wir gemeinsam mit unseren Partner:innen ein nachhaltiges Modell für Clubkultur und Urbane Praxis gestalten können.“ \nDr. Yann Kersaint\, Co-Koordination Berliner Projektfonds Urbane Praxis / Stiftung für Kulturelle Weiterbildung und Kulturberatung \n\n„In Zeiten von Ressourcenknappheit und Raummangel ist es für die Berliner Kulturlandschaft besonders wichtig\, nicht-kommerzielle Kulturorte zu entwickeln und sie für Berliner*innen zugänglich zu machen. Die Modellfläche TXL steht für eine moderne und einzigartige Form der Kulturellen Stadtentwicklung mit Strahlkraft in die ganze Welt. Wir freuen uns mit diesem Modellprojekt\, Kulturakteur:innen auf dem Weg in die Professionalisierung unterstützen zu können.“ \n\nTXL im Steigflug – Ein neuer Abschnitt für die Clubkultur\nStart: Juni 2025 \nGelände des ehemaligen Flughafens Tegel (TXL) \n
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/ready-for-take-off-ab-juni-2025-eroeffnet-die-modellflaeche-txl-raum-fuer-clubkultur-kreativitaet-und-neue-visionen/
CATEGORIES:Begleitprogramm zur Ausstellung
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SUMMARY:Monira Al Qadiri. Hero
DESCRIPTION:In ihren Werken werden die Verbindungen zwischen der Etablierung von Erdöl als wichtigstem fossilen Brennstoff in der Mitte des 20. Jahrhunderts und der Expansion des Konsumkapitalismus in der Nachkriegszeit reflektiert. Oftmals entwickelt sie ihre Arbeiten aus autobiografischen Erfahrungen\, die sie u.a. im Kuwait der 1980er und 1990er Jahre gemacht hat\, und richtet einen kritischen Blick auf bestehende historische und politische Narrative.\nDie Auseinandersetzung mit Öl bedeutet immer auch eine Auseinandersetzung mit der Geschichte der menschlichen Interaktion mit der Erde\, deren Ausbeutung sowie deren Widerstandsfähigkeit. Für die Berlinische Galerie entwickelt Al Qadiri eine ortsspezifische Installation\, bestehend aus einem großformatigen Wandgemälde\, Objekten und Video\, in der Öl weit mehr als eine „Ressource“ ist. Es steht auch symbolisch für die Gewalt\, die Erinnerungen und die persönlichen Geschichten\, die mit seiner Gewinnung verbunden sind. \nÜber die Künstlerin \nMonira Al Qadiri (*1983) ist eine kuwaitische Künstlerin\, die in Senegal geboren und in Japan ausgebildet wurde. Einzelausstellungen ihrer Arbeiten wurden u.a. gezeigt im Kunsthaus Bregenz\, Österreich (2023); UCCA Dune\, China (2023); Guggenheim Museum Bilbao\, Spanien (2022); Blaffer Art Museum\, Texas\, USA (2022); Haus der Kunst\, München (2020); Kunstverein Göttingen (2019); The CIRCL Pavilion\, Amsterdam\, Niederlande (2018); Sursock Museum\, Beirut\, Libanon (2017) und Gasworks\, London\, UK (2017). 2022 war Al Qadiri in der zentralen Ausstellung „The Milk of Dreams“ der Biennale von Venedig vertreten. Sie lebt in Berlin. \n
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/monira-al-qadiri-hero/
LOCATION:Berlinische Galerie\, Alte Jakobstraße 124 – 128\, Berlin\, 10969
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SUMMARY:Nora Turato
DESCRIPTION:Kuratorin: Lidiya Anastasova \nSprache – in gesprochener wie geschriebener Form – dient als zentrales Material in Nora Turatos Werk. Sie erforscht diese in Form von Typografie\, Wandarbeiten\, Video\, Sound\, Performances und Künstlerinnenbüchern (etwa in der Serie pool). Dabei arbeitet sie mit vorgefundenem Material aus vielseitigen Quellen wie u. a. dem Internet\, Social Media\, Presse\, Büchern\, Filmen\, Musik und Gesprächen. Von der Künstlerin gesammelt und akribisch neu geordnet\, wird ein Überfluss an Wortmaterial bis auf die Essenz heruntergebrochen. Turatos neue\, eigens für die Fassade des n.b.k. konzipierte Arbeit markiert einen Wendepunkt in ihrer Praxis – eine Herangehens-weise\, die den eigenen Körper als Ausgangspunkt nimmt – als Quelle der Sprache und der Handschrift. Turato untersucht Konditionierungen\, die das menschliche Verhalten prägen – mit einem Fokus darauf\, wie diese verinnerlichten Muster physisch sichtbar werden. Hierbei wird die Handschrift als Form des Ausdrucks und zugleich als ein direktes Ergebnis erlernten Verhaltens betrachtet. \n
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/nora-turato/
LOCATION:Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.)\, Chausseestrasse 128 / 129\, Berlin\, 10115\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung
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SUMMARY:Cornelia Parker. Stolen Thunder (A Storm Gathering)
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LOCATION:KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst\, Am Sudhaus 3\, Berlin\, 12053
CATEGORIES:Ausstellung
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SUMMARY:Wechselwirkung - Interplay
DESCRIPTION:In der neuen Schau im Haus des Papiers werden die neuesten Arbeiten der Künstlerinnen Maja Behrmann\, Anna Bochkova\, Monika Grzymala\, Laura Matukonytė und Justina Monceviciute aus dem internationalen Residenzprogramm Paper Residency! ausgestellt. Ergänzt wird die Ausstellung durch eine Sonderschau Faser trifft Papier mit Objekten aus Kunst\, Design und Materialforschung. Zusätzlich werden Ergebnisse des Open Calls zum Thema Miniatur-Prägedruck präsentiert\, der in Kooperation mit dem Open Press Project ausgeschrieben wurde.\nKunstschaffende\, Wissenschaft und Materialforschung treten hier in Dialog. \n
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/wechselwirkung-interplay/
LOCATION:Haus des Papiers\, Seydelstraße 30\, Berlin\, 10117\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung,Vernissage
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SUMMARY:Sonderausstellung  "Käthe Kollwitz und das Theater"
DESCRIPTION:Mit der Sonderausstellung „Käthe Kollwitz und das Theater“ eröffnet das Käthe-Kollwitz-Museum Berlin im ehemaligen Theatergebäude des\nSchlosses Charlottenburg einen neuen Blick auf die Künstlerin. Mit Verweis auf die Geschichte dieses Standorts\, der selbst eine bewegte\nVergangenheit aufweist\, rückt ein bislang vernachlässigtes Thema in Leben und Werk von Käthe Kollwitz in den Fokus: die Theateraffinität\nder Künstlerin und ihrer Familie. Käthe Kollwitz‘ Tagebucheinträge und Briefe an den auswärts studierenden Sohn Hans erzählen von einer Familie\, für die Theaterbesuche ebenso zum Alltag gehörten wie politische Diskussionen oder künstlerische Arbeit. Käthe Kollwitz und ihre Familie\nhaben in der fruchtbarsten Zeit der Berliner Theatergeschichte viele der innovativen Inszenierungen der damals großen Regisseure\, wie Otto\nBrahm\, Max Reinhardt und Leopold Jessner gesehen. Vom Naturalismus des ausgehenden 19. Jahrhunderts bis zum expressiven\nTheater der 1920er Jahre wurde das Bühnengeschehen aufmerksam verfolgt und kommentiert. Auch Tanz\, Konzert\, Film und Kabarett\nwaren feste Bestandteile dieses dichten kulturellen Kosmos. \nDie Ausstellung untersucht\, welchen Einfluss diese intensiven Seherfahrungen auf das Werk von Käthe Kollwitz hatten. Auch wenn sie\nnicht unmittelbar für das oder im Theater arbeitete\, durchziehen ihr Œuvre vielfältige Bezüge zu literarischen Stoffen\, szenischen\nSituationen und dramatischen Verdichtungen. Diese überführte sie in eine eigene\, unverwechselbare Bildsprache. Das Theater fungiert dabei\nweniger als konkretes Motiv\, denn als gedanklicher Resonanzraum ihres künstlerischen Schaffens. Hochkarätige Leihgaben aus öffentlichen und privaten Sammlungen\, neu erschlossenes und digitalisiertes Archivmaterial sowie interdisziplinäre Perspektiven machen sichtbar\, wie sehr das Leben der Familie Kollwitz in eine der produktivsten Phasen der Berliner Theatergeschichte eingebettet war. Begleitet wird die Ausstellung von\neinem Katalog\, der diesen Dialog zwischen bildender Kunst und darstellender Kunst vertieft.  Mit dieser Ausstellung setzt das Käthe-Kollwitz-Museum ein programmatisches Zeichen an diesem geschichtsträchtigen Standort – und erweitert den Blick auf eine Künstlerin\, deren Werk aus der\nAuseinandersetzung mit ihrer Zeit lebte. \nEs werden neben Arbeiten von Käthe Kollwitz u.a. Werke von Ernst Barlach\, Lovis Corinth\, Georg Kolbe\, August Macke\, Max\nLiebermann\, Ernst Oppler und Emil Orlik gezeigt. Mit über 100 Exponaten von 17 Leihgebern\, darunter Alte\nNationalgalerie SMB\, Kupferstichkabinett SMB\, Stiftung Stadtmuseum Berlin\, Ernst Barlach Haus\, Hamburg\, John\nNeumeier Stiftung\, Hamburg\, Kollwitz Museum\, Köln sowie Tanzarchiv und Theaterwissenschaftliche Sammlung\, Köln bildet\ndiese Ausstellung den Abschluss einer dreijährigen Forschungsarbeit\, die die Kollwitz-Spezialistin Annette Seeler im\nAuftrag und in Zusammenarbeit mit dem Käthe-Kollwitz-Museum Berlin geleistet hat. Das junge Designerteam Jason Kittner und Meret Schmiese\, Berlin verantworten die architektonische und grafische Gestaltung der Ausstellung.\nEs erscheint ein Katalog mit über 200 Abb. und ca. 220 Seiten im Verlag Schnell und Steiner\, Regensburg. Ausstellung\, Begleitpublikation und Vermittlungsprogramm wurden ermöglicht durch die großzügige Förderung von der Ernst von Siemens Kunststiftung\, der Rudolf-August Oetker Stiftung und der Richard Stury Stiftung.  \n
