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SUMMARY:KÄTHE TO GO im Käthe-Kollwitz-Museum.
DESCRIPTION:Das Käthe-Kollwitz-Museum zieht in den Theaterbau am Schloss Charlottenburg!\nWährend der Umzugsphase bietet das Museum in seinem KOLLWITZ GUIDE eine digitale Stadttour der besonderen Art an. Mit KÄTHE TO GO kann man Orte in Berlin entdecken\, von denen Käthe Kollwitz sich inspirieren ließ oder an denen sie künstlerisch arbeitete. Ihr Leben lang befasste sich Kollwitz mit Themen wie Tod\, Elend\, Schmerz und Ungerechtigkeit. Sie besuchte beispielsweise die Insassinnen des Frauengefängnisses in der Barnimstraße oder begleitete skizzierend den Kohlenstreik im Wedding.\nEinige Orte ihrer Inspirationen existieren heute nahezu unverändert\, andere sind nicht mehr wieder zu erkennen. KÄTHE TO GO ermöglicht\, sich im Berliner Stadtraum auf Kollwitz‘ Spuren zu begeben und ihrer Geschichte nachzuspüren. Außerdem finden Sie im KOLLWITZ GUIDE eine Preview zur neuen Sammlungspräsentation im Theaterbau.\nZum KOLLWITZ GUIDE gelangt man über die Webseite: https://www.kaethe-kollwitz.berlin/aktuelles/ oder über folgenden Link: https://tinyurl.com/2aff4vqp \n
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/kaethe-to-go/
LOCATION:Käthe-Kollwitz-Museum Berlin\, Spandauer Damm 10\, Berlin\, 14059\, Deutschland
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SUMMARY:LOVE LETTERS TO THE CITY
DESCRIPTION:LOVE LETTERS TO THE CITY zeigt Werke von über fünfzig internationalen und in Berlin lebenden Streetartists\, die das transformative Potenzial von Kunst im öffentlichen Raum nutzen. Städte sind mehr als Beton und Asphalt\, sie pulsieren voller Geschichten\, Träume und Gefühle. Die neue Ausstellung im URBAN NATION\, kuratiert von Michelle Houston\, ist eine Hommage an die Stadt und eine Einladung\, unsere urbanen Lebensräume mit einem neuen Blick zu erforschen. Themen wie Urbanisierung\, Gentrifizierung\, Umweltzerstörung und soziale Ungleichheit verlangen einen kritischen Diskurs\, der die Entwicklung der Gesellschaft im positiven Sinne beeinflussen soll. Wie verändert Kunst die Sichtweise auf den öffentlichen Raum? Welche Veränderungen kann Kunst in der Stadt anstoßen? Auf welche Methoden greifen die Künstlerinnen und Künstler zurück\, um eine entsprechende Wirkung zu entfalten? \nTeilnehmende Künstler: 2501\, Aniruddh Mehta\, Banksy\, Blek le Rat\, Bordalo II\, Carlos Mare aka Mare139\, Chop ’em Down Films\, Crash\, Dan Witz\, Daze\, Drew.Lab_One\, Elfo\, Evol\, HA Schult\, HOGRE\, Isaac Zavale\, James Reka\, Jaune\, Jazoo Yang\, Joel Daniel Phillips\, Johannnes Mundinger\, Jordan Seiler\, Kenny Scharf\, Lady Pink\, Liviu Bulea\, Martha Cooper\, Matthew Grabelsky\, MILLO\, Moses & Taps\, Nika Kramer\, Octavi Serra\, Owen Dippie\, OX\, PAINTING DHAKA Project\, Paradox\, Rocco and his brothers\, Sebas Velasco\, Shepard Fairey\, Stephanie Buer\, Stiftung Berliner Mauer\, Stipan Tadić\, Susanna Jerger\, Tats Cru\, THE WA\, Vhils und Zhang Dali. \nLOVE LETTERS TO THE CITY\n14. September 2024 – 30. Mai 2027 \nURBAN NATION \n
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LOCATION:URBAN NATION Museum\, Bülowstr. 7\, Berlin\, 10783\, Deutschland
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SUMMARY:Kunst in Berlin. 1880 – 1980 Dauerausstellung
DESCRIPTION:Der Rundgang ist eine Zeitreise durch Berlin: Kaiserreich\, Weimarer Republik\, nationalsozialistische Diktatur\, Neuanfang nach 1945\, Kalter Krieg in der geteilten Stadt und die sich im Schatten der Mauer in Ost und West entwickelnden alternativen Gesellschafts- und Lebensentwürfe. In Ost-Berlin bildete sich ab den späten 1970er Jahren eine alternative Kulturszene aus. In West-Berlin zogen die aggressiven Werke der Neuen Wilden ab Ende der 1970er Jahre erneut international Aufmerksamkeit auf die geteilte Stadt. \nTastmodelle\, ein taktiles Bodenleitsystem sowie ein Mediaguide mit Bildbeschreibungen und Hinweisen zur Wegeführung ermöglichen es\, die Kunst auf vielfältige Weise zu erleben. Blinden und sehbehinderten Menschen bietet sich damit ein barrierefreier Zugang in der Ausstellung. \n
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LOCATION:Berlinische Galerie\, Alte Jakobstraße 124 – 128\, Berlin\, 10969
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SUMMARY:Ready for take-off: Ab Juni 2025 eröffnet die Modellfläche TXL Raum für Clubkultur\, Kreativität und neue Visionen
DESCRIPTION:Aus dem stillgelegten Flughafen Tegel erwacht auch dieses Jahr wieder ein lebendiger Ort für Kunst und Kultur zum Leben! Ab Juni 2025 öffnet die Modellfläche TXL erneut ihr Gate – für Clubkultur\, kreative Begegnungen und unvergessliche Erlebnisse. Wo früher Flugzeuge abhoben\, wird nun ein einzigartiger Raum für Musik und urbane Visionen weiterentwickelt. Nun sucht die Clubcommission einen geeigneten Betreiber:innenakteur. \nIn einer Zeit zunehmender städtischer Verdichtung und ansteigender Gewerbemieten öffnet die Modellfläche TXL erneut ihre Tore\, um öffentlich zugängliche Räume für Clubkultur zu schaffen und zu bewahren. Seit 2023 steht auf dem Gelände des ehemaligen Catering-Gebäudes eine Open-Air-Fläche für kulturelle Veranstaltungen zur Verfügung. Nun wird das Gemeinschaftsprojekt unter Führung der Clubcommission ausgeweitet: Ein neuer Betreiber:innenakteur soll die Außen- und Innenbereiche langfristig für Kunst und Clubkultur nutzen. Ziel ist die Entwicklung eines nachhaltigen Betriebsmodells für ein interdisziplinäres Zentrum für Clubkultur mit Nutzungen sämtlicher Kultursparten und Akteur:innen der Urbanen Praxis. \nDer Flughafen Tegel war 46 Jahre lang ein zentraler Verkehrsknotenpunkt – zunächst als Tor nach West-Berlin\, später als Hauptstadtflughafen. Das mittlerweile unter Denkmalschutz stehende markante Catering-Gebäude („Gebäude I“) aus den 1960er Jahren\, bekannt für seine ikonische orangefarbene Architektur\, ist heute einer der wenigen kulturellen Standorte im Entwicklungsgebiet Urban Tech Republic. Umgeben von Flächen\, die für Forschung\, Industrie oder Erholung gedacht sind\, soll auf dem ehemaligen Rollfeld des Flughafens das fast 3.700 Quadratmeter große Gelände erneut für vielfältige inklusive Veranstaltungsformate wie Live-Musik\, Tanzveranstaltungen\, Performances\, Filmvorführungen\, Workshops und Theateraufführungen zur Verfügung stehen. Ab Ende 2025 soll erstmals auch ein Teil des Innenbereichs hinzukommen\, um ganzjährig nutzbare clubkulturelle Räume zu schaffen. \nVom 17. April bis 17. Mai 2025 haben erfahrene Veranstalter:innen aus Berlin die Chance\, sich für die Bespielung der Modellfläche TXL zu bewerben. Der Betrieb ist zunächst für mindestens drei Jahre bis Mitte 2028 geplant\, mit der Möglichkeit einer Verlängerung. Eine unabhängige\, fünfköpfige Jury aus Expert:innen der Clubkultur und Urbanen Praxis wählt das passende Betreiber:innenkollektiv aus\, das im Juni 2025 bekannt gegeben wird. Voraussetzung für die Bewerbung ist ein ganzheitliches\, wirtschaftlich tragfähiges Konzept\, das sowohl den Innen- als auch den Außenbereich umfasst und bis Ende 2025 für die folgenden Jahre ausgearbeitet wird. Alle Informationen zur Ausschreibung sind auf der Website txl.clubkultur.berlin zu finden. Die Entwicklung der Modellfläche TXL wird gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt. Dieser Prozess wird umgesetzt von der Clubcommission Berlin e.V. in Kooperation mit der Kulturraum Berlin gGmbH und der Geschäftsstelle des Berliner Projektfonds Urbane Praxis der Stiftung für Kulturelle Weiterbildung und Kulturberatung. \nJoe Chialo\, Senator für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt des Landes Berlin„Das ehemalige Flughafengelände Tegel entwickelt sich weiter zu einem lebendigen\, vielseitigen Kulturquartier. Mit der Modellfläche TXL entsteht ein einzigartiger Ort\, der Clubkultur\, Kunst und urbane Praxis verbindet. Die Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt unterstützt dieses Vorhaben\, um kulturelle Vielfalt von Anfang an in die Stadtentwicklung einzubinden und einen neuen\, offenen Kulturraum für Berlin zu schaffen.“ \nEmiko Gejic\, Pressesprecherin Clubcommission Berlin e.V.„Die Berliner Clubkultur lebt von Freiräumen – und genau solche Räume müssen aktiv gesichert und neu geschaffen werden. Die Umnutzung des Areals der ehemaligen Cateringgebäudes für kulturelle Zwecke trägt dazu bei\, Berlins vielfältige Kulturlandschaft zu erhalten und weiterzuentwickeln. Wir freuen uns\, dass dieses Projekt fortgesetzt wird und wir gemeinsam mit unseren Partner:innen ein nachhaltiges Modell für Clubkultur und Urbane Praxis gestalten können.“ \nDr. Yann Kersaint\, Co-Koordination Berliner Projektfonds Urbane Praxis / Stiftung für Kulturelle Weiterbildung und Kulturberatung \n\n„In Zeiten von Ressourcenknappheit und Raummangel ist es für die Berliner Kulturlandschaft besonders wichtig\, nicht-kommerzielle Kulturorte zu entwickeln und sie für Berliner*innen zugänglich zu machen. Die Modellfläche TXL steht für eine moderne und einzigartige Form der Kulturellen Stadtentwicklung mit Strahlkraft in die ganze Welt. Wir freuen uns mit diesem Modellprojekt\, Kulturakteur:innen auf dem Weg in die Professionalisierung unterstützen zu können.“ \n\nTXL im Steigflug – Ein neuer Abschnitt für die Clubkultur\nStart: Juni 2025 \nGelände des ehemaligen Flughafens Tegel (TXL) \n