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/sonderausstellung-kaethe-kollwitz-und-das-theater/
LOCATION:Käthe-Kollwitz-Museum Berlin\, Spandauer Damm 10\, Berlin\, 14059\, Deutschland
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SUMMARY:Nähe als Zustand - Menschenbilder von Matthias Gálvez
DESCRIPTION:Matthias Gálvez’ Malerei verhandelt Nähe nicht als erzählerisches Motiv\, sondern als Zustand. In seinen aktuellen Arbeiten treten Figuren in unmittelbare Beziehung zueinander – und zum Betrachtenden. Gruppenszenen\, Porträts und Selbstbilder erscheinen als verdichtete Konstellationen psychischer und körperlicher Präsenz. \nDie dargestellten Situationen wirken vertraut in ihrer Alltäglichkeit\, bleiben jedoch ambivalent und offen. Gesten\, Blicke und Haltungen erzeugen Spannungen\, ohne sich eindeutig aufzulösen. Gálvez komponiert seine Bildräume aus fragmentierten\, teils abstrakten Segmenten\, die die Wahrnehmung der dargestellten Realität verschieben und irritieren.\nNähe entsteht hier nicht durch Intimität im klassischen Sinne\, sondern durch Konfrontation. Die Figuren behaupten ihre Präsenz als Gegenüber – unmittelbar\, ungeschützt\, und ohne Distanz.\nEröffnung am 5. März 2026\, 19 Uhr. Es spricht Dr. Ellen Markgraf\, Kassel \n
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/naehe-als-zustand-menschenbilder-von-matthias-galvez/
LOCATION:C&B Reichert Galerie\, Fasanenstraße 29 (Passage)\, Berlin\, 10719
CATEGORIES:Ausstellung
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SUMMARY:Code + Paint
DESCRIPTION:Erstmals zeigen wir Arbeiten von Liat Grayver (*1986)\, darunter ihre Serie Traversing the Threshold\, die aus robotergestützten Tuschezeichnungen auf Reispapier besteht. Computergenerierte Bilder werden in einzelne Pinselbewegungen übersetzt und von einem Roboter ausgeführt. Die Zartheit der Tusche auf Papier kontrastiert mit der industriellen Präzision der Maschine und beleuchtet die Schnittstelle zwischen Geste\, Code und Material. \nGezeigt werden zwei Ölgemälde von Gretta Louw (*1981) aus ihrer Serie Artificial Organisms and Animate Machines. Eine algorithmisch generierte Orchidee bildet den Startpunkt und wird abwechselnd von der Künstlerin und einem Industrieroboterarm gemalt. Zwischen den Leinwänden ‚perfektioniert‘ ein KI-Filter das vorherige Ergebnis subtil und schafft so den Ausgangspunkt für das nächste Werk. Die Orchidee\, geformt durch Evolutuion und Züchtung\, wird zum Ort des Austauschs zwischen ästhetischem Begehren\, maschineller Präzision und malerischer Geste. \nLauren Moffatt (*1982) zeigt Beyond Her Mesh\, eine Arbeit\, in der weibliche Figuren von Kunstobjekten angeeignet und mittels 3D-Scanning und Simulationstechniken reimaginiert werden. Physische Oberflächen weichen digitale Texturen. Es entstehen hybride Körper\, die virtuell fotografiert\, bemalt und in eine virtuelle Dimension integriert werden\, die über Augmented Reality zugänglich ist. Moffatts Projekt reflektiert\, wie digitale Strukturen unsere Wahrnehmung des menschlichen Körpers formen und bisweilen auch verzerren. \n
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LOCATION:DAM Projects\, Horstweg 35\, Berlin\, 14059\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung
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SUMMARY:William N. Copley & Ambra Durante - Imaginary Game
DESCRIPTION:In der Doppelausstellung „Imaginary Game“ begegnen sich mit William N. Copley (1919–1996) und Ambra Durante (*2000) zwei Self-Taught-Artists unterschiedlicher Generationen\, die ihre Bildthemen unmittelbar aus dem eigenen Erleben schöpfen. \nCopley\, dessen Werk die Galerie Friese seit über zwanzig Jahren kontinuierlich zeigt\, ist inhaltlich dem europäischen Surrealismus verbunden – nicht zuletzt aufgrund seiner engen Freundschaften mit Marcel Duchamp\, René Magritte oder Max Ernst. Seine narrativen Bilder kreisen um das sexuelle Begehren und dessen moralische Implikationen der US-amerikanischen Nachkriegsgesellschaft. Mit feinem Witz zeigt er das Verhältnis von Mann und Frau als ein Gefüge aus Rollenspiel und Projektion – gezeichnet von einer beständigen Lust\, die Verhältnisse ins Wanken zu bringen. \nAmbra Durante\, 2000 in Genua geboren und seit 2007 in Berlin lebend\, erweitert dieses imaginäre Spielfeld um eine introspektive\, zeitgenössische Perspektive. Ihre Zeichnungen erzählen vom inneren Erleben; sie handeln von Einsamkeit\, Verlust\, Begehren und Selbstbehauptung. Risse\, Knicke und Aufdrucke der Papiere werden integraler Teil der Bildgeschichten\, die stilistisch wie inhaltlich auch surreale Elemente aufweisen. Bilder und Worte erobern den Bildraum\, leichtfüßig und schnell voranschreitend\, flüchtig wie Gedanken. Ihre Intensität zeugt von der Erfahrungswelt einer jungen Generation\, die sucht\, sich behauptet und neu definiert. \n„Imaginary Game“ vereint zwei künstlerische Positionen\, die trotz acht Jahrzehnten Abstand eine bemerkenswerte Nähe verbindet: das Vertrauen in die Kraft der Imagination\, die Lust am Erzählen und eine Auffassung der Kunst als geschütztem Erfahrungsraum. \nWilliam N. Copley & Ambra Durante – Imaginary Game\n06. März 2026 – 09. Mai 2026 \nGalerie Friese \n
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LOCATION:Galerie Friese\, Meierottostraße 1\, Berlin\, 10719\, Deutschland
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SUMMARY:(Zieh mir den) Zahn der Zeit
DESCRIPTION:Mit der Ausstellung (Zieh mir den) Zahn der Zeit versammelt BODE Arbeiten von Elias Binder\, Isabelle Heske\, Karim Hussein\, Simay Keles\, Kay Lotte Pommer\, Anja Rausch\, Pepi Schikowski und Tim Vormbäumen. \nWas macht den Zahn zum Maßstab der Zeit? Der Zahn schneidet\, beißt und kaut. Er zerkleinert\, malmt und mischt. Geradkantig\, spitz oder breit und flächig vereinen die Zähne sich zum Gebiss\, das im Resonanzraum des Mundes zum Sprachwerkzeug wird und mit Wirkung nach außen die Erscheinungsform unserer Gesichtszüge definiert. Der Zahn der Zeit hingegen ist Messwerkzeug. Er vermisst die Gegenwart\, ihren Fortschritt und Zerfall Stück für Stück und verdaut den gegessenen Realitätszustand. Die acht Künstler:innen der Ausstellung (Zieh mir den) Zahn der Zeit bilden das Gebiss dieser Gegenwartsbefragung. Sie untersuchen in ihren Praxen die Wackelzähne\, die\, die gezogen werden müssten und die im listig leisen Lächeln aufblitzenden Tooth Gems. \nOhne einem einenden kuratorischen Überbau\, einer festgelegten thematischen oder medialen Ausrichtung zu folgen\, eröffnet die Ausstellung den Raum für eine solche Gegenwartsbefragung. Die versammelten Positionen begegnen sich dabei unvoreingenommen und auf offenem Feld. Was dabei entsteht ist kein geschlossenes Narrativ\, sondern ein Geflecht individueller Perspektiven\, das Fragen nach Transformation\, Verortung in Zeit und Raum und nach wechselseitig wirkenden Einflüssen des Inneren und Äußeren aufwirft. Der Galerieraum wird zum Spiegel der täglichen Verdichtung aus Bildern\, Informationen\, Reizen und Spuren\, die uns als rasant wachsender Wald zu umhüllen scheint. Ähnlich dicht umgeben die 50 gezeigten Arbeiten Besucher:innen in der Ausstellung und lassen diese durch ihr Dickicht aus Leinwänden\, Metallarbeiten\, Stoffbezügen und VHS-Tape Blicke auf den Zahn der Zeit werfen. \nScheinbar von innerer Dynamik getrieben winden sich die Körper in Elias Binders Arbeiten um sich selbst\, um andere Körper herum und über die Bildfläche hinweg. Ganz im Sinne der Alten Meister macht sich Binder den menschlichen Körper zum Werkzeug kompositorischer Forschung und lenkt den Blick dabei ebenso auf Erscheinung und malerische Physikalität von Mensch\, Tier und stofflichem Beiwerk wie auch auf seine präzise Auseinandersetzung mit Farbe\, Raum und Licht. Ein vom Architekturstudium beeinflusster Referenzrahmen ist im räumlichen Ausdruck seiner konzeptuell strukturierten Arbeiten nicht zu übersehen und trotzdem klingt seine organische Formsprache rund und sanft. Elias Binder absolvierte seinen Bachelor- und Masterabschluss in Architektur und Urban Design und lebt und arbeitet in Stuttgart. Seine Arbeiten wurden bei Pleks Fellbach in Stuttgart im Rahmen einer Einzelausstellung und als Teil verschiedener Gruppenausstellungen\, unter anderem bei Kunstbezirk (Stuttgart) und Hugo Boss (Metzingen) gezeigt. \nIsabelle Heskes Formsprache ist reduziert und lebhaft zugleich. Geometrische Körper und in Fäden oder Stoff gezogene Linien finden in ihren Arbeiten auf gleichberechtigte Weise Platz wie ornamentale Musterungen und organische Rundungen. Mit feinem Gespür für malerische Techniken und einer ausgeprägten Materialsensibilität für textile Oberflächen verleiht sie Themen des Verlangens\, der Identität und der Selbstdarstellung Ausdruck. Nach malerischer Dauerhaftigkeit strebend\, stellen Heskes Arbeiten trendgetriebene Kurzlebigkeit und Konsumwahnsinn der Gesellschaft und des Kulturbetrieb in Frage. Die Wandarbeiten mit mal mehr und mal weniger stark skulpturalen Tendenzen wie auch die überdimensioniert in die Höhe ragenden ‚Stäbe‘ referieren dabei Erinnerung\, Emotion\, Mode\, Musik und popkulturelle Phänomene. Isabelle Heske studierte Malerei an der Kunstakademie Düsseldorf und an der École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris und ihre Arbeiten wurden international ausgestellt\, unter anderem in der Weserhalle (Berlin)\, im Kunstpalast und NRW Forum Düsseldorf\, in der DOD Galerie (Köln)\, im MMIII Kunstverein Mönchengladbach\, im Krefelder Kunstverein\, in der Mixer Arts Gallery (Istanbul) und in der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen. \nKarim Hussein taucht in seinen Arbeiten immer wieder selbst auf. Mal als eindeutig autobiographische Referenz seiner selbst\, wie in der Arbeit ‚mommy and me’\, in der eine Szene am blumengedeckten Kuchentisch zu sehen ist\, hinter dem seine Mutter und er als kräftig massive\, monolithische Figuren aufstreben. Mal weniger offensichtlich vor Reiselandschaften mit geschultertem Stock mit Beutel oder friedlich ruhend vor sonnigem\, mit Kleeblättern gesäumtem Horizont. Nicht selten werden diese Alter Egos auf Husseins Leinwänden und Papierarbeiten von tierähnlichen Wesen begleitet. In ’seeking my very own sun‘ etwa\, wo ein fuchs- oder katzenhafter Vierbeiner auf vorderster Bildebene von rechts nach links spaziert. Dahinter eine Menschenfigur und dahinter eine Landschaftsszene\, alle Ebenen dicht aufeinander und räumlich so gut wie untrennbar\, wie typisch für Husseins Praxis. Geboren in Linz\, Österreich beschäftigt er sich außerdem immer wieder mit dem eigenen bikulturellen Hintergrund einer österreichischen Mutter und eines ägyptischen Vaters. Karim Hussein studierte Bildende Kunst an der Universität für künstlerische und industrielle Gestaltung in Linz und an der Kunsthochschule Weißensee in Berlin. Seine Arbeiten wurden unter anderem im Schlossmuseum Linz\, im Stadtmuseum Linz\, in der Kunsthalle am Hamburger Platz (Berlin)\, in der Galerie Anton Janizewksi (Berlin)\, und in der Weserhalle (Berlin) gezeigt. \nSimay Keles lebt und arbeitet als Künstlerin in Berlin. Geboren in Izmir\, in der Türkei\, zog sie mit 18 Jahren nach Deutschland um dort ein Malereistudium zu absolvieren. Regelmäßige Ortswechsel und Reisen durch Kulturen waren schon immer Teil ihres Lebens und ebenso bewegt sich ihre Praxis zwischen den zwei Welten der Abstraktion und Figuration\, von Serie zu Serie wechselnd. In ihrer aktuelle Werkserie ‚Sunset Express Tours & Travels‘ richtet sie sich mit zweilagigen mixed media Malereien an all diejenigen\, die ihren Geburtsort verlassen mussten und an all diejenigen\, die es aus verschiedensten Gründen in die Ferne zieht. Mit der Verlagerung der bemalten Leinwand\, die sie auf die Hinterseite der Keilrahmen spannt\, um an vorderster Kante transparente Stoffe\, ebenfalls von ihr bemalt\, aufzuspannen\, erzeugt sie eine skulpturale Räumlichkeit innerhalb der Arbeiten. Was auf den ersten Moment zunächst visuell verwirrend wirken mag\, ist ein Ausloten der Grenzen des malerischen Raums und des Verhältnisses zwischen Bild\, Bildoberfläche und Bildträger\, das nicht nur beim zweiten\, sondern auch beim dritten und vierten Hinschauen immer wieder neue Dimensionen entstehen zu lassen scheint. \nKay Lotte Pommer malt in\, auf und mit Metall und Glas. Zarte Figuren durchschneiden die Wandarbeiten aus Stahl\, Metall und Glas und flüchtig gesetzte Spuren kontrastieren in ihrer fragilen Bewegung die Stabilität ihrer Trägersubstanz. Solche Spuren liest Pommer im Alltag auf. Sie macht sich die Stadt zum lesbaren Gefüge aus Oberflächen\, Materialien und Objekten\, in die sich Handlung und Zeit einschreiben. Die in der Ausstellung gezeigten Arbeiten untersuchen aus diesem Stadtarchiv heraus die Produktion von Zeichen im urbanen Raum. Zeichen im Sinne von Hinweisen\, Hinterlassenschaften und visuellen Spuren aber auch im metaphysischen\, imperativen Sinne\, der Handlungen anweist\, vorgibt oder verbietet. So findet ein fotografisches Detail eines Zauns der defensiven Architektur Eingang in ihre Werke. Dieser wird durch grafische Reduktion aus seinem funktionalen Zusammenhang gelöst und in abstrakte\, seriell angeordnete Formfragmente überführt\, die sich als Auslassungen in den Metalloberflächen wie Schriftzeichen lesen lassen. Kay Lotte Pommer studierte an der Burg Giebichtenstein Kunsthochschule in Halle und an der Hochschule für Buchdruck und Graphik in Leipzig\, an der sie aktuell Meisterschülerin bei Prof. Joachim Blank ist. Sie arbeitet sowohl künstlerisch als auch kuratorisch und ihre Arbeiten wurden in Einzelausstellungen im Kunstverein Leipzig und bei Super Bien! Berlin und als Teil verschiedener Gruppenausstellungen im Museum der Bildenden Künste Leipzig\, in der Bsmnt Galerie\, bei Culterim (Berlin)\, bei Phoenix (Athen)\, im Department of Art (Chicago) und in der Galerija Reflektor (Serbien) gezeigt. \nDie Motive in den Malereien von Anja Rausch entziehen sich jeglicher förmlicher Definition. Ob hier Nahaufnahmen technischer Instrumente\, organischer Stoffe oder reflektierende Laufbahnen des Lichts zu sehen sind\, ist unklar. Eine solche Definition ist aber auch gar nicht das Ziel der Werke\, die vielmehr den malerischen Prozess selbst verkörpern als das bloße Abbilden eines Gegen- oder Zustands. Die fließend strömenden Bewegungen\, die vielleicht sogar passender als Kräfte der Dynamik von Farbe und Licht beschrieben werden könnten\, strahlen gleichermaßen Ruhe und Rhythmus aus. Zwischen Figuration und Abstraktion\, Realität und Imagination\, eröffnen Rauschs Gemälde einen schwellenhaften Raum\, in dem perzeptive Präzision und konzeptuelle Offenheit koexistieren. Anja Rausch absolvierte ihren Bachelor der Kommunikationswissenschaft an der Designfakultät der Universität Darmstadt und ist seit 2024 Meisterschülerin an der HFBK Hamburg bei Prof. Jorinde Voigt. Ihre Arbeiten wurden im Rahmen verschiedener Gruppenausstellungen international präsentiert und im März 2023 erstmalig als Einzelausstellung in Berlin. Im Frühjahr 2025 fand ihre erste institutionelle Einzelausstellung im CICA Museum in Südkorea statt. \nPepi Schikowskis Arbeiten beweisen: Auch schwierigen\, ungemütlichen Themen lässt es sich spielerisch und mit kindlicher Neugier nähern. So werden Löwen\, wie könnte es auch anders sein\, zur Verkörperung der Erforschung toxischer Männlichkeit und vorurteilbehafteter Bilder des heteronormativ Männlichen. Der Tod reitet vor farbenfrohen Landschaftsszenen mit einem Exkalibur-Schwert ein und trifft in der Austtellung auf eine ’nur so herumfliegende‘ Schmetterlingsgestalt. Die beiden stehen einander gegenüber und auch wenn sie im ersten Moment dichotomisch wirken mögen\, der Schmetterling als Symbol der lebendigen Transformation und der Tod als das Ende allen Lebens\, liegt diesem skurrilen Paar doch ein tiefer reichender Interpretationsrahmen zugrunde. So könnte der Schmetterling auch als vom Körper befreite Seele der Opfer seines Gegenübers gelesen werden\, wie es damals schon im Antiken Griechenland und heute noch in Ländern wie Mexiko oder Japan Glaubenstradition ist. Die symbolträchtigen Malereien Schikowskis erzählen in sanftem Farbauftrag und mit verwischten Konturen von Mythologie\, vom Leben und der Liebe. Sie werfen Fragen nach Macht und Hierarchien auf und verlieren selbst in der Auseinandersetzung mit Verletzlichkeit und Tod nicht an humorvoller Poesie. Pepi Schikowski studierte Bildende Kunst an der Homeschool door de Kunsten Utrecht und an der Hochschule für Buchdruck und Graphik in Leipzig. Er gewann im Jahr 2022 den Buning Brongers Preis\, woraufhin seine Arbeiten in verschiedenen Gruppenausstellungen in den Niederlanden\, USA\, Schweiz\, Bulgarien und Deutschland gezeigt wurden. \nTim Vormbäumens Praxis umfasst Malerei\, Sound\, Video und gelegentlich Skulptur. Seine Arbeiten entstehen in hybriden Formaten\, in denen sich bildende Kunst\, Film und Installation überlagern. Bild\, Figur\, Klang und Zeit fungieren als gleichwertige Schichten\, die sich ineinander falten. Musik bildet dabei eine durchgehende Struktur. Als Taktung\, als Gedächtnis\, als Bindung zwischen den Medien. Zentral ist dabei die Singularität als Kippmoment: nicht als Zukunftsszenario\, sondern als gegenwärtiger Zustand\, ein Augenblick\, in dem Ordnungen instabil werden und Identität\, Körper und Technologie ineinander übergehen. Tim Vormbäumen studierte an der Kunsthochschule Weißensee in Berlin und an der Kungliga Konstgögskolan am Royal Institute of Art in Stockholm. Seine Arbeiten wurden unter anderem 2322 (Berlin)\, im Rahmen der Kunstnacht Demmin (Demmin)\, für den Eb-Dietzsch Kunstpreis (Gera)\, bei Galerie erster erster (Berlin)\, Spoiler (Berlin) und im Teatro Avenida (Maputo\, Mosambik) gezeigt. \nBeitragsbild: Elias Binder\, Eine Verwandlung\, 2025\, Oil on canvas\, 160 × 200 cm\, 63 × 78 3/4 in \n(Zieh mir den) Zahn der Zeit\n12.03.2026 – 25.04.2026 \nBode Gallery \n
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SUMMARY:Memory Is a Strange Bell
DESCRIPTION:Der Neue Berliner Kunstverein (n.b.k.) und das Künstlerhaus Bethanien präsentieren gemeinsam Arbeiten von Künstler*innen\, die 2025 mit dem Arbeitsstipendium Bildende Kunst des Berliner Senats ausgezeichnet wurden. Die Ausstellung wird parallel in beiden Häusern realisiert und versammelt jeweils internationale künstlerische Positionen von in Berlin lebenden und arbeitenden Künstler*innen. Sie macht einmal mehr deutlich\, welche zentrale Rolle verlässliche Förderstrukturen für die Produktion und Vermittlung zeitgenössischer Kunst einnehmen. Die gezeigten Positionen verbindet eine Auseinandersetzung mit gesellschaftlichen\, politischen und historischen Fragestellungen sowie die kritische Reflexion von Machtverhältnissen\, Normen und Ideologien. Gleichzeitig umspannen sie ein breites Spektrum an ästhetischen Ausdrucksformen. \nAusstellungen:\nNeuer Berliner Kunstverein\, Chausseestraße 128/129\, 10115 Berlin\nEröffnung: Freitag\, 13. März 2026\, 19 Uhr\nLaufzeit: 14. März – 3. Mai 2026\nKünstler*innen: Nadja Buttendorf\, Markus Draper\, Martin Eberle\, Noi Fuhrer\, Shaun Motsi\, Leonie Nagel\nKuratorin: Lidiya Anastasova\nwww.nbk.org \nKünstlerhaus Bethanien\, Kottbusser Str. 10/d\, 10999 Berlin\nEröffnung: Donnerstag\, 19. März 2026\, 19 Uhr\nLaufzeit: 20. März – 17. Mai 2026\nKünstler*innen: Ipek Burçak\, Olga Monina\, Ania Nowak\, Niclas Riepshoff\, Max Schaffer\, Alina Schmuch\, Antje Taubert\, Sergio Zevallos\nKuratorin: Antje Weitzel\nwww.bethanien.de \nEin Projekt des Neuer Berliner Kunstvereins (n.b.k.) in Kooperation mit dem Künstlerhaus Bethanien.\nDie Ausstellung wird gefördert durch die Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt. \n
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SUMMARY:Susanne Waltermann in der Galerie Michael Haas
DESCRIPTION:Susanne Waltermann schafft Stich um Stich ein ikonografisch eigensinniges Werk\, so komplex wie die Liste der verwendeten Materialien und durchdrungen von verschiedensten Fadenarten. Ihr eigener Körper und dessen Wahrnehmung spielen für ihre künstlerische Praxis eine wichtige Rolle: „Ich lege das Papier auf den Boden\, lege mich dann selbst darauf und male die Kontur um mich herum“. In einem langwierigen\, intuitiven Prozess entstehen Arbeiten\, die in mehreren Schichten auf Japanpapier und Seidenpapier vernäht werden. Das Nähen stellt kunsthistorisch eine zutiefst persönliche Arbeit dar; das Schneiden\, Reißen\, Nähen und Zusammenfügen geht mit Vorstellungen von Wiedergutmachung und dem Ausdruck seelischer Spannungen einher. \nDie Motive Waltermanns Votivbilder reichen vom Kochtopf zum homöopathischen Fläschchen\, sie zeigen Strümpfe\, Unterhosen\, Fische und Würstchen. Mit der Übersteigerung des Alltagsobjekts in den sakralen Raum wird das Sakrale trivialisiert und das Triviale zugleich ästhetisiert. Es geht um eine Sinnsuche\, die sich weder in einer Bildwelt aus bluttriefendem Heiland finden ließ\, noch im intellektualisierten Katholizismus im Köln der 1960er Jahre. \nBei Waltermann geht es um existenzielle seelische Grundlagen des Lebens\, deren Erspürung eher bild- als sprachtauglich ist\, wobei das Medium Sprache als genähtes Wort bildhaft auftauchen kann. Susanne Waltermann kommentiert die Tradition des kulturhistorisch als „weiblich“ definierten Handwerks des Nähens\, indem sie mit unregelmäßigen\, groben Stichen und schwerem Garn die impliziten Imperative von Ordnung\, Sauberkeit und stiller Perfektion systematisch unterläuft. \nSusanne Waltermann\n14.03. – 24.04.2026 \nEröffnung\nFreitag\, 13.03.2026\, 18 Uhr \nCharlottenwalk\nSamstag\, 14.03.2026\, 12–18 Uhr \n
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SUMMARY:Katja Strunz. Future Collapses\, Past Rises
DESCRIPTION:Der Neue Berliner Kunstverein (n.b.k.) präsentiert mit Future Collapes\, Past Rises eine neue Ausstellung von Katja Strunz\, die zahlreiche Ansätze und Techniken der Künstlerin vereint. Gezeigt werden Skulpturen aus lackiertem Stahl\, die auf Prinzipien des Einfaltens und -fallens verweisen\, sowie origamiartige Collagen\, die auf hochauflösenden Satellitenbildern einer sich durch den Einfluss des Menschen verändernden Erdoberfläche basieren. Beide Werkgruppen zeugen von einer Balance zwischen Werden und Vergehen und betonen mit der Vielzahl der Perspektiven\, die der künstlerische Prozess des gezielten Faltens des Materials hervorbringt\, die Potentialität eines ständigen Wandels. Die ausgewählten Arbeiten werden ergänzt um gefundene Objekte sowie neue zeitgeschichtliche Bezüge. Der n.b.k. Showroom wird zum Ort sich stets neu in Beziehung setzender Vergangenheiten und einer brüchig bleibenden Zukunft. \nIn ihrer Werkreihe In Formation (2025) arbeitet die Künstlerin dabei erstmals mit Satellitenbildern des von NASA-Wissenschaftlern gegründeten Analyseunternehmens Planet Labs PBC\, die die Erdoberfläche mit einer Datenerfassungsrate von über 30 Terabyte pro Tag kontinuierlich dokumentieren. Eine Auswahl der so entstandenen Fotografien wird von Strunz gefaltet und miteinander collagiert. In immer neuen Konstellationen definiert sie die Grenzen der abgebildeten Landschaften neu und lässt sie in ebenso kristallinen wie körperlichen Strukturen aufeinandertreffen. Begleitet werden sie in der Ausstellung im n.b.k. durch zahlreiche weitere Collagearbeiten mit handgeschöpftem und handgefärbtem Papier\, den so genannten Pulp Paintings\, die die Bandbreite von Strunz’ Arbeit mit dem Medium Papiercollage verdeutlichen. \nAls Kontrapunkte sind den Wandarbeiten Metallskulpturen zur Seite gestellt\, die ebenfalls auf dem Prinzip der Faltung basieren und mit der Vielzahl ihrer möglichen Betrachtungswinkel zusätzlich die Zeitlichkeit jeder Raumerfahrung betonen. Zentral für die Dynamik\, die in den Werken von Katja Strunz zum Ausdruck kommt\, ist eine Sequenzialität ohne feste Reihenfolge: Das Einfalten\, Umfalten und Neufalten\, das die Arbeiten verkörpern\, steht für eine non-lineare Zeitordnung\, die immer neue Verbindungen hervorbringt. Kontinuitäten werden durch Momente der Kompression\, der Fragmentierung oder des Stürzens ausgesetzt\, die Idee einer final zu erreichenden Idealform in Frage gestellt und durch ein ständiges Ein-\, Um- und Aufbrechen ersetzt. \nKatja Strunz (*1970 in Ottweiler / Deutschland) lebt und arbeitet in Berlin. Sie ist bekannt für ihre Skulpturen\, Wandarbeiten\, umfangreichen Installationen sowie Papierarbeiten\, in denen sie sich mit der Interaktion von Zeit und Raum beschäftigt. Schon während ihrer Studienzeit feierte sie erste Erfolge mit präzisen Interventionen in bestehende Architekturen\, seit Anfang der 2000er Jahre hat sie ihre Auseinandersetzung mit philosophischen und physischen Prinzipien der „Raumzeit“ kontinuierlich weitergetrieben und basierend darauf eine abstrakte Formensprache entwickelt\, die sie in zahlreiche Materialien überträgt. Ihre Arbeiten wurden in zahlreichen nationalen und internationalen Institutionen präsentiert\, u. a.: Muzeum Sztuki\, Łódź (2025); Kestner Gesellschaft\, Hannover (2023); Pinakothek der Moderne\, München (2020); Kunstmuseum Bonn (2020); Indianapolis Museum of Contemporary Art (Solo\, 2019); Haus Konstruktiv\, Zürich (2019); São Paulo Biennale (2013); Berlinische Galerie (Solo\, 2013); Camden Arts Centre\, London (Solo\, 2009); Centre Pompidou\, Paris (2009); Carnegie Museum of Art\, Pittsburgh (2008); Museum Haus Esters\, Krefeld (Solo\, 2006). \nBeitragsbild: Katja Strunz\, In Formation\, 2024 © Courtesy Katja Strunz; Contemporary Fine Arts\, Berlin und Basel; Planet Labs PBC \nKatja Strunz. Future Collapses\, Past Rises \n14. März 2026 – 3. Mai 2026 \nn.b.k. \n
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LOCATION:Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.)\, Chausseestrasse 128 / 129\, Berlin\, 10115\, Deutschland
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SUMMARY:druckgebiete – Druckgrafik von Uschi Krempel
DESCRIPTION:Plastikobstschalen\, Tetrapack\, Wellpappe und Kunststoff sind Druckstock und auch Inspiration. Verpackungen faszinieren – was für interessante Formen\, kunstvoll gefaltet oder die Falze vom Tetrapak\, die einen Rhythmus vorgeben. Mit diesem Repertoire an gefundenen und erfundenen Formen und Strukturen arbeite ich. Sie werden immer wieder neu zusammengestellt\, übereinander geschichtet und gedruckt. In Farbe. Streetart mit der Druckerpresse? \nVernissage: 20. März 2026\nLesung: Donnerstag\, 26. März 2026\, 19:00 Lars-Arvid Brischke (Lyrik) – nachlast –\nPerfomance von r²m²: Samstag 11. April 2026\, 17:00: (Rémy Mouton / Martina Reichelt)\nAusstellung vom 21. März bis zum 25. April 2026 \n
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SUMMARY:COSMIC GIRLBOSS
DESCRIPTION:Hier\, im Herzen des kapitalistischen Westeuropas\, wird uns Erfüllung durch unser ökonomisches Potential versprochen: dass uns ein Traumjob und ein finanzielles Polster befreien werden. Doch während die politische und wirtschaftliche Instabilität\, die wir in den globalen Süden und Osten exportiert haben\, nun an unsere eigene Tür klopft\, beginnt dieses Dogma der individuellen Optimierung zu zerbröckeln. \nHier kommt die COSMIC GIRLBOSS ins Spiel. Sie begreift systemische Krisen als spirituelle Prüfungen des Universums\, die sie dazu auffordern\, materielle Sicherheit noch stärker zu “manifestieren”. Verliert sie ihren Job\, gründet sie keine Gewerkschaft\, sondern lädt ihre Kristalle auf und bittet ihre Tarot-Karten um den richtigen Weg. Sie ist der ultimative Unternehmergeist. \nDiese Ausstellung versammelt Künstler*innen\, die sich spielerisch und liebevoll mit genderspezifischem spirituellem Unternehmertum und dessen historischen\, politischen und technologischen Kontexten auseinandersetzen. Emily Hunt bietet uns Talismane an\, um durch neoliberale Systeme zu navigieren\, und ermöglicht der GIRLBOSS\, tatsächlich mit dem großen Geheimnis des Kosmos in Berührung zu kommen. Das Künstler*innenduo DLBLR unterläuft und reklamiert die kulturelle Aneignung und Kommerzialisierung spiritueller Praktiken in der Popkultur. Salesforce Child schafft eine neue Religion aus den Schrecken des Smartphone-Bildschirms und der nackten\, rasenden Anbetung des reinen Kapitals\, die dieser ermöglicht. Margarita Athanasiou liefert eine phantastische\, historische Perspektive auf die Beziehung zwischen Faschismus\, Okkultismus und dem Internet. \nDas spirituelle Unternehmertum der COSMIC GIRLBOSS eignet sich besonders gut für digitale Plattformökonomien wie TikTok und Instagram. Kostenpflichtige Tarot-Lesungen und algorithmisch bestimmte Horoskop-Apps boomen\, oft gezielt vermarktet an Frauen* und queere Menschen. Der Begriff „GIRLBOSS” selbst ist ein sexistisches Produkt des Internets der 2010er Jahre und beschreibt Unternehmerinnen\, die ihre hyperkapitalistischen Ambitionen unter einem Anstrich von Pop-Feminismus tarnen. Die archetypische GIRLBOSS muss kein „Girl“ sein\, und sie ist tatsächlich nur sehr selten ein Boss\, aber ihr rastloses Streben nach Geld ist geprägt durch eine genderspezifische finanzielle Prekarität. \nDiese Ausstellung erkennt die Wirkmacht der COSMIC GIRLBOSS an und zeigt\, wie ihre spirituellen Strategien dabei helfen\, der Volatilität unserer zerfallenden Wirtschaftssysteme standzuhalten. Gleichzeitig weist sie behutsam darauf hin\, dass es in ihrem und unserem heutigen spirituellen Leben noch mehr stecken muss. \nVERANSTALTUNGEN \n25. März\, 18 Uhr\nERÖFFNUNG & PERFORMANCE\nMit DLBLR \n30. April\, 19 Uhr & 2.+3. Mai\, ab 15 Uhr\nCOSMIC COUNTERREADINGS\nMit Lesungen & Performances von\nWassim Z. Alsindi\, Margarita Athanasiou\, Emily Hunt\, Dera Luce\, Salesforce Child & weiteren Gästen.\nMitveranstaltet von der Forscher*innen-Gruppe Enchanted Epistemes. \n17. Mai\, 18 Uhr\nFINISSAGE\nMit Ausstellungsführung & Girlboss Karaoke mit Fenek Sélavy \n
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/cosmic-girlboss/
LOCATION:Kunstraum Kreuzberg Bethanien\, Mariannenplatz 2\, Berlin\, 10997\, Deutschland
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SUMMARY:Shifting Weathers - Villa Heike
DESCRIPTION:Gegründet im Jahr 2019 und nun als gemeinnütziger Kunstverein (Villa Heike e.V.) neu aufgestellt\, widmet sich die Institution der nachhaltigen Förderung zeitgenössischer Kunst sowie der Pflege einer offenen\, kritischen Kulturpraxis. Im Mittelpunkt des Programms von Villa Heike Kunstverein stehen künstlerische Positionen\, die das technische Bild als kreative Methode\, Darstellungsform und Ort politischen Handelns befragen. \nShifting Weathers ist eine Ausstellung im Villa Heike Kunstverein\, die sich mit Wetter\, Klima und bildgebenden Technologien auseinandersetzt. Während in der Öffentlichkeit Klima durch technische Bilder\, Messungen und Prognosen sichtbar gemacht wird\, ist es zugleich wirksam durch langsame Prozesse\, die unserer unmittelbaren Wahrnehmung entgehen. Das Ausstellungsprojekt Shifting Weathers versteht Wetter als fortwährenden Zustand\, der Wahrnehmung\, Empfinden und Zeitlichkeit formt. Mit Arbeiten von Susanne Kriemann\, Jasmijn Visser (mit Ingmar König) und Luiz Zanotello richtet es den Blick auf die komplexen Gegebenheiten\, die der medialen Vermittlung und Interpretation von Wetter und Klima zugrunde liegen. Die Ausstellung zeigt aber vor allem\, wie künstlerische Praktiken jenseits von Katastrophenbildern neue Perspektiven auf die Vielschichtigkeit von Klima eröffnen. Shifting Weathers wird von Sarie Nijboer unter der Leitung von Michael Schäfer kuratiert. Begleitet wird die Ausstellung von einem eintägigen Symposium zu Fragen von Bildproduktion\, Klimawissen und Wahrnehmungspolitiken. \nSusanne Kriemann betrachtet in ihrer Arbeit Datadust\, skin of sand Landschaften als materielle Archive menschlicher Hinterlassenschaften. Sie zeigt\, wie Mikroplastik zum neu integrierten Bestandteil ökologischer Kreisläufe geworden ist. Es wird durch Wetter und Verwitterung über die Zeit hin verteilt und sedimentiert. Kriemanns Beobachtungen machen so Klima als bestimmenden Faktor langfristiger Einschreibungsprozesse sichtbar. \nJasmijn Visser entwickelt in Zusammenarbeit mit dem Game Developer Ingmar König das interaktive Videospiel The weather has been cancelled\, das eine Welt ohne Wetter entwirft. In ihrer fragmentierten\, lyrischen Spielwelt\, in der sich Spielende frei bewegen können\, wird die Komplexität des Klimawandels gespiegelt: nicht auf eine einzige Erzählung reduzierbar\, und dennoch tief verankert im kulturellen Gedächtnis sowie in kollektiver Trauer. \nLuiz Zanotello untersucht in seiner Installation Tempo-imagem das Zusammenspiel von Zeit und Wetter anhand von Echtzeitbildern frei zugänglicher Wetterkameras weltweit. Indem er eine Maschine mit diesen visuellen Daten trainiert und ihre Prozesse filmisch sichtbar macht\, verschiebt die Arbeit den Blick auf unterrepräsentierte Regionen und unterschiedliche Zeitlichkeiten. Dabei wird Wetterbeobachtung als politischer Akt des Sehens gefasst. \nShifting Weathers\n26.03. – 02.05.2026 \nVilla Heike \n
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/shifting-weathers-villa-heike/
LOCATION:Villa Heike\, Freienwalder Str. 17\, Berlin-Lichtenberg\, 13055\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung
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SUMMARY:Diaspora Wonderland. Fashioning Worlds
DESCRIPTION:Die Ausstellung Diaspora Wonderland. Fashioning Worlds in der ifa-Galerie Berlin beleuchtet diasporische Erfahrungen und Identitäten im Kontext von Mode. Sie thematisiert\, wie Mode als narratives Medium Zugehörigkeit markiert\, Identität formt und Gemeinschaft stiftet. Mit der Ausstellung setzt das ifa seinen Auftrag fort\, Räume für künstlerische Produktion und kritische Reflexion zu öffnen.\n\nIn Diaspora Wonderland. Fashioning Worlds verweben Künstler:innen und Designer:innen aus diasporischen Gemeinschaften Mode\, Textilien\, bildende Kunst\, Musik und Installation. Im Zentrum der Ausstellung steht die Frage\, wie Geschichten über Körper\, Territorien und Generationen hinweg wandern und weitergegeben werden. Entstanden aus Erfahrungen von Exil\, Überlieferung und Neuerfindung\, erkunden die Werke Erinnerung\, Erbe und kollektive Imagination. Gezeigt werden große Textilarbeiten\, gemeinschaftliche Stickereien\, immersive Klang- und Soundinstallationen\, Fotografie sowie installative Werke. \nAusgangspunkt für die als Ausstellungsreihe konzipierte Ausstellung war für den Kurator der Ausstellung\, Lotfi Aoulad\, die Idee des Denkers Jacques Attali\, der Musik als prophetisches Medium verstand\, das gesellschaftliche Veränderungen vorwegnimmt. Die Ausstellung überträgt diesen Gedanken auf Mode: Sie wird zum kulturellen Seismografen\, zu einem Medium das Gegenwart erspürt und Zukunft entwirft. \nÜber das ifa\nDas ifa – Institut für Auslandsbeziehungen schafft mit seiner Arbeit in Kunst und Zivilgesellschaft weltweit Verständnis und Vertrauen zwischen Menschen. Es fördert demokratische Zivilgesellschaften und setzt sich ein für Freiheit in Kunst und Wissenschaft sowie für Meinungsfreiheit. Das ifa bringt sein internationales Wissen und seine Netzwerke in Kunst und Kultur\, Politik und Gesellschaft in Debatten ein und erweitert Perspektiven – in Deutschland und weltweit. Die ifa-Galerien in Stuttgart und Berlin zeigen zeitgenössische Kunst aus einer globalen Perspektive. Die Ausstellungen und Vermittlungsprogramme entstehen in einer gemeinschaftlichen Arbeitsweise\, in der globale Verflechtungen aufgespürt und in einer anderen Erzählweise neu zusammengesetzt werden. Das ifa wird gefördert vom Auswärtigen Amt\, dem Bundesministerium des Innern\, dem Land Baden-Württemberg und der Landeshauptstadt Stuttgart. \n\nDiaspora Wonderland. Fashioning Worlds\n27. März 2026 – 7. Juni 2026 \nifa-Galerie Berlin \n
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/diaspora-wonderland-fashioning-worlds/
LOCATION:ifa-Galerie Berlin\, Linienstraße 139-140\, Berlin\, 10115\, Deutschland
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SUMMARY:Sven Hoppler - Das unbekannte Meisterwerk
DESCRIPTION:Am 27. März um 18 Uhr eröffnet in der Galerie Schwind Berlin die Ausstellung „Sven Hoppler. Das unbekannte Meisterwerk“. \nSven Hopplers neueste Werkgruppe entführt in faszinierende\, von Mystik und Symbolik durchdrungene Bildwelten. Zwischen Realität und Imagination entstehen kraftvolle Gemälde\, in denen Mythen\, Religion und persönliche Erfahrung miteinander verschmelzen. Hoppler reflektiert dabei das Malen selbst – als sinnliches\, erkenntnisreiches Spiel zwischen Erinnerung und Vision. \nBeitragsbild: Sven Hoppler\, Das Urteil\, 2025/2026\, Öl auf Leinwand\, 30 x 63 cm \nSven Hoppler\nDas unbekannte Meisterwerk\n27. März 2026 – 8. Mai 2026 \nGalerie Schwind \n
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/sven-hoppler-das-unbekannte-meisterwerk/
LOCATION:Galerie Schwind\, Große Hamburger Straße 1\, Berlin\, 10115\, Deutschland
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SUMMARY:Christine Jackob-Marks — Millesfleur
DESCRIPTION:Christine Jackob-Marks\, deren Werk zuletzt von Samuelis Baumgarte in der Dialogausstellung „KOSMOS“ mit Otto Piene in Bielefeld gewürdigt wurde\, beschäftigt sich in ihrem gesamten Künstlerinnenleben mit der Natur und der Frage nach der Wahrheit\, die hinter dem Offenbar-Sichtbaren verborgen liegt. In ihren Landschaftsgemälden wird die Natur zu Quelle und Spiegel von menschlichen Gefühlsräumen und existenziellen Fragen. Immer wieder setzt sie sich jedoch auch mit den Spuren der Verletzung auseinander\, die der Mensch seiner natürlichen Heimat zuteil werden lässt. \nDiese Bivalenz der Natur findet in Christine Jackob-Marks Blumenbildern eine weitere Differenzierung\, der die Ausstellung durch den Blick auf drei verschiedene Schaffensphasen nachgeht. Zwischen den Arbeiten der späten Studienzeit Anfang der 1960er Jahre und heute liegen Welten wie sie zwischen Bettina von Arnims Satz „Blumen sind Liebesgedanken der Natur“ und Charles Baudelaires „Fleurs du Mal“ stehen. Auf der einen Seite liegt Schönheit und Harmonie\, auf der anderen Vergänglichkeit und Verführbarkeit. Das Bild der Blume\, beides verbindend\, beweist\, dass in beiden Welten eine Art von Schönheit denkbar ist\, die nur um ihrer selbst willen existiert. \nIm Lichte dreier weit auseinander liegenden Schaffensphasen eröffnen die mille fleurs von Christine Jackob-Marks ein Panorama dessen\, was Blumen als künstlerisches Thema bedeuten können. \nIn ihrer Studienzeit an der Hochschule der Künste Berlin (UdK) entwarf die Künstlerin zwischen 1960 und 1964 Stoff- und Tapetenmuster und experimentierte dabei mit floralen Elementen. In der formalen Abstraktion und Rhythmik stehen diese handgefertigten Blätter in der Tradition des Ornaments\, hinsichtlich ihrer Farbpalette verblüffen sie durch Frische und Aktualität. Ein Teil des Konvoluts befindet sich im Berliner Werkbundarchiv — Museum der Dinge. \nUm 2000 arbeitete Christine Jackob-Marks über den Tagebau in der Lausitz als Bild für die Zerstörung der Natur durch den Menschen. Als hätte die Künstlerin die Welt wieder zum Erblühen bringen wollen\, so markiert im Jahr 2005 eine umfangreiche Serie von Blumenstillleben den Abschluss dieser Lausitz-Zeit. Vor dem realen Vorbild entstanden — „Es gab immer Blumen im Haus!“\, sagt die Künstlerin —\, konterkarieren Gemälde aus dieser Zeit das Klischee des „Blumenmalens als Frauenkunst“ allein schon durch ihr großes Format: in „Gerbera II“ bespielen nur sechs Blüten eine 180 x 160cm Leinwand. \nSeit 2025 taucht das Blumenmotiv erneut auf. Im Unterschied zu 2005 finden wir dunkle Farben und komplexe\, teilweise wie geologische Formationen wirkende Oberflächenstrukturen. Ein energetischer\, intuitiver Gestus prägt sich aus\, der im Werk der Malerin generell vermehrt in den Vordergrund tritt. Aus der Balance von Geschwindigkeit / Spontaneität\, mehrfachen Überarbeitungsprozessen und dem Experiment mit verschiedensten Malmitteln schafft sie brillante\, nahezu organisch gewachsene Strukturen. \nWer die politische\, gegenüber gesellschaftlichen Entwicklungen aufmerksame Persönlichkeit der Künstlerin kennt\, versteht noch deutlicher\, warum aus den geheimnisvollen Tiefen dieser Dickichte\, Nachtwiesen und mikrokosmischen Blütenbildungen hoffnungsvolle Lichter hervorleuchten. Christine Jackob-Marks sagt: „selbst im Dunkeln der Dominanz der Zerstörung wachsen die Blumen“. Man möchte mit Ralph Waldo Emerson entgegnen: denn „die Blumen sind das Lächeln der Erde“. \nKurzvita Christine Jackob-Marks\nGeboren 1938 in Mainz
Studium an der Academie de la Grande Chaumiere Paris\, bei Prof. Ives Breyer 
Studium an der Hochschule der Bildenden Künste\, Westberlin
u. a. bei Prof. Jänisch\, Prof. Jansen u. Prof. Hartmann
zudem Arbeit im Berliner Design-Studio
Studium der Erziehungswissenschaften an der FU Berlin
Freie Mitarbeiterin im Jugendpsychiatrischen Dienst\, Berlin-Zehlendorf
Dozentin an der HdK\, Berlin FB 10
Dozentin an der Thüringischen Sommerakademie
Erster Preis des künstlerischen Wettbewerbs „Denkmal für die ermordeten Juden Europas“ (1995) mit Hella Rolfes\, Hans Scheib und Reinhard Stangl \n
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LOCATION:Galerie feinart berlin\, Niebuhrstraße 71\, Berlin\, 10629\, Deutschland
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SUMMARY:Peel Off - CAMERA WORK
DESCRIPTION:Die Galerie CAMERA WORK präsentiert vom 28. März bis zum 6. Juni 2026 die Gruppenausstellung Peel Off. Diese widmet sich mit über 100 Unikaten von sechzehn namhaften Künstlern der Geschichte des legendären Sofortbildes. Unter den Arbeiten aus den frühen 1970er Jahren bis heute\, die vielfach an den Sets berühmter Fotoshootings entstanden\, sind zudem seltene großformatige Werke von Peter Beard\, Michel Comte und Olaf Heine. \nDas Sofortbild wurde maßgeblich durch Herbert Erwin Land und die Firma Polaroid geprägt. Land stellte das erste unmittelbar entwickelbare Fotopapiersystem 1947 erstmals vor und machte es später mit der Firma Polaroid weltweit bekannt. Das patentierte Entwicklungsverfahren etablierte sich in der professionellen Fotografie als wichtiges kreatives Werkzeug und war etwa zur Licht- und Kompositionsprüfung am Set entscheidend. Die sichtbare Entwicklungszeit des Bildes\, die durch die Peel Off-Trennung der Entwicklungsbögen manuell abgeschlossen wurde\, verstärkte die Wahrnehmung des fotografischen Prozesses und dessen performativen Charakter. Jedes Sofortbild ist ein physisches Unikat\, das direkt mit seinem Entstehungszeitpunkt verknüpft bleibt. \nDie Ausstellung zeigt Sofortbilder\, die zwischen den 1970er und 2000er Jahren im Rahmen des künstlerischen Entstehungsprozesses ihren Höhepunkt erlebten\, bevor sie durch die digitale Fotografie verdrängt wurden. Sie verloren jedoch nie vollständig an Relevanz. Arbeiten von Helmut Newton aus den 1970er Jahren sowie von Arthur Elgort und Patrick Demarchelier aus den 1990er Jahren belegen den Stellenwert des Sofortbildes für die Komposition eines fotografischen Werks. Darüber hinaus werden die Gebrauchsspuren und die besondere Ästhetik der Bilder als charakteristisches Stilmittel wahrgenommen\, das eine intime und unmittelbarere Atmosphäre widerspiegelt und die Arbeitsprozesse von Künstlern wie Eugenio Recuenco oder Jean-Baptiste Huynh auf einzigartige Weise dokumentiert. Parallel entwickelte sich das Sofortbild als eigenständiges künstlerisches Medium\, mit dem ganze Serien fotografisch umgesetzt wurden. Seit den 2010er Jahren erfährt das Sofortbild eine Renaissance\, die eine Sehnsucht nach analogen\, entschleunigten Bildprozessen unterstreicht. Dank seiner besonderen künstlerischen Merkmale ist das Sofortbild seit vielen Jahren auf dem primären und sekundären Fotokunstmarkt ein relevantes Sujet\, das mitunter Höchstpreise erzielt. \nCAMERA WORK\nDie in Berlin ansässige Galerie CAMERA WORK wurde 1997 gegründet und zählt heute zu den weltweit führenden Galerien für Fotokunst. Angelehnt an den historisch geprägten Galerienamen folgt das Unternehmen von Beginn an der Philosophie\, neben den bekanntesten Künstlern der Fotografiegeschichte wie Diane Arbus\, Richard Avedon\, Patrick Demarchelier\, Peter Lindbergh\, Helmut Newton\, Irving Penn\, Man Ray\, Herb Ritts und Albert Watson auch junge zeitgenössische Künstler zu vertreten und in Ausstellungen zu zeigen\, um die Fotokunst als eigenständige Gattung innerhalb der bildenden Künste zu manifestieren und neuen Positionen Raum zu geben. Neben den Schwerpunkten Mode-\, Akt- und Porträtfotografie fokussiert sich CAMERA WORK auf die Bereiche Staged Photography\, Architektur und Stillleben. Dabei vertritt CAMERA WORK zahlreiche renommierte zeitgenössische Künstler in Deutschland\, Europa oder weltweit exklusiv\, u. a. Jean-Baptiste Huynh\, Russell James\, Chris Levine\, Eugenio Recuenco\, Martin Schoeller\, Christian Tagliavini\, Ruud van Empel\, Dean West und David Yarrow. Um eine Auswahl zeitgenössischer Künstler auf dem Kunstmarkt zu etablieren und in das Portfolio von CAMERA WORK aufzunehmen\, führte CAMERA WORK von 2012 bis 2019 die Kunstgalerie CWC GALLERY in Berlin. CAMERA WORK ist regelmäßig auf international führenden Kunstmessen vertreten\, darunter Paris Photo\, Zona Maco in Mexico City\, Art Central Hong Kong\, Art Miami und Photo London. \nPeel Off\n28. März 2026 – 6. Juni 2026 \nCAMERA WORK \n
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SUMMARY:Verfundstücktes
DESCRIPTION:Dr. Dietmar Werchan\, Jahrgang 1941\, Pharmazeut im Ruhestand\, lebt in Charlottenburg und der Uckermark. Er übte einen wissenschaftlichen Beruf aus\, der eine exakte Arbeitsweise voraussetzte\, jedoch keinerlei künstlerische Freiheit erlaubte. Diese bahnt sich mittlerweile ihren ganz eigenen Weg in einem neuen Betätigungsfeld: der Schaffung surrealistischer Objekte und Materialbilder. \nDie dafür verwendeten Elemente sind gewöhnlich und unscheinbar\, oft Fundstücke aus der Natur\, Spiel- und Werkzeuge\, Gebrauchsgegenstände des urbanen Alltags. Werchan praktiziert seine sehr spezielle Form künstlerischen Recyclings oder zweckbefreiter Bricolage. Diese Aufwertung oder poetische Aufladung vermeintlich wertloser oder defekter Dinge befördert die Einzelteile in einen neuen Aggregatzustand\, nämlich eines autarken Kunstwerks. Sein handwerkliches Geschick und seine Findungsgabe erwecken lose Objekte zu einer neuen Daseinsform\, entlocken ihnen eine eigene Sprache\, lassen sie historische\, märchenhafte oder fantastische Geschichten erzählen – manchmal etwas gruselig oder ironisch\, immer jedoch von feinem Humor durchzogen. \nEr entlockt wertlosem Strandgut\, alten Spielsachen\, abgenutzten Utensilien eine dichterische Qualität durch überraschende Verbindungen und Kombinationen von Naturstoffen\, pharmazeutischen und industriellen Produkten. Diese Arbeitsweise entlehnt er künstlerischen Praktiken der Surrealisten. Dabei geht es ihm nicht vorrangig um schonungslose psychologische Tiefenschürfungen\, die Aura der – scheinbar wertlosen – Materialien wird raffiniert gesteigert und kunstvoll überhöht\, ähnlich den Objektkästen eines Joseph Cornell. Manche seiner Kreationen (oder Kreaturen) der Umwidmung entwickeln ihr ungeahntes Eigenleben als Akteure geheimnisvoller Rituale wie Totems\, religiöse Reliquien\, Kultgegenstände\, Militaria\, Theaterrequisiten\, einer Wunderkammer\, einem unbekannten Märchen oder Kapitel deutsch-deutscher Geschichte entnommen. \nDiese meist kleinformatigen Werke entstehen nicht in einem weitläufigen Bildhauer-Atelier\, sondern in einer winzigen Bastelkammer\, eher Zelle als Werkstatt\, wo Werchan nicht nur defekte Gegenstände handwerklich geschickt repariert\, sondern tote Materie in eigenständige Wesen verzaubert\, ihnen Leben einhaucht wie dereinst der Schnitzer seiner Holzfigur Pinocchio. \nFür diese Ausstellung „Verfundstücktes“ – seine Wortschöpfung – holt Dietmar Werchan zwei Dutzend seiner Werke aus der intimen Sphäre ihrer Entstehung auf eine offene Bühne\, verbindet sie in einer heiteren Choreografie und lässt sie mit dem Publikum interagieren.\nLassen wir uns in ihren lebhaften\, bewegten Reigen ziehen! \nKarin Barth \n
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SUMMARY:Vernissage Σ 5 x (farbe + licht + raum) = 297  Ausstellung der INSELGALERIE Berlin
DESCRIPTION:Σ 5 × (Farbe + Licht + Raum) = 297: Mit Arbeiten von Ina Abuschenko-Matwejewa\, Angelika Dierkes\, Antje Taubert\, Elgin Willigerodt und Betina Kuntzsch entfaltet die Ausstellung ein Spannungsfeld zwischen konstruktiver Klarheit und sinnlicher Dynamik. Malerei\, Zeichnung\, Objekt\, Installation und Video verbinden sich zu vielschichtigen Bildräumen\, in denen Ordnung auf Bewegung trifft. Intensive Farbsetzungen\, serielle Strukturen und fragile Raumkörper eröffnen ein offenes Erfahrungsfeld jenseits eindeutiger Berechnung. \nVernissage:\n2. April 2026\, 19 Uhr\, INSELGALERIE Berlin \n
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LOCATION:INSELGALERIE Berlin\, Petersburger Straße 76 A\, Berlin\, 10249\, Deutschland
CATEGORIES:Vernissage
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SUMMARY:Hairspray Magazine / Fanatic Female Frustration – An Exhibition of FLINTA* Underground Comics
DESCRIPTION:Hairspray Magazine und Fanatic Female Frustration sind zwei selbst publizierte Comic-Anthologien mit einem Fokus auf den Arbeiten von FLINTA*-Comickünstler*innen. Beide wurden gemeinsam im vergangenen Jahr mit dem Alternativen Comicpreis in Angouleme ausgezeichnet. Hairspray wird von Karla Paloma (Berlin) herausgegeben und hat das Ziel\, internationale FLINTA*- Künstler*innen und alternative Comicszenen miteinander zu vernetzen und ihnen zu mehr Sichtbarkeit zu verhelfen. Fanatic Female Frustration ist ein Projekt von Elsa Klee und Lucille Ourvouai (Marseille)\, welches Aline Kominsky Crumb\, der Pionierin des feministischen autobiographischen Comics\, gewidmet ist. Die Anthologie zelebriert Comic-Zines und die analogen und subversiven Arbeitsweisen und Erzählstile\, die diese queerfeministische Subkultur geprägt haben. \nDer Grundstein für die Zusammenarbeit wurde durch eine kollaborative Ausstellung in Bologna sowie gemeinsame Auftritte auf internationalen Comicfestivals gelegt. \nIn der gemeinsamen Gruppenausstellung im Neurotitan werden die Arbeiten von Künstler*innen der ersten und zweiten Ausgabe von Hairspray Magazine und Fanatic Female Frustration präsentiert; eine diverse Gruppe von ca. 30 Künstler*innen aus Deutschland\, Frankreich\, den Niederlanden\, Italien\, Spanien\, Dänemark\, Großbritannien\, Kanada\, England\, Poland\, Kamerun\, Brasilien\, USA\, Chile und der Schweiz. \nKünstler*innen \nJo Rüßmann (UK)\, Martina Sarrizu (IT)\, Simone F. Baumann (CH)\, Vera Bekema (NL)\, Elsa Klee (FR)\, Rikke Villadsen (DK)\, Esther Samuels-Davis (US)\, Karla Paloma (DK) Alice Bienassis (FR)\, Morgane Somville (BE)\, Valentine Gallardo (FR)\, Elsa Klée (FR)\, Claire Malissen (FR)\, Caroline Sury (FR)\, Mélanie Utzmann-North (FR)\, Lucile Ourvouai (FR)\, Mireille Nyangono Ebene (CM)\, Marthe Pequignot (FR)\, Margot Preham (BE)\, JWebster Sharp (UK)\, Yerrie Choo (US)\, Emilly Bonne (BR)\, Zavka (PL)\, Heather Loase (US)\, Ángela Efe (ES)\, Lucile Ouvourai (FR)\, Maria PezKaos (CL)\, Sara Bipede (IT)\, Andrea Ganuza (ES)\, Bridget Trout (CA) \nProgramm zum Eröffnungswochenende \nSamstag\, 11. April 2026\, 16-22 Uhr Vernissage \nPanel Talk · Comic Readings · Konzert/Live-Drawing \n18-18:45 Uhr\, PANEL TALK \nRikke Villadsen\, Andrea Ganuza and Mireille Nyangono Ebene \nModeration: Lucile Ourvouai \n19-20:30 Uhr\, COMIC READINGS \nMartina Sarrizu\, Esther Samuels-Davis\, Yerrie Choo\, Caroline Sury\, Vera Bekema\, \nMireille Nyangono Ebene\, Karla Paloma \n21-21:30 Uhr\, KONZERT/LIVE-DRAWING \nMireille Nyangono Ebene & Marthe Pequignot \nSonntag\, 12. April 2026\, 13-21:30 Uhr \nWorkshop · Talk/Live-Drawing · Comic Readings · Konzert \n13-15:00 Uhr\, WORKSHOP \nSimone F. Baumann \n(mit Anmeldung unter: 17karlapaloma@gmail.com ) \n16-16:45 Uhr\, TALK/LIVE-DRAWING \nElsa Klee & Lucile Ourvouai: \n„Performance tribute to the mothers of underground comics“ \n17-18:30 Uhr\, COMIC READINGS \nSimone F. Baumann\, Claire Malissen\, Jo Rüßmann\, Rikke Villadsen\, \nMarthe Pequignot\, Sara Bipede\, Elsa Klee \n20-20:30 Uhr\, Konzert \nCaroline Sury \n
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LOCATION:Neurotitan Galerie\, Rosenthaler Straße 39\, Berlin\, 10178\, Deutschland
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SUMMARY:Pendelnde Rationalität
DESCRIPTION:Die Künstler*innen setzen sich in ihrer konzeptuellen Arbeitsweise tiefgründig\, sensible mit gesellschaftlichen\, wirtschaftlichen und politischen Themen auseinander. Strategien für eine künstlerische Umsetzung der unterschiedlichen Themen beinhalten das Erforschen aktueller Prozesse. Geschichtliche Bezüge in einer immer komplexer aufgestellten Welt\, bleiben nicht außen vor.  „Rationalität“ erfährt in ihrer vielfältigen Verknüpfung in dieser Ausstellung eine Erweiterung und wird zur „Pendenlnden Rationalität“. Grafik\, Objekte und installative Arbeiten sind Hilfmittel in dieser Erfahrungswelt. \nZur Finissage am 7. Mai wird Professor Dr. Márcio Seligmann-Silva (Brasilien) im roam ein Gespräch mit den Künstler*innen führen. \n11. April – 7. Mai 2026\nroam\,  Lindenstr. 91\, 10969 Berlin \nEröffnung\n11. April\, 18 Uhr \nÖffnungszeiten\nDonnerstag bis Freitag 16-19 Uhr  \nSamstag 14-17 Uhr \n
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SUMMARY:Pendelnde Rationalität
DESCRIPTION:Die Künstler*innen setzen sich in ihrer konzeptuellen Arbeitsweise tiefgründig\, sensible mit gesellschaftlichen\, wirtschaftlichen und politischen Themen auseinander. Strategien für eine künstlerische Umsetzung der unterschiedlichen Themen beinhalten das Erforschen aktueller Prozesse. Geschichtliche Bezüge in einer immer komplexer aufgestellten Welt\, bleiben nicht außen vor.  „Rationalität“ erfährt in ihrer vielfältigen Verknüpfung in dieser Ausstellung eine Erweiterung und wird zur „Pendenlnden Rationalität“. Grafik\, Objekte und installative Arbeiten sind Hilfmittel in dieser Erfahrungswelt. \nZur Finissage am 7. Mai wird Professor Dr. Márcio Seligmann-Silva (Brasilien) im roam ein Gespräch mit den Künstler*innen führen. \n11. April – 7. Mai 2026\nroam\,  Lindenstr. 91\, 10969 Berlin \nEröffnung\n11. April\, 18 Uhr \nÖffnungszeiten\nDonnerstag bis Freitag 16-19 Uhr  \nSamstag 14-17 Uhr \n
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SUMMARY:Figuring Out
DESCRIPTION:Max Giermann ist einem breiten Publikum als Schauspieler bekannt. Über viele Jahre hinweg prägte er mit seinen Rollen Fernsehen\, Bühne und Film. Parallel zu dieser öffentlichen Karriere entwickelte sich eine eigenständige künstlerische Praxis: die Malerei. \nDiese Praxis ist kein neues Experiment\, sondern begleitet Giermann seit früher Kindheit als kontinuierliche Form des Ausdrucks. Seit 2024 stellt Max Giermann seine Malerei öffentlich aus:\nNach einer Einzelausstellung im Kunstverein Ulm e.V.\, folgte 2025 eine Einzelausstellung in der Galerie Holger John in Dresden. \nAufbauend darauf führt die Ausstellung „Figuring Out“ (17. April – 13. Juni 2026) sein bildnerisches Schaffen erstmals in der janinebeangallery in Berlin zusammen und markiert den nächsten konsequenten Schritt in die Präsentation seines künstlerischen Werks. \nGiermanns Malerei entsteht aus einem bildnerischen Prozess\, der zeitlich weit vor seiner Bekanntheit als Schauspieler ansetzt und bewusst unabhängig von eindeutigen Zuschreibungen bleibt.\nZwar ist sein Name aus einem anderen Kontext vertraut\, doch die Gemälde folgen einer eigenen inneren Logik und behaupten sich jenseits biografischer Lesarten.\nZeichnen und bildnerisches Arbeiten waren für Max Giermann (geb. 1975) bereits in Kindheit und Jugend zentrale Ausdrucksformen. Früh entwickelte er ein ausgeprägtes Interesse an Figuren\,Körpern und Gesichtern – weniger im Sinne eines Abbilds als vielmehr als Mittel zur Manifestation innerer Zustände. \nAuch wenn die Malerei für ihn heute einen neuen Schwerpunkt markiert\, ist ihm der bildnerische Schaffensprozess als solcher seit jeher vertraut.\nParallel zu anderen künstlerischen Ausdrucksformen blieb die Malerei über die Jahre hinweg eine konstante\, persönliche Schaffenssphäre. Die langjährige Unabhängigkeit von institutionellen Erwartungen und marktbezogenen Vorgaben prägte den offenen\, freien Charakter seiner Werke. \nIn den ausgestellten Gemälden verdichtet sich diese Haltung zu einer Malerei\, die sich nicht über Wiedererkennbarkeit oder erzählerische Eindeutigkeit definiert. Die Bilder zeigen Figuren\, Köpfe und Körperfragmente\, ohne sich auf klassische Porträtdarstellungen oder einfache psychologische Zuschreibungen festzulegen. Entscheidend ist der Moment der Setzung als das Auftauchen einer Figur im Bild\, die sich im Prozess formt und zugleich offen bleibt. \nDie Arbeiten entstehen direkt und prozesshaft\, mit sichtbaren Übermalungen\, Brüchen und Korrekturen. Linien werden gesetzt und neu geführt\, Farbflächen überschreiben einander\, Konturen bleiben bewusst in Bewegung.\nDie Acrylfarbe wird nicht bloß glatt aufgetragen\, sondern körperlich eingesetzt: gestrichen\, gezogen\, verschmiert\, teilweise tropfend.\nEin wiederkehrender Schwerpunkt liegt auf dem Gesicht. Augen erscheinen übergroß oder asymmetrisch\, Münder leicht verschoben\, Köpfe frontal oder minimal gekippt in den Bildraum gesetzt. Der Hintergrund fungiert dabei weniger als klassischer Raum denn als spannungsvolle Fläche\, die Figur und Bildträger miteinander verbindet. \nCharakteristisch für Giermanns Malerei ist die Balance zwischen Kontrolle und Offenheit. \nKunsthistorische Referenzen von expressionistischen Positionen bis zur gestischen Malerei des 20. Jahrhunderts sind spürbar\, werden jedoch nicht zitiert\, sondern durch einen persönlichen Duktus weitergeführt. Oder wie Giermann es formuliert:\n„Die Kunstgeschichte ist wie ein Requisitenfundus\, aus dem man sich angstfrei und spielerisch bedienen darf.“ \nIm Zentrum dieser Arbeiten steht zunehmend die Frage nach Identität. Weniger als festes Narrativ\, sondern als offener Zustand: Identität erscheint bei Giermann als etwas\, das sich im malerischen Prozess formt\, infrage stellt und wieder auflöst. Die Bilder behaupten keine eindeutigen Rollen\, keine Masken und keine abgeschlossenen Figuren. Vielmehr sind sie Verdichtungen eines Zustands\, in dem Wahrnehmung\, Projektion und malerische Entscheidung ineinandergreifen. \nDie Malerei wird so zu einem Ort der Erfahrung\, an dem Bildfindung nicht Illustration ist\, sondern ein offener Prozess. Die Gemälde und Papierarbeiten sind keine Kommentare\, sondern autonome Setzungen und damit eigenständig\, widersprüchlich und bewusst offen für unterschiedliche Lesarten. \nMAX GIERMANN\n„Figuring Out“\n17. April – 13. Juni 2026 | Vernissage: 17. April 2026\, 18 – 21 Uhr\njaninebeangallery | Torstraße 154 | 10115 Berlin \n
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SUMMARY:Filme wie noch nie. Alfred Ehrhardt – Bauhäusler und Filmemacher
DESCRIPTION:Zum allerersten Mal rückt die Filmarbeit von Alfred Ehrhardt in den Fokus einer Ausstellung. Mehr als 60 Filme hat der Fotograf\, Dokumentarfilmer und Bauhaus-Schüler realisiert\, ein Œuvre\, das bislang im Schatten seiner fotografischen Arbeiten stand. Nun stellt die Stiftung Alfred Ehrhardts Filme ins Zentrum und macht einen der produktivsten deutschen Kulturfilmer des 20. Jahrhunderts neu lesbar\, ästhetisch wie historisch. \nAuf zehn Bildschirmen entfaltet sich eine Auswahl von 20 zentralen Kurz- und Langfilmen\, die in zwei Programmphasen präsentiert wird: zehn Filme in den ersten fünf Wochen\, zehn weitere in der zweiten Hälfte der Ausstellung. Darunter finden sich Naturstudien\, Filme über Kunst und kulturhistorische Arbeiten\, aber auch bislang kaum gezeigte Produktionen aus der NS-Zeit. Zu sehen sind u.a. Ehrhardts sogenannte Gehäusefilme über Schnecken\, Muscheln und Korallen\, seine Studien zur Natur als Formmeisterin\, etwa zu Watt-Strukturen bei Neuwerk\, Vulkanlandschaften auf Island oder Eisskulpturen vor Grönland\, ebenso wie Filme über Kunst und Künstler\, darunter Arbeiten zu Ernst Barlach\, zur documenta II oder zu afrikanischen Masken. \nNicht ausgespart bleiben die problematischen Kapitel. Mit „Urkräfte am Werk“ (D 1937/39)\, seinem 2024 wiederentdeckten Erstlingsfilm\, und dem Propagandafilm „Flanderns germanisches Gesicht“ (D 1941)\, wird Ehrhardts filmisches Schaffen auch im historischen Kontext seiner Zeit verhandelt. \nDie parallele Präsentation mehrerer Filme ermöglicht erstmals eine Zusammenschau zentraler Motive\, Methoden und Obsessionen. Spiralen\, Inseln\, serielle Strukturen und das Interesse an medial sichtbar gemachten Lebensprozessen treten deutlich hervor. Spätestens seit den frühen 1950er Jahren knüpft Ehrhardt dabei bewusst an seine Ausbildung am Bauhaus an und nutzt genuin filmische Mittel wie Zeitraffer\, Zeitlupe und extreme Makroaufnahmen. Erst auf dieser Basis wird die materielle und technische Grundlage seiner filmischen Arbeit sichtbar. 14 Filme wurden seit 2019 neu digitalisiert und restauriert\, acht davon mithilfe des Förderprogramms Deutsches Filmerbe der Filmförderanstalt FFA. Parallel dazu wurden in den vergangenen Jahren umfassende Recherchen in externen Archiven unternommen sowie sämtliche filmbezogenen Materialien des Archivs der Alfred Ehrhardt Stiftung digitalisiert\, ausgewertet und erstmals systematisch erschlossen. \nBegleitend erscheint der umfangreiche Bildband „Alfred Ehrhardt – Film“\, der das filmische Werk erstmals ausführlich dokumentiert. In der Ausstellung geben Archivmaterialien in Vitrinen und Schaufenstern\, darunter Filmpartituren aus dem Schnittprozess\, Arbeitsfotografien\, Musiknotizen unter anderem von Oskar Sala\, Einblick in Ehrhardts Arbeitsweise und seinen ausgeprägten Erfindergeist. Filmplakate und Auszeichnungen dokumentieren zugleich die zeitgenössische Anerkennung des vielfach geehrten „Bundesfilmpreisträgers vom Dienst“. \nDie Alfred Ehrhardt Stiftung bewahrt heute einen der am besten dokumentierten Nachlässe eines deutschen Kulturfilmers der Nachkriegszeit. Die Ausstellung zeigt Alfred Ehrhardt als Filmemacher neu\, in einer Breite und Tiefe\, wie sie bislang nicht zu sehen war. Filme wie noch nie! \n
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