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CATEGORIES:Begleitprogramm zur Ausstellung
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SUMMARY:Monira Al Qadiri. Hero
DESCRIPTION:In ihren Werken werden die Verbindungen zwischen der Etablierung von Erdöl als wichtigstem fossilen Brennstoff in der Mitte des 20. Jahrhunderts und der Expansion des Konsumkapitalismus in der Nachkriegszeit reflektiert. Oftmals entwickelt sie ihre Arbeiten aus autobiografischen Erfahrungen\, die sie u.a. im Kuwait der 1980er und 1990er Jahre gemacht hat\, und richtet einen kritischen Blick auf bestehende historische und politische Narrative.\nDie Auseinandersetzung mit Öl bedeutet immer auch eine Auseinandersetzung mit der Geschichte der menschlichen Interaktion mit der Erde\, deren Ausbeutung sowie deren Widerstandsfähigkeit. Für die Berlinische Galerie entwickelt Al Qadiri eine ortsspezifische Installation\, bestehend aus einem großformatigen Wandgemälde\, Objekten und Video\, in der Öl weit mehr als eine „Ressource“ ist. Es steht auch symbolisch für die Gewalt\, die Erinnerungen und die persönlichen Geschichten\, die mit seiner Gewinnung verbunden sind. \nÜber die Künstlerin \nMonira Al Qadiri (*1983) ist eine kuwaitische Künstlerin\, die in Senegal geboren und in Japan ausgebildet wurde. Einzelausstellungen ihrer Arbeiten wurden u.a. gezeigt im Kunsthaus Bregenz\, Österreich (2023); UCCA Dune\, China (2023); Guggenheim Museum Bilbao\, Spanien (2022); Blaffer Art Museum\, Texas\, USA (2022); Haus der Kunst\, München (2020); Kunstverein Göttingen (2019); The CIRCL Pavilion\, Amsterdam\, Niederlande (2018); Sursock Museum\, Beirut\, Libanon (2017) und Gasworks\, London\, UK (2017). 2022 war Al Qadiri in der zentralen Ausstellung „The Milk of Dreams“ der Biennale von Venedig vertreten. Sie lebt in Berlin. \n
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LOCATION:Berlinische Galerie\, Alte Jakobstraße 124 – 128\, Berlin\, 10969
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SUMMARY:Nora Turato
DESCRIPTION:Kuratorin: Lidiya Anastasova \nSprache – in gesprochener wie geschriebener Form – dient als zentrales Material in Nora Turatos Werk. Sie erforscht diese in Form von Typografie\, Wandarbeiten\, Video\, Sound\, Performances und Künstlerinnenbüchern (etwa in der Serie pool). Dabei arbeitet sie mit vorgefundenem Material aus vielseitigen Quellen wie u. a. dem Internet\, Social Media\, Presse\, Büchern\, Filmen\, Musik und Gesprächen. Von der Künstlerin gesammelt und akribisch neu geordnet\, wird ein Überfluss an Wortmaterial bis auf die Essenz heruntergebrochen. Turatos neue\, eigens für die Fassade des n.b.k. konzipierte Arbeit markiert einen Wendepunkt in ihrer Praxis – eine Herangehens-weise\, die den eigenen Körper als Ausgangspunkt nimmt – als Quelle der Sprache und der Handschrift. Turato untersucht Konditionierungen\, die das menschliche Verhalten prägen – mit einem Fokus darauf\, wie diese verinnerlichten Muster physisch sichtbar werden. Hierbei wird die Handschrift als Form des Ausdrucks und zugleich als ein direktes Ergebnis erlernten Verhaltens betrachtet. \n
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/nora-turato/
LOCATION:Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.)\, Chausseestrasse 128 / 129\, Berlin\, 10115\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung
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SUMMARY:Cornelia Parker. Stolen Thunder (A Storm Gathering)
DESCRIPTION:
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LOCATION:KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst\, Am Sudhaus 3\, Berlin\, 12053
CATEGORIES:Ausstellung
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SUMMARY:Wechselwirkung - Interplay
DESCRIPTION:In der neuen Schau im Haus des Papiers werden die neuesten Arbeiten der Künstlerinnen Maja Behrmann\, Anna Bochkova\, Monika Grzymala\, Laura Matukonytė und Justina Monceviciute aus dem internationalen Residenzprogramm Paper Residency! ausgestellt. Ergänzt wird die Ausstellung durch eine Sonderschau Faser trifft Papier mit Objekten aus Kunst\, Design und Materialforschung. Zusätzlich werden Ergebnisse des Open Calls zum Thema Miniatur-Prägedruck präsentiert\, der in Kooperation mit dem Open Press Project ausgeschrieben wurde.\nKunstschaffende\, Wissenschaft und Materialforschung treten hier in Dialog. \n
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/wechselwirkung-interplay/
LOCATION:Haus des Papiers\, Seydelstraße 30\, Berlin\, 10117\, Deutschland
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SUMMARY:William N. Copley & Ambra Durante - Imaginary Game
DESCRIPTION:In der Doppelausstellung „Imaginary Game“ begegnen sich mit William N. Copley (1919–1996) und Ambra Durante (*2000) zwei Self-Taught-Artists unterschiedlicher Generationen\, die ihre Bildthemen unmittelbar aus dem eigenen Erleben schöpfen. \nCopley\, dessen Werk die Galerie Friese seit über zwanzig Jahren kontinuierlich zeigt\, ist inhaltlich dem europäischen Surrealismus verbunden – nicht zuletzt aufgrund seiner engen Freundschaften mit Marcel Duchamp\, René Magritte oder Max Ernst. Seine narrativen Bilder kreisen um das sexuelle Begehren und dessen moralische Implikationen der US-amerikanischen Nachkriegsgesellschaft. Mit feinem Witz zeigt er das Verhältnis von Mann und Frau als ein Gefüge aus Rollenspiel und Projektion – gezeichnet von einer beständigen Lust\, die Verhältnisse ins Wanken zu bringen. \nAmbra Durante\, 2000 in Genua geboren und seit 2007 in Berlin lebend\, erweitert dieses imaginäre Spielfeld um eine introspektive\, zeitgenössische Perspektive. Ihre Zeichnungen erzählen vom inneren Erleben; sie handeln von Einsamkeit\, Verlust\, Begehren und Selbstbehauptung. Risse\, Knicke und Aufdrucke der Papiere werden integraler Teil der Bildgeschichten\, die stilistisch wie inhaltlich auch surreale Elemente aufweisen. Bilder und Worte erobern den Bildraum\, leichtfüßig und schnell voranschreitend\, flüchtig wie Gedanken. Ihre Intensität zeugt von der Erfahrungswelt einer jungen Generation\, die sucht\, sich behauptet und neu definiert. \n„Imaginary Game“ vereint zwei künstlerische Positionen\, die trotz acht Jahrzehnten Abstand eine bemerkenswerte Nähe verbindet: das Vertrauen in die Kraft der Imagination\, die Lust am Erzählen und eine Auffassung der Kunst als geschütztem Erfahrungsraum. \nWilliam N. Copley & Ambra Durante – Imaginary Game\n06. März 2026 – 09. Mai 2026 \nGalerie Friese \n
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LOCATION:Galerie Friese\, Meierottostraße 1\, Berlin\, 10719\, Deutschland
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SUMMARY:COSMIC GIRLBOSS
DESCRIPTION:Hier\, im Herzen des kapitalistischen Westeuropas\, wird uns Erfüllung durch unser ökonomisches Potential versprochen: dass uns ein Traumjob und ein finanzielles Polster befreien werden. Doch während die politische und wirtschaftliche Instabilität\, die wir in den globalen Süden und Osten exportiert haben\, nun an unsere eigene Tür klopft\, beginnt dieses Dogma der individuellen Optimierung zu zerbröckeln. \nHier kommt die COSMIC GIRLBOSS ins Spiel. Sie begreift systemische Krisen als spirituelle Prüfungen des Universums\, die sie dazu auffordern\, materielle Sicherheit noch stärker zu “manifestieren”. Verliert sie ihren Job\, gründet sie keine Gewerkschaft\, sondern lädt ihre Kristalle auf und bittet ihre Tarot-Karten um den richtigen Weg. Sie ist der ultimative Unternehmergeist. \nDiese Ausstellung versammelt Künstler*innen\, die sich spielerisch und liebevoll mit genderspezifischem spirituellem Unternehmertum und dessen historischen\, politischen und technologischen Kontexten auseinandersetzen. Emily Hunt bietet uns Talismane an\, um durch neoliberale Systeme zu navigieren\, und ermöglicht der GIRLBOSS\, tatsächlich mit dem großen Geheimnis des Kosmos in Berührung zu kommen. Das Künstler*innenduo DLBLR unterläuft und reklamiert die kulturelle Aneignung und Kommerzialisierung spiritueller Praktiken in der Popkultur. Salesforce Child schafft eine neue Religion aus den Schrecken des Smartphone-Bildschirms und der nackten\, rasenden Anbetung des reinen Kapitals\, die dieser ermöglicht. Margarita Athanasiou liefert eine phantastische\, historische Perspektive auf die Beziehung zwischen Faschismus\, Okkultismus und dem Internet. \nDas spirituelle Unternehmertum der COSMIC GIRLBOSS eignet sich besonders gut für digitale Plattformökonomien wie TikTok und Instagram. Kostenpflichtige Tarot-Lesungen und algorithmisch bestimmte Horoskop-Apps boomen\, oft gezielt vermarktet an Frauen* und queere Menschen. Der Begriff „GIRLBOSS” selbst ist ein sexistisches Produkt des Internets der 2010er Jahre und beschreibt Unternehmerinnen\, die ihre hyperkapitalistischen Ambitionen unter einem Anstrich von Pop-Feminismus tarnen. Die archetypische GIRLBOSS muss kein „Girl“ sein\, und sie ist tatsächlich nur sehr selten ein Boss\, aber ihr rastloses Streben nach Geld ist geprägt durch eine genderspezifische finanzielle Prekarität. \nDiese Ausstellung erkennt die Wirkmacht der COSMIC GIRLBOSS an und zeigt\, wie ihre spirituellen Strategien dabei helfen\, der Volatilität unserer zerfallenden Wirtschaftssysteme standzuhalten. Gleichzeitig weist sie behutsam darauf hin\, dass es in ihrem und unserem heutigen spirituellen Leben noch mehr stecken muss. \nVERANSTALTUNGEN \n25. März\, 18 Uhr\nERÖFFNUNG & PERFORMANCE\nMit DLBLR \n30. April\, 19 Uhr & 2.+3. Mai\, ab 15 Uhr\nCOSMIC COUNTERREADINGS\nMit Lesungen & Performances von\nWassim Z. Alsindi\, Margarita Athanasiou\, Emily Hunt\, Dera Luce\, Salesforce Child & weiteren Gästen.\nMitveranstaltet von der Forscher*innen-Gruppe Enchanted Epistemes. \n17. Mai\, 18 Uhr\nFINISSAGE\nMit Ausstellungsführung & Girlboss Karaoke mit Fenek Sélavy \n
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/cosmic-girlboss/
LOCATION:Kunstraum Kreuzberg Bethanien\, Mariannenplatz 2\, Berlin\, 10997\, Deutschland
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SUMMARY:Diaspora Wonderland. Fashioning Worlds
DESCRIPTION:Die Ausstellung Diaspora Wonderland. Fashioning Worlds in der ifa-Galerie Berlin beleuchtet diasporische Erfahrungen und Identitäten im Kontext von Mode. Sie thematisiert\, wie Mode als narratives Medium Zugehörigkeit markiert\, Identität formt und Gemeinschaft stiftet. Mit der Ausstellung setzt das ifa seinen Auftrag fort\, Räume für künstlerische Produktion und kritische Reflexion zu öffnen.\n\nIn Diaspora Wonderland. Fashioning Worlds verweben Künstler:innen und Designer:innen aus diasporischen Gemeinschaften Mode\, Textilien\, bildende Kunst\, Musik und Installation. Im Zentrum der Ausstellung steht die Frage\, wie Geschichten über Körper\, Territorien und Generationen hinweg wandern und weitergegeben werden. Entstanden aus Erfahrungen von Exil\, Überlieferung und Neuerfindung\, erkunden die Werke Erinnerung\, Erbe und kollektive Imagination. Gezeigt werden große Textilarbeiten\, gemeinschaftliche Stickereien\, immersive Klang- und Soundinstallationen\, Fotografie sowie installative Werke. \nAusgangspunkt für die als Ausstellungsreihe konzipierte Ausstellung war für den Kurator der Ausstellung\, Lotfi Aoulad\, die Idee des Denkers Jacques Attali\, der Musik als prophetisches Medium verstand\, das gesellschaftliche Veränderungen vorwegnimmt. Die Ausstellung überträgt diesen Gedanken auf Mode: Sie wird zum kulturellen Seismografen\, zu einem Medium das Gegenwart erspürt und Zukunft entwirft. \nÜber das ifa\nDas ifa – Institut für Auslandsbeziehungen schafft mit seiner Arbeit in Kunst und Zivilgesellschaft weltweit Verständnis und Vertrauen zwischen Menschen. Es fördert demokratische Zivilgesellschaften und setzt sich ein für Freiheit in Kunst und Wissenschaft sowie für Meinungsfreiheit. Das ifa bringt sein internationales Wissen und seine Netzwerke in Kunst und Kultur\, Politik und Gesellschaft in Debatten ein und erweitert Perspektiven – in Deutschland und weltweit. Die ifa-Galerien in Stuttgart und Berlin zeigen zeitgenössische Kunst aus einer globalen Perspektive. Die Ausstellungen und Vermittlungsprogramme entstehen in einer gemeinschaftlichen Arbeitsweise\, in der globale Verflechtungen aufgespürt und in einer anderen Erzählweise neu zusammengesetzt werden. Das ifa wird gefördert vom Auswärtigen Amt\, dem Bundesministerium des Innern\, dem Land Baden-Württemberg und der Landeshauptstadt Stuttgart. \n\nDiaspora Wonderland. Fashioning Worlds\n27. März 2026 – 7. Juni 2026 \nifa-Galerie Berlin \n
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LOCATION:ifa-Galerie Berlin\, Linienstraße 139-140\, Berlin\, 10115\, Deutschland
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SUMMARY:Peel Off - CAMERA WORK
DESCRIPTION:Die Galerie CAMERA WORK präsentiert vom 28. März bis zum 6. Juni 2026 die Gruppenausstellung Peel Off. Diese widmet sich mit über 100 Unikaten von sechzehn namhaften Künstlern der Geschichte des legendären Sofortbildes. Unter den Arbeiten aus den frühen 1970er Jahren bis heute\, die vielfach an den Sets berühmter Fotoshootings entstanden\, sind zudem seltene großformatige Werke von Peter Beard\, Michel Comte und Olaf Heine. \nDas Sofortbild wurde maßgeblich durch Herbert Erwin Land und die Firma Polaroid geprägt. Land stellte das erste unmittelbar entwickelbare Fotopapiersystem 1947 erstmals vor und machte es später mit der Firma Polaroid weltweit bekannt. Das patentierte Entwicklungsverfahren etablierte sich in der professionellen Fotografie als wichtiges kreatives Werkzeug und war etwa zur Licht- und Kompositionsprüfung am Set entscheidend. Die sichtbare Entwicklungszeit des Bildes\, die durch die Peel Off-Trennung der Entwicklungsbögen manuell abgeschlossen wurde\, verstärkte die Wahrnehmung des fotografischen Prozesses und dessen performativen Charakter. Jedes Sofortbild ist ein physisches Unikat\, das direkt mit seinem Entstehungszeitpunkt verknüpft bleibt. \nDie Ausstellung zeigt Sofortbilder\, die zwischen den 1970er und 2000er Jahren im Rahmen des künstlerischen Entstehungsprozesses ihren Höhepunkt erlebten\, bevor sie durch die digitale Fotografie verdrängt wurden. Sie verloren jedoch nie vollständig an Relevanz. Arbeiten von Helmut Newton aus den 1970er Jahren sowie von Arthur Elgort und Patrick Demarchelier aus den 1990er Jahren belegen den Stellenwert des Sofortbildes für die Komposition eines fotografischen Werks. Darüber hinaus werden die Gebrauchsspuren und die besondere Ästhetik der Bilder als charakteristisches Stilmittel wahrgenommen\, das eine intime und unmittelbarere Atmosphäre widerspiegelt und die Arbeitsprozesse von Künstlern wie Eugenio Recuenco oder Jean-Baptiste Huynh auf einzigartige Weise dokumentiert. Parallel entwickelte sich das Sofortbild als eigenständiges künstlerisches Medium\, mit dem ganze Serien fotografisch umgesetzt wurden. Seit den 2010er Jahren erfährt das Sofortbild eine Renaissance\, die eine Sehnsucht nach analogen\, entschleunigten Bildprozessen unterstreicht. Dank seiner besonderen künstlerischen Merkmale ist das Sofortbild seit vielen Jahren auf dem primären und sekundären Fotokunstmarkt ein relevantes Sujet\, das mitunter Höchstpreise erzielt. \nCAMERA WORK\nDie in Berlin ansässige Galerie CAMERA WORK wurde 1997 gegründet und zählt heute zu den weltweit führenden Galerien für Fotokunst. Angelehnt an den historisch geprägten Galerienamen folgt das Unternehmen von Beginn an der Philosophie\, neben den bekanntesten Künstlern der Fotografiegeschichte wie Diane Arbus\, Richard Avedon\, Patrick Demarchelier\, Peter Lindbergh\, Helmut Newton\, Irving Penn\, Man Ray\, Herb Ritts und Albert Watson auch junge zeitgenössische Künstler zu vertreten und in Ausstellungen zu zeigen\, um die Fotokunst als eigenständige Gattung innerhalb der bildenden Künste zu manifestieren und neuen Positionen Raum zu geben. Neben den Schwerpunkten Mode-\, Akt- und Porträtfotografie fokussiert sich CAMERA WORK auf die Bereiche Staged Photography\, Architektur und Stillleben. Dabei vertritt CAMERA WORK zahlreiche renommierte zeitgenössische Künstler in Deutschland\, Europa oder weltweit exklusiv\, u. a. Jean-Baptiste Huynh\, Russell James\, Chris Levine\, Eugenio Recuenco\, Martin Schoeller\, Christian Tagliavini\, Ruud van Empel\, Dean West und David Yarrow. Um eine Auswahl zeitgenössischer Künstler auf dem Kunstmarkt zu etablieren und in das Portfolio von CAMERA WORK aufzunehmen\, führte CAMERA WORK von 2012 bis 2019 die Kunstgalerie CWC GALLERY in Berlin. CAMERA WORK ist regelmäßig auf international führenden Kunstmessen vertreten\, darunter Paris Photo\, Zona Maco in Mexico City\, Art Central Hong Kong\, Art Miami und Photo London. \nPeel Off\n28. März 2026 – 6. Juni 2026 \nCAMERA WORK \n
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LOCATION:CAMERA WORK\, Kantstraße 149\, Berlin\, Berlin\, 10623\, Deutschland
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SUMMARY:Vernissage Σ 5 x (farbe + licht + raum) = 297  Ausstellung der INSELGALERIE Berlin
DESCRIPTION:Σ 5 × (Farbe + Licht + Raum) = 297: Mit Arbeiten von Ina Abuschenko-Matwejewa\, Angelika Dierkes\, Antje Taubert\, Elgin Willigerodt und Betina Kuntzsch entfaltet die Ausstellung ein Spannungsfeld zwischen konstruktiver Klarheit und sinnlicher Dynamik. Malerei\, Zeichnung\, Objekt\, Installation und Video verbinden sich zu vielschichtigen Bildräumen\, in denen Ordnung auf Bewegung trifft. Intensive Farbsetzungen\, serielle Strukturen und fragile Raumkörper eröffnen ein offenes Erfahrungsfeld jenseits eindeutiger Berechnung. \nVernissage:\n2. April 2026\, 19 Uhr\, INSELGALERIE Berlin \n
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LOCATION:INSELGALERIE Berlin\, Petersburger Straße 76 A\, Berlin\, 10249\, Deutschland
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SUMMARY:Marina Abramović - Balkan Erotic Epic. The Exhibition 
DESCRIPTION:\nMarina Abramović\, eine der einflussreichsten zeitgenössischen Künstler*innen\, präsentiert mit Balkan Erotic Epic. The Exhibition im Gropius Bau ihre erste große Einzelausstellung in Berlin seit den 1990er Jahren. Die Ausstellung vereint historische Werke und neue Arbeiten der Performance-Künstlerin und zeichnet ihr anhaltendes Interesse an Ritualen\, Erotik\, Tod und dem Körper als Ort politischen Widerstands nach. \n\n\nKlagend schlagen sich Frauen auf den Oberkörper und massieren ihre Brüste\, während ein nackter Körper und ein Skelett eng ineinander verschlungen liegen: Ausgehend von der Folklore des Balkans – der Region\, in der Marina Abramović aufgewachsen ist – verwebt Balkan Erotic Epic. The Exhibition filmische und skulpturale Installationen mit Live-Performances. Durchsetzt mit humorvollen Zuspitzungen entwirft die Ausstellung ein imaginäres Bild dieser Region: Hier soll erotische Energie Gemeinschaften dabei helfen\, dem Tod zu begegnen\, Fruchtbarkeit zu fördern und das Gleichgewicht der Natur wiederherzustellen. Das Erotische erscheint so als essenzielle Kraft – als eine Kraft\, die die Grenzen zwischen Leben und Tod\, zwischen Individuum und Kollektiv\, auflösen kann. \nAnlässlich ihres 75-jährigen Jubiläums präsentieren die Berliner Festspiele Balkan Erotic Epic in zwei Teilen: Nach der Ausstellung im Gropius Bau eröffnet im Oktober 2026 die neue mehrstündige Bühnenproduktion Balkan Erotic Epic. The Stage Version die Performing Arts Season im Haus der Berliner Festspiele. \n\nMarina Abramović – Balkan Erotic Epic. The Exhibition\n15.4.2026 – 23.8.2026 \nGropius Bau \n
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LOCATION:Gropius Bau\, Niederkirchnerstraße 7\, Berlin\, 10963\, Deutschland
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SUMMARY:Gestalten für Berlin. Design aus der Kunsthochschule Berlin-Weißensee
DESCRIPTION:„Gestalten für Berlin“ blickt auf einen zentralen Aspekt des Designs: die Ausbildung von Gestalter*innen. Dafür kooperiert das Werkbundarchiv – Museum der Dinge mit der weißensee kunsthochschule berlin\, die im Jahr 2026 ihr 80. Jubiläum feiert. 1946 im Berliner Nordosten innerhalb der sowjetischen Besatzungszone gegründet\, steht die Hochschule für die Geschichte Berlins nach dem Zweiten Weltkrieg – mit allen Auf- und Umbrüchen. \nAls Hochschule für angewandte Kunst versteht sich Weißensee seinerzeit als Pendant zu einer Kunstakademie. Die „Angewandten“ setzen im alltäglichen Leben an: Hier ist die Not in der kriegszerstörten Stadt am größten. Alle Künste – Malerei\, Plastik\, Grafik\, Bühnenbild\, Mode und Textil\, Keramik und industrielle Gestaltung – beziehen sich auf die Architektur und die Lebenswelt. In ihrer Ausrichtung wird die Hochschule geprägt von Gestalter*innen der Moderne wie Herbert Hirche\, Mart Stam oder Selman Selmanagić. Ihre Ansätze für die Lehre – gemeinsames Grundlagenstudium\, enger Praxisbezug und fächerübergreifendes Arbeiten – gelten bis heute. \nGestalten für Berlin. Design aus der Kunsthochschule Berlin-Weißensee\n16. April 2026 – 22. Februar 2027 \nWerkbundarchiv – Museum der Dinge \n
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SUMMARY:Figuring Out
DESCRIPTION:Max Giermann ist einem breiten Publikum als Schauspieler bekannt. Über viele Jahre hinweg prägte er mit seinen Rollen Fernsehen\, Bühne und Film. Parallel zu dieser öffentlichen Karriere entwickelte sich eine eigenständige künstlerische Praxis: die Malerei. \nDiese Praxis ist kein neues Experiment\, sondern begleitet Giermann seit früher Kindheit als kontinuierliche Form des Ausdrucks. Seit 2024 stellt Max Giermann seine Malerei öffentlich aus:\nNach einer Einzelausstellung im Kunstverein Ulm e.V.\, folgte 2025 eine Einzelausstellung in der Galerie Holger John in Dresden. \nAufbauend darauf führt die Ausstellung „Figuring Out“ (17. April – 13. Juni 2026) sein bildnerisches Schaffen erstmals in der janinebeangallery in Berlin zusammen und markiert den nächsten konsequenten Schritt in die Präsentation seines künstlerischen Werks. \nGiermanns Malerei entsteht aus einem bildnerischen Prozess\, der zeitlich weit vor seiner Bekanntheit als Schauspieler ansetzt und bewusst unabhängig von eindeutigen Zuschreibungen bleibt.\nZwar ist sein Name aus einem anderen Kontext vertraut\, doch die Gemälde folgen einer eigenen inneren Logik und behaupten sich jenseits biografischer Lesarten.\nZeichnen und bildnerisches Arbeiten waren für Max Giermann (geb. 1975) bereits in Kindheit und Jugend zentrale Ausdrucksformen. Früh entwickelte er ein ausgeprägtes Interesse an Figuren\,Körpern und Gesichtern – weniger im Sinne eines Abbilds als vielmehr als Mittel zur Manifestation innerer Zustände. \nAuch wenn die Malerei für ihn heute einen neuen Schwerpunkt markiert\, ist ihm der bildnerische Schaffensprozess als solcher seit jeher vertraut.\nParallel zu anderen künstlerischen Ausdrucksformen blieb die Malerei über die Jahre hinweg eine konstante\, persönliche Schaffenssphäre. Die langjährige Unabhängigkeit von institutionellen Erwartungen und marktbezogenen Vorgaben prägte den offenen\, freien Charakter seiner Werke. \nIn den ausgestellten Gemälden verdichtet sich diese Haltung zu einer Malerei\, die sich nicht über Wiedererkennbarkeit oder erzählerische Eindeutigkeit definiert. Die Bilder zeigen Figuren\, Köpfe und Körperfragmente\, ohne sich auf klassische Porträtdarstellungen oder einfache psychologische Zuschreibungen festzulegen. Entscheidend ist der Moment der Setzung als das Auftauchen einer Figur im Bild\, die sich im Prozess formt und zugleich offen bleibt. \nDie Arbeiten entstehen direkt und prozesshaft\, mit sichtbaren Übermalungen\, Brüchen und Korrekturen. Linien werden gesetzt und neu geführt\, Farbflächen überschreiben einander\, Konturen bleiben bewusst in Bewegung.\nDie Acrylfarbe wird nicht bloß glatt aufgetragen\, sondern körperlich eingesetzt: gestrichen\, gezogen\, verschmiert\, teilweise tropfend.\nEin wiederkehrender Schwerpunkt liegt auf dem Gesicht. Augen erscheinen übergroß oder asymmetrisch\, Münder leicht verschoben\, Köpfe frontal oder minimal gekippt in den Bildraum gesetzt. Der Hintergrund fungiert dabei weniger als klassischer Raum denn als spannungsvolle Fläche\, die Figur und Bildträger miteinander verbindet. \nCharakteristisch für Giermanns Malerei ist die Balance zwischen Kontrolle und Offenheit. \nKunsthistorische Referenzen von expressionistischen Positionen bis zur gestischen Malerei des 20. Jahrhunderts sind spürbar\, werden jedoch nicht zitiert\, sondern durch einen persönlichen Duktus weitergeführt. Oder wie Giermann es formuliert:\n„Die Kunstgeschichte ist wie ein Requisitenfundus\, aus dem man sich angstfrei und spielerisch bedienen darf.“ \nIm Zentrum dieser Arbeiten steht zunehmend die Frage nach Identität. Weniger als festes Narrativ\, sondern als offener Zustand: Identität erscheint bei Giermann als etwas\, das sich im malerischen Prozess formt\, infrage stellt und wieder auflöst. Die Bilder behaupten keine eindeutigen Rollen\, keine Masken und keine abgeschlossenen Figuren. Vielmehr sind sie Verdichtungen eines Zustands\, in dem Wahrnehmung\, Projektion und malerische Entscheidung ineinandergreifen. \nDie Malerei wird so zu einem Ort der Erfahrung\, an dem Bildfindung nicht Illustration ist\, sondern ein offener Prozess. Die Gemälde und Papierarbeiten sind keine Kommentare\, sondern autonome Setzungen und damit eigenständig\, widersprüchlich und bewusst offen für unterschiedliche Lesarten. \nMAX GIERMANN\n„Figuring Out“\n17. April – 13. Juni 2026 | Vernissage: 17. April 2026\, 18 – 21 Uhr\njaninebeangallery | Torstraße 154 | 10115 Berlin \n
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SUMMARY:Bilder\, die dich in deine wahre Stärke bringen - Galerie Seelenkuss
DESCRIPTION:Verführung liegt in der Luft\, ein Zauber\, der Verheißung trägt.\nEr gibt Raum für eigene Fantasien – für Aufbruch und Stillstand zugleich.\nLasse dich tragen von einer Kunst\, die ihresgleichen sucht: ein leuchtendes Farbenmeer\, das klingt wie Musik\, nach Hoffnung duftet und dein Inneres zum Strahlen bringt. \nDie Künstlerin Chuva lebte in Kalifornien\, Mexiko und Guatemala wo sie ihren besonderen Ausdruck fand.\nDer Künstler Oliver Heubeck malt seit über 30 Jahren.\nBeide Künstler haben international ausgestellt und berühren die Seele. \nOpening: Freitag\, 17. April\, 18–22 Uhr \n
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SUMMARY:Gegen den Strich – Künstlerinnen* am Bauhaus
DESCRIPTION:Anlässlich des Jubiläumsjahres des Umzugs des Bauhauses von Weimar nach Dessau 1925/26 zeigt der Verein der Berliner Künstlerinnen 1867 e.V. unter dem Titel Gegen den Strich – Künstlerinnen* am Bauhaus eine fokussierte Präsentation von Werken dreier Berliner und zweier Dessauer Künstlerinnen\, die sich mit dem Leben und Werk von Frauen am Bauhaus beschäftigen.\n\nNachdem Frauen jahrhundertlang der Zugang zu den Kunsthochschulen verwehrt war\, konnten sie sich mit Beginn der Weimarer Republik für ein Kunststudium entscheiden. Großer Anziehungspunkt war das von Walter Gropius 1919 in Weimar gegründete Staatliche Bauhaus\, das in seinem Programm Innovation und Gleichberechtigung versprach: “Als Lehrling aufgenommen wird jede unbescholtene Person ohne Rücksicht auf Alter und Geschlecht\, deren Begabung und Vorbildung vom Meisterrat als ausreichend erachtet wird.“ hieß es in der Gründungsakte. Doch schon bald fürchtete Gropius\, dass die große Anzahl von Frauen dem Ansehen der Schule schaden würde. Er forderte eine “scharfe Aussonderung gleich nach der Aufnahme\, vor allem bei dem der Zahl nach zu stark vertretenen weiblichen Geschlecht”. Damit war der Weg der jungen Frauen vorgezeichnet: Sie mussten ihre Ausbildung in der Werkstatt für Weberei absolvieren.\n\nViele Bauhauskünstlerinnen widersprachen dem von Gropius und seinen Meistern propagierten Frauenbild in ihrem konkreten Handeln: Lucia Moholy\, Otti Berger und Grete Stern beispielsweise experimentierten und forschten formal und inhaltlich unabhängig von Konvention und Tradition\, eigneten sich außerhalb ihrer Ausbildung Expertise an und wurden erfolgreiche Geschäftsfrauen. Doch trotz ihrer herausragenden Leistungen verblieben die Absolventinnen des Bauhauses bis auf wenige Ausnahmen in Forschung\, Literatur und Ausstellungspraxis bis heute im Schatten der männlichen Kollegen.\n\nWährend die Dessauer Bauhaus-Stiftung ihr Jubiläum unter dem Titel „An die Substanz“ den Baustoffen und Materialien der Moderne widmet\, geht es den Künstlerinnen Ines Doleschal\, Veronika Kaiping\, Verena Kyselka\, Anja Wolf und Angela Zumpe um die (weiblichen) Persönlichkeiten und ihre herausragenden künstlerischen Leistungen am Bauhaus vor 100 Jahren.\n\nDie vorliegenden Arbeiten in Gegen den Strich – Künstlerinnen* am Bauhaus sind zeitgenössische Reflexe und Interpretationen auf Werke und Lebensrealität der Frauen\, die in Dessau gelebt\, gelehrt oder studiert haben – genau wie Doleschal\, Kaiping\, Kyselka\, Wolf und Zumpe selbst.\n\nIn ihren Collagen und Zeichnungen interpretiert die Berliner Künstlerin\, Co-Initiatorin des Aktionsbündnisses fair share! Sichtbarkeit für Künstlerinnen* e.V. und Mitglied des VdBK 1867 e.V. Ines Doleschal mit Faserstift\, Pinsel und Skalpell die experimentellen Form- und Farbgestaltungen der Weberinnen neu. Die frühen Teppichentwürfe von Gertrud Arndt oder Anni Albers in ihrer Vorwegnahme von minimalistischer oder konkreter Kunst faszinieren die Künstlerin ebenso wie das verwirrende Spiel von Kett- und Schussfäden\, das sie zeichnerisch nachempfindet.\n\nDie in Dessau lebende Künstlerin Veronika Kaiping studierte Design an der Hochschule Anhalt in unmittelbarer Nähe zum Bauhaus Dessau. In ihren keramischen und grafischen Arbeiten setzt sie sich mit den Lehrkonzepten des historischen Bauhauses auseinander\, die sich im Spannungsfeld zwischen Kunst und Handwerk bewegten. Besonders interessiert sie die Situation der Bauhaus-Studentinnen und deren Alltag innerhalb der Institution. In ihren Arbeiten verbindet Kaiping historische Perspektiven mit ihren eigenen Erfahrungen.\n\nDie Videoinstallation „Die Frauenklasse“ der Berliner Künstlerin Verena Kyselka verweist zugleich unterhaltsam und kritisch auf das Kollektiv der Weberinnen am Bauhaus. Kyselkas Arbeiten beschäftigen sich mit den vielstimmigen Lebenswelten und Selbstverständnissen von Frauen – im besonderen Bewusstsein von Repressionen und Diskriminierung\, die Kyselka selbst als Künstlerin des Underground und Mitglied der Künstlerinnengruppe Exterra XX in Erfurt in den 1980ern erlebte.\n\nWie Kaiping lebt und arbeitet auch die Künstlerin Anja Wolf in unmittelbarer Nähe zum Dessauer Bauhaus. Sie reflektiert ihr persönliches Wirken an dieser Institution in den Jahren 2006-2016\, in denen sie an den berühmten jährlich stattfindenden Bauhaus-Festen mitarbeitete und Kostüme und Installationen entwickelte. Ihre Collagen und ihr Kostümexperiment\, das sie performativ zum Einsatz bringt\, sind eine Referenz an die Künstlerinnen des Dessauer Bauhauses vor 100 Jahren.\n\nAngela Zumpe lehrte von 1998 – 2019 am Department of Design der Hochschule Anhalt als Professorin für Audiovisuelle Medien. In ihren fotografischen Re-Inszenierungen der jüngeren Zeit thematisierte sie Fragen von Macht und Repräsentation von Frauen in berühmten Werken weiblicher Kunstgeschichte. Nach einer intensiven Auseinandersetzung über Lucia Moholy und ihren Kontext nähert Zumpe sich jüngst dem Werk und Leben der Bauhaus-Fotografinnen Grete Stern und Ellen Auerbach.\n\nObwohl den fünf Künstlerinnen eine ästhetische Reflexion und Neuinterpretation der Werke der Bauhaus-Künstlerinnen wichtig ist\, möchten sie in ihren künstlerischen Annäherungen auch kritische und unbequeme Fragen zu stellen: Wie gendersensibel ist der heutige Bauhaus-Diskurs? Werden die blinden Flecken aufgearbeitet oder wird Design- und Architekturgeschichte wie bislang männerzentriert fortgeschrieben? Wie sieht die Lebenswirklichkeiten von Künstlerinnen heute aus vis-à-vis jener von vor 100 Jahren in Weimar\, Dessau und Berlin? Und mit welchen strukturellen Hürden und patriarchalen Vorurteilen sind Künstlerinnen\, vor allem jene mit Sorgeverantwortung\, heute noch konfrontiert?\n\nBeitragsbild: Ines Doleschal\, Kette und Schuss No 7\, 2023\, Tusche\, Acryl auf Papier (Collage)\, 32 x 24 cm\, © Doleschal\, VG Bild\nGegen den Strich – Künstlerinnen* am Bauhaus\n17. April 2026 -17. Mai 2026\nVEREIN DER BERLINER KÜNSTLERINNEN 1867 e. V. \n
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SUMMARY:Filme wie noch nie. Alfred Ehrhardt – Bauhäusler und Filmemacher
DESCRIPTION:Zum allerersten Mal rückt die Filmarbeit von Alfred Ehrhardt in den Fokus einer Ausstellung. Mehr als 60 Filme hat der Fotograf\, Dokumentarfilmer und Bauhaus-Schüler realisiert\, ein Œuvre\, das bislang im Schatten seiner fotografischen Arbeiten stand. Nun stellt die Stiftung Alfred Ehrhardts Filme ins Zentrum und macht einen der produktivsten deutschen Kulturfilmer des 20. Jahrhunderts neu lesbar\, ästhetisch wie historisch. \nAuf zehn Bildschirmen entfaltet sich eine Auswahl von 20 zentralen Kurz- und Langfilmen\, die in zwei Programmphasen präsentiert wird: zehn Filme in den ersten fünf Wochen\, zehn weitere in der zweiten Hälfte der Ausstellung. Darunter finden sich Naturstudien\, Filme über Kunst und kulturhistorische Arbeiten\, aber auch bislang kaum gezeigte Produktionen aus der NS-Zeit. Zu sehen sind u.a. Ehrhardts sogenannte Gehäusefilme über Schnecken\, Muscheln und Korallen\, seine Studien zur Natur als Formmeisterin\, etwa zu Watt-Strukturen bei Neuwerk\, Vulkanlandschaften auf Island oder Eisskulpturen vor Grönland\, ebenso wie Filme über Kunst und Künstler\, darunter Arbeiten zu Ernst Barlach\, zur documenta II oder zu afrikanischen Masken. \nNicht ausgespart bleiben die problematischen Kapitel. Mit „Urkräfte am Werk“ (D 1937/39)\, seinem 2024 wiederentdeckten Erstlingsfilm\, und dem Propagandafilm „Flanderns germanisches Gesicht“ (D 1941)\, wird Ehrhardts filmisches Schaffen auch im historischen Kontext seiner Zeit verhandelt. \nDie parallele Präsentation mehrerer Filme ermöglicht erstmals eine Zusammenschau zentraler Motive\, Methoden und Obsessionen. Spiralen\, Inseln\, serielle Strukturen und das Interesse an medial sichtbar gemachten Lebensprozessen treten deutlich hervor. Spätestens seit den frühen 1950er Jahren knüpft Ehrhardt dabei bewusst an seine Ausbildung am Bauhaus an und nutzt genuin filmische Mittel wie Zeitraffer\, Zeitlupe und extreme Makroaufnahmen. Erst auf dieser Basis wird die materielle und technische Grundlage seiner filmischen Arbeit sichtbar. 14 Filme wurden seit 2019 neu digitalisiert und restauriert\, acht davon mithilfe des Förderprogramms Deutsches Filmerbe der Filmförderanstalt FFA. Parallel dazu wurden in den vergangenen Jahren umfassende Recherchen in externen Archiven unternommen sowie sämtliche filmbezogenen Materialien des Archivs der Alfred Ehrhardt Stiftung digitalisiert\, ausgewertet und erstmals systematisch erschlossen. \nBegleitend erscheint der umfangreiche Bildband „Alfred Ehrhardt – Film“\, der das filmische Werk erstmals ausführlich dokumentiert. In der Ausstellung geben Archivmaterialien in Vitrinen und Schaufenstern\, darunter Filmpartituren aus dem Schnittprozess\, Arbeitsfotografien\, Musiknotizen unter anderem von Oskar Sala\, Einblick in Ehrhardts Arbeitsweise und seinen ausgeprägten Erfindergeist. Filmplakate und Auszeichnungen dokumentieren zugleich die zeitgenössische Anerkennung des vielfach geehrten „Bundesfilmpreisträgers vom Dienst“. \nDie Alfred Ehrhardt Stiftung bewahrt heute einen der am besten dokumentierten Nachlässe eines deutschen Kulturfilmers der Nachkriegszeit. Die Ausstellung zeigt Alfred Ehrhardt als Filmemacher neu\, in einer Breite und Tiefe\, wie sie bislang nicht zu sehen war. Filme wie noch nie! \n
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SUMMARY:Shed -  Eloise Harcourts bei SomoS Arts
DESCRIPTION:SomoS Arts lädt ein zu „Shed“\, einer Einzelausstellung von Eloise Harcourt mit neuen Skulpturen. Die während ihrer Zeit bei SomoS entstandenen Arbeiten greifen Formen des Haltens\, Stützens und Eingreifens auf\, wie sie im häuslichen und medizinischen Alltag begegnen. Harcourt richtet den Blick auf Situationen\, in denen Hilfe nicht entlastet\, sondern Druck erzeugt\, und in denen Fürsorge in Kontrolle umschlägt. Ausgangspunkt sind medizinische Systeme\, reproduktive Gewalt und jene oft stillen Mechanismen\, durch die Menschen untersucht\, geführt und normiert werden. \nIn den Skulpturen treffen weiche\, hängende\, körpernahe Formen auf starre Gerüste\, Halterungen und Gestänge. Anklänge an gynäkologische Instrumente\, Möbel oder Stützen bleiben erkennbar\, ohne dass die Arbeiten bloße Abbilder werden. Gerade daraus entsteht ihre Spannung: Das\, was etwas hält oder schützt\, kann zugleich drücken\, begrenzen und den Körper verändern. Harcourt arbeitet mit dieser Ambivalenz nicht illustrativ\, sondern über Material\, Maßstab und räumliche Setzung. \nMit Oberflächen und Materialien\, die an Haut\, Haare\, Falten und innere Strukturen erinnern\, verwandelt Harcourt den Raum in eine dichte\, körperlich erfahrbare Situation. Ergänzt wird die Ausstellung durch das Sonderprogramm des Sellerie Weekend\, das vom 1. bis 3. Mai die Programme zahlreicher Berliner Projekträume zusammenführt. \nFreitag\, 1. Mai\, 19 Uhr: Walkthrough mit der Künstlerin im Rahmen des Sellerie Weekend\nSonntag\, 3. Mai\, 16 Uhr: Artist Talk im Rahmen des Sellerie Weekend\nWeitere Informationen: https://somos.media/121 \nSomoS Arts\nKottbusser Damm 95\, 1. OG\, 10967 Berlin\nEröffnung: Dienstag\, 21. April\, 7–9 PM Uhr\nAusstellung: Mittwoch\, 22. April – Samstag\, 9. Mai\, 2–7 PM Uhr\nEintritt frei \n
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SUMMARY:#artoftoday - Kunst und Socialmedia
DESCRIPTION:Zusammen mit den Berliner Galerien „RAAB Galerie“ und „JR Gallery“ wurde eine ganz besondere Ausstellung unter dem Titel #artoftoday kuratiert. Bekanntere Kunstwerke aus den letzten drei Jahren und noch nie gezeigte Arbeiten wurden gewissenhaft ausgewählt\, um das Gesamtwerk des Berliner Künstlers in all seinen Facetten zu beleuchten. \n#artoftoday ist die erste Einzelausstellung von Kai Raws Imhof in seiner Heimatstadt Berlin seit sechs Jahren. Raws begann seine künstlerische Praxis im Kontext der Urban Art und des Graffiti und entwickelte daraus eine international beachtete Karriere. Seine Arbeiten wurden weltweit von Paris bis Miami gezeigt. Die Ausstellung versammelt Werke aus den letzten drei Jahren und gibt somit einen aktuellen Einblick in sein künstlerisches Schaffen. \nMit #artoftoday richtet Raws den Blick auf aktuelle Bewegungen innerhalb der zeitgenössischen Kunstszene – insbesondere auf die Mechanismen von Aufmerksamkeit\, Inszenierung und Vermarktung in sozialen Medien. Anspielungen auf die sogenannte „Instagram-Kunst“ und deren Hype-Mechanismen dienen dabei nicht als reine Kritik\, sondern als Ausgangspunkt für eine offene Diskussion: Welche Rolle spielt Sichtbarkeit heute? Wie verändert Social Media die Wahrnehmung von Kunst? Und wie funktioniert der Kunstmarkt in Zeiten aufmerksamkeitsgetriebener Mechanismen? \nDie Ausstellung wird mit einer noch geheimen Performance zur Vernissage genau diese Fragen aufgreifen. \nAusgehend von seiner urbanen Herkunft hat Raws eine eigenständige abstrakte Bildsprache entwickelt. Sein charakteristischer „Chaos“-Stil übersetzt die visuelle Energie des Graffiti in eine Reduktion auf das Wesentliche: Linie\, Form und Farbe. Die Werke lösen sich bewusst von gegenständlichen Bezügen und hinterfragen durch Abstraktion gängige Sehgewohnheiten und Kunstbegriffe. \nDer 1990 in Königs Wusterhausen geborene Künstler hat seine Wurzeln in der Urban-Art-Kultur. Früher als Graffitisprüher auf den Straßen Berlins unterwegs\, konnte Imhof in den vergangenen zehn Jahren einen ganz eigenen künstlerischen Stil entwickeln und weltweit ausstellen (z. B. Paris\, Miami\, Jakarta\, Amsterdam) sowie mit Marken wie Adidas\, Cupra oder Marvel zusammenarbeiten. \nSeine Sammler reichen von Sternekoch Tim Raue und Fashion-Influencerin Caro Daur bis hin zu YouTube-Star und Unternehmer Justin (Peso). \nImhofs Arbeiten sind abstrakt und klar\, brechen jedoch immer wieder mit eigenen stilistischen Gewohnheiten\, um Kunstbegriffe und soziale Themen zu hinterfragen. Sein Stil verbindet Graffiti mit exakten geometrischen Mustern und leuchtenden Farbwelten. \n\n„Ich sammle seine Arbeiten\, weil sie leuchten und strukturell sind und mich inspirieren.“ \n\n– Tim Raue \n#artoftoday – Kunst und Socialmedia\n23. April 2026 – 24. Mai 2026 \nRaab Galerie \n
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/artoftoday-kunst-und-socialmedia/
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SUMMARY:Tino Geiss - Hortus
DESCRIPTION:\n\n\n\n\n\n\n\nDas Leben soll kein uns gegebener\, sondern ein von uns gemachter Roman sein. (Novalis) \nDie menschenleeren Interieure\, Gärten und Landschaften des Leipziger Malers Tino Geiss atmen Stille: Sie laden uns ein\, sie zu betreten\, sie mit Inhalt zu füllen\, sie zu gestalten – mit unseren eigenen Assoziationen. Nicht zufällig wählte der in der Galerie Brockstedt schon mehrfach gezeigte Künstler für diese Ausstellung seiner jüngsten Bilder den Titel „Hortus“\, was schon bei den alten Römern „umfriedeter Garten“ bedeutete und seither in der christlichen Kunst vom Mittelalter bis zur Gegenwart einen heiligen geschützten Garten beschreibt\, den undurchdringliche Mauern umgeben. „Die Form von Erinnerung\, die nicht direkt greifbar ist\, aber die Qualität des gegenwärtigen Zustands mitbestimmt\, interessiert mich“\, sagt er selbst\, „die Frage nach Authentizität von Erinnerungsbildern und die Konstruktion\, die wir um diese errichten\, finde ich spannend“. \nTino Geiss ist mit seinen Arbeiten\, die im Kontext des Magischen Realismus zu sehen sind\, ein echter Vertreter der Neuen Leipziger Schule. Der Verzicht auf Figürliches und auf den surreal-narrativen Charakter eines Neo Rauchs\, hat ihn schnell zu einer absolut eigenständigen Künstlerpersönlichkeit gemacht. Seine\, zum Teil auch großformatigen\, Bilder pendeln zwischen Malerei und Collage. Beide Techniken bedingen sich gegenseitig – die Farbspuren an den Klebebändern sind Erinnerungen an die Leinwände\, eröffnen hier und da narrative Zusammenhänge. Sie erhalten jedoch auch eine reizvolle abstrakte schwere Stofflichkeit\, wenn sie sich in mehreren Lagen übereinanderschichten und zum autonomen sinnlichen Material werden. \nDas Auge des Betrachters scheint gewissen Halt zu finden in Formen: in Häusern und Landschaften seiner thüringischen Heimat\, den urbanen Motiven seiner Reisen\, in prachtvollen Blumenbouquets\, in Möbeln seiner Interieure\, dessen Fenster den Blick nach draußen öffnen. Erlebtes\, Wahrgenommenes und direkt Empfundenes fließt so in seine Bilder. Doch er stellt die Geschlossenheit\, die Abgeschlossenheit dieser Formen durch ihre Ausschnitthaftigkeit immer wieder in Frage\, bricht Perspektiven\, irritiert\, indem er Vertrautes mit Fremdem mischt\, die gebauten Räume ineinander verschachtelt oder gar in die Fläche oder Weite auflöst. Auch die Kontraste der zumeist kräftigen Farben unterstreichen noch diesen flirrenden Eindruck seiner geheimnisvollen Bilder und packen uns emotional. Mit dem Künstler gehen wir gedanklich selbst auf die Reise. Was in unserem „Seelengarten“ ist schützenswert? Welche Samen waren und sind fruchtbar für die Gestaltung unseres eigenen Lebens und das unserer Gemeinschaft? Sind wir doch selbst für ihre Pflege und ihr Gedeihen verantwortlich – gerade in diesen bewegten und unsicheren Zeiten! Die besinnlichen Räume in den Bildern von Tino Geiss lassen viel Raum zur Entfaltung und die farbig-opulenten und magisch-verzaubernden jüngsten Bilder wie „Nachtgarten“ verheißen Hoffnung und Zuversicht. \nText: Barbara Brockstedt M.A. \nTino Geiss – Hortus\n24. April 2026 – 27. Juni 2026 \n\n\n\n\nGalerie Brockstedt\n\n\n\n\n\n\n\n\n
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LOCATION:Galerie Brockstedt\, Mommsenstraße 59\, Berlin\, 10629\, Deutschland
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SUMMARY:UPDATE 2026
DESCRIPTION:UPDATE versteht sich als Bestandsaufnahme künstlerischer Gegenwart sowie als offenes Format mit Blick auf zukünftige Entwicklungen. Ohne kuratorische Vorgabe versammelt die Gruppenausstellung 91 aktuelle Positionen\nvon Künstlerinnen und Künstlern des VBK. \nIn der direkten Gegenüberstellung verschiedener Medien\, Arbeitsweisen und ästhetischer Ansätze bleiben die einzelnen Positionen als solitäre Arbeiten bestehen\, die sich in ihrer Eigenständigkeit behaupten und zugleich in ein offenes Verhältnis zueinander treten. \nDer Ausstellungsraum wird damit zu einem dynamischen Resonanzraum\, in dem gegenwärtige künstlerische Ausdrucksformen aufeinandertreffen und die Vielfalt sowie die Vielschichtigkeit der künstlerischen Praxis im Verein Berliner Künstler abbilden und unmittelbar erfahrbar machen. \nIm Jahr 2026 steht UPDATE zudem in einem besonderen Kontext:\nDer Verein Berliner Künstler blickt auf sein 185-jähriges Bestehen zurück!\nEin Jubiläum\, das Vergangenheit\, Gegenwart und Zukunft miteinander verbindet. \nEröffnung am Freitag\, den 24.04.2026\, 19 Uhr \nIm Rahmen des Gallery Weekend Berlin (1.–3. Mai 2026)\ngelten erweiterte Öffnungszeiten:\nFreitag 15–21 Uhr\nSamstag & Sonntag 11–19 Uhr \nTeilnehmende Künstlerinnen und Künstler:\nanna.laclaque · Marion Angulanza · Bernadette Arnaud · Michael Augustinski · Jutta Barth · Silke Bartsch · Sandra Becker · François Belot · Viola Bendzko · Gerda Berger · Steffen Blunk · Stefan Bohnhoff · Birgit Borggrebe · Cathrine Bourdon · Axel Bunt · Andrea Cataudella · Barbara Czarnojahn · Christoph Damm · Ulrike Damm · Maks Dannecker · Norma Drimmer · Christian Ebel · Barbara Ehring · Anja Eichler · Ute Faber · Merit Fakler · Sophia Frese · Monika Funke Stern · Hans-Jürgen Gabriel · Saskia Glückauf · Lupe Godoy · GOTT\&GILZ · Marilyn Green · Claudia Hartwig · Michael M. Heyers · Peter Hintz · Hella Horstmeier · Yukihiro Ikutani · Andrea Imwiehe · Kama Jackowska · Rosika Jankó Glage · Regine Jankowski · Joax · Laura Kärki · Jürgen Kellig · Karsten Kelsch · Hyeja Kim · Mi Ran Kim · Susanne Knaack · Michael Koch · Karoline Koeppel · Matthias Koeppel · Maria Korporal · Sebastian Kusenberg · Ae Hee Lee · Matthias Leeck · Maviie Mauer · Susan McKinley · Uschi Niehaus · Bodo Niggemann · Larissa Nod · Fumiari Ogawa · Carolina Patino Mayer · Renate Pfrommer · Nele Probst · Kirstin Rabe · Ute Richter · Astrid Roeken · Corinna Rosteck · Katrin Salentin · Peter Schlangenbader · Alexandra Schlund · Sandra Schmidt · Robert Schmidt-Matt · Sabine Schneider · Bernadette Schroeger · Sylvia Seelmannf · Evelyn Sommerhoff · SOOKI · Anita Staud · Richard Stimmel · Marianne Stoll · Andrea Streit · Burchard Vossmann · Helga Wagner · Gerard Waskievitz · Catrin Wechler · Martin Wellmer · Angela Wichmann · Ila Wingen · Barbara Zirpins · \n
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SUMMARY:Von Zeit und Fluss - Jan Schüler
DESCRIPTION:Unter dem Titel „Von Zeit und Fluss“ zeigt Jan Schüler neue Arbeiten der vergangenen vier Jahre – eine Fortsetzung seiner Werkreihe „Deutsche Landschaft“\, in der er Städte und Gegenden umkreist\, die mit der deutschen Geschichte ebenso verknüpft sind wie mit persönlicher Erinnerung und seiner Biografie. Nach Berliner Ansichten mit historischem Bezug\, den hessischen Landschaften der Kindheit und den rheinischen Motiven seiner Wahlheimat Düsseldorf sind jetzt Dresden und die Elblandschaften in den Fokus des Malers gerückt. Schüler folgt dabei den Spuren zweier verehrter Vorbilder: Caspar David Friedrich (1774–1840) und Egon Pukall (1934–1989); beide lebten und malten in Dresden\, sie liegen dort auch begraben. \nAllein und in aller Stille begibt sich Jan Schüler auf Wanderungen durch die Stadt oder entlang der Elbe bis ins Elbsandsteingebirge\, stets auf der Suche nach Orten\, die er aus Gemälden dieser Meister kennt. Findet er sie\, wählt er bewusst eine andere Perspektive\, verändert die Komposition. „Dresden: Blick vom Schloss Pillnitz auf die Elbinsel“ und „Dresden: Die Elbfähre bei Pillnitz“ (beide 2025) sind Zeugnisse solch erwanderter Orte – ebenso wie „Klosterruine Eldena an der Ostsee“ (2024) oder „Dresden: Blick vom Ostra-Gehege“ (2026). \n„Genauso wichtig wie die Bilder sind für mich die vorausgehenden Wanderungen\, in denen ich die Landschaft erlebe und förmlich in ihr aufgehe und mich durch das Sehen mit dem Horizont verbinde. Alle Arbeiten haben mit Abschiednehmen und einer Sehnsucht nach Verschmelzung und Auflösung zu tun“\, sagt Jan Schüler. \nCharakteristisch für seine Malerei sind glatte Oberflächen mit hart voneinander abgegrenzten Formen und Flächen in kühler\, leuchtender Farbigkeit. Als Ausgangspunkt dienen Fotografien\, die er auf seinen Streifzügen aufnimmt; auf der Leinwand reduziert Schüler dann konsequent. In Architekturen wie in Naturräumen schwinden Details: Bäume und Wolken\, Schiffe und Bojen\, Gebäude und Brücken werden stark formalisiert\, Menschen und Tiere finden keinen Einlass in die Komposition. Ob man sich auf die Abgründe und Untiefen hinter dieser perfekten Oberfläche einlässt oder sich ganz ihrer Schönheit hingibt – das bleibt dem Betrachter überlassen. \nDer Ausstellungstitel ist Thomas Wolfes autobiografischem Roman „Of Time and the River“ (1935) entlehnt\, der die Suche des jungen Eugene Gant nach Erfüllung\, Liebe und Identität in Harvard\, New York und Europa während der 1920er Jahre schildert. \nJan Schüler\, geboren 1963 in Gießen\, studierte von 1985 bis 1993 an der Kunstakademie Düsseldorf bei Rissa und war Meisterschüler bei Fritz Schwegler. 1996 erhielt er den Förderpreis für Bildende Kunst der Stadt Düsseldorf\, wo er bis heute lebt und arbeitet. Seine Werke befinden sich in zahlreichen öffentlichen und privaten Sammlungen in Deutschland und Österreich. Gemeinsam mit der Kunststiftung Poll\, in deren Beirat er seit 2013 Mitglied ist\, hat er das erste Bestandsverzeichnis der Gemälde und Zeichnungen von Maina-Miriam Munsky (1943–1999) herausgegeben. Im Wintersemester 2022/2023 hatte er eine Vertretungsprofessur für Cornelius Völker an der Kunstakademie Münster inne. \nVon Zeit und Fluss – Jan Schüler\n24. April 2026 – 6. Juni 2026 \nPOLL Galerie + Kunsthandel in Berlin GmbH \n
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LOCATION:Galerie Poll\, Gipsstraße 3\, Berlin\, 10119
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SUMMARY:Mats Bergquist – oltre il viola
DESCRIPTION:Am Rand des Farbspektrums liegt die Farbe Violett. Für uns unsichtbar setzt sich das Spektrum darüber hinaus jedoch fort. In seiner Serie „oltre il viola“ beschäftigt sich Mats Bergquist mit dieser für uns nicht wahrnehmbaren Farbe: Dunkle monochrome Arbeiten mit teils matten\, teils glänzend-atmosphärischen Oberflächen\, die das Licht auf subtile Weise absorbieren und reflektieren. Sie bewegen sich in der Spannung zwischen Malerei und Objekt\, zwischen Materialität und Immaterialität. Es sind Reflexionen über Licht und Dunkelheit\, Fülle und Leere. In ihrer Konzentration strahlen sie eine meditative Stille aus\, laden uns ein\, in die Tiefe des Farbraums einzutauschen.\nMats Bergquist arbeitet in der Technik der Enkaustik. Hierbei bespannt er den Bildträger aus Birnenholz mit einem Leim getränkten Leinengewebe\, trägt Gips\, mineralhaltige Farbpigmente und Wachs in Schichten auf\, die immer wieder abgeschliffen\, neu aufgetragen und poliert werden bis undurchsichtige\, matt schimmernde helle oder dunkle Farbflächen entstehen.\nMats Bergquist (*1960 in Stockholm) lebt und arbeitet in Lövestad/Schweden.  \n
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/mats-bergquist-oltre-il-viola-2/
LOCATION:Wichtendahl Galerie\, Carmerstr. 10\, Berlin\, 10623\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung
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SUMMARY:Maximilian Prüfer – SEXAUER Galerie
DESCRIPTION:\n\n\n\n\n\n\n\nMaximilian Prüfer (1986\, Deutschland) studierte Design und Kommunikationsstrategie an der Hochschule Augsburg sowie Bildende Kunst an der Accademia di Belle Arti di Bologna in Italien. \nPrüfers künstlerische Praxis konzentriert sich auf die Erforschung natürlicher Prozesse und deren Übertragung in visuelle Bildwelten. Dabei untersucht er eine Vielzahl existenzieller\, philosophischer und politischer Themen\, die mit Evolution und der wechselseitigen Abhängigkeit des Menschen vom natürlichen Ökosystem verbunden sind. Neben seinen Installationen hat Prüfer innovative Darstellungstechniken entwickelt\, die die Bewegungen von Insekten und anderen Tieren aufzeichnen und so den Begriff der Zeichnung erweitern. \nIm Jahr 2021 zeigte SEXAUER Arbeiten von Maximilian Prüfer\, darunter seine großformatige Installation Mammut Mobile\, in einer Ausstellung im SEXAUER Showroom in Berlin-Charlottenburg. Nun freuen wir uns\, die gemeinsame Vertretung von Maximilian Prüfer zusammen mit der Galerie Kandlhofer (Wien) bekannt zu geben. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nDie Bücherverbrennungen der Nationalsozialisten sind weithin bekannt. Weniger bekannt ist\, dass sie am 20. März 1939 in der Hauptfeuerwache in der Berliner Lindenstraße auch Gemälde aus deutschen Museen verbrannten. \nNach umfangreichen Recherchen rekonstruierte Maximilian Prüfer mehrere dieser verlorenen Werke\, indem er ihre Motive auf Papier übertrug\, das in speziell konstruierte Kästen eingespannt ist\, in denen er Fliegen züchtet. Die Insekten werden mit Pigmenten gefüttert\, die aus Trümmern des Zweiten Weltkriegs gewonnen wurden. Angefangen von den wärmeren\, dunkleren Bereichen des von der Sonne erwärmten Papiers hinterlassen sie Spuren\, aus denen allmählich ein neues Bild entsteht – keine Kopie\, sondern eine fragile Interpretation\, hervorgebracht von einem kollektiven Organismus: eine Form von Erinnerung statt einer künstlerischen Signatur. \nDie aus Kriegstrümmern gewonnenen Pigmente verbinden die Bilder mit den materiellen Überresten des Krieges. Wo die Nationalsozialisten Kontrolle und Auslöschung inszenierten\, setzt Prüfer einen offenen\, lebendigen Prozess in Gang. Entscheidend ist nicht nur das endgültige Bild\, sondern das Zusammenspiel von Material\, Verhalten und historischem Bezug. Für den Künstler markieren diese Arbeiten einen Neuanfang; die Fliegen stehen für Übergänge – zwischen Leben und Tod\, Zerstörung und Erinnerung. \n„Kein Bild findet Gnade“\, schrieb Joseph Goebbels in sein Tagebuch. Prüfer kehrt diese Geste um. Der Titel seiner Ausstellung lautet: „Ein Bild findet Gnade“. \nEinige der Werke für die kommende Ausstellung befinden sich noch im Entstehungsprozess. Das unten gezeigte Fliegenbild stammt aus einer früheren Serie\, in der Prüfer berühmte Werke der Kunstgeschichte als Ausgangspunkt verwendete. \nPrüfers Werke werden international ausgestellt\, darunter im Germanischen Nationalmuseum\, Nürnberg (2025); im Bucerius Kunst Forum Hamburg (2025); im Museum Giersch der Goethe-Universität Frankfurt (2024); in der Kunsthal Rotterdam (2024); an der Rockefeller University\, New York City (2024); in der Kunsthalle München (2023); im Weltmuseum Wien (2023); im Kunstverein Mannheim (2022); bei der Vienna Biennale for Change im MAK (2021); im ICA Shanghai NYU\, Shanghai (2021); im Museum Villa Rot\, Burgrieden (2018); im Museum Sinclair-Haus\, Bad Homburg (2020); im Leopold Museum\, Wien (2018/19); sowie im H2 – Zentrum für Gegenwartskunst (2017). \n\n\n\n\n\n\n\n\n\nMaximilian Prüfer\n\n\n\n\n\n25. April 2026 – 6. Juni 2026\nSEXAUER Galerie \n
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/maximilian-pruefer-sexauer-galerie/
LOCATION:Sexauer Gallery\, Streustr. 90\, Berlin\, 13086\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung
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SUMMARY:Yvonne Andreini - Pescare Perle
DESCRIPTION:Die neuen Arbeiten von Yvonne Andreini sind eine Ode an das Sich-Hineinwerfen\, an das Sich-dem-Leben-Aussetzen und an das Vertrauen in das\, was daraus entstehen kann. In der Ausstellung Pescare Perle entwirft sie Bildwelten\, die aus innerer Bewegung sowie aus Begegnung heraus in ständiger Transformation begriffen sind. Zugleich tragen diese Arbeiten eine neue Offenheit in sich: ein Suchen nach jenem Etwas\, einem Wert oder Bedeutung\, nach einer Form\, die sich immer wieder zeigt: Sie ist rund und mal sichtbarer und verdichtet\, mal verborgen als Perle in ihrer Muschel. \nCharakterisiert durch Bewegung und Tiefe durchzieht Wasser die Arbeiten. Ein Element\, in das man eintaucht\, ohne es vollständig zu durchdringen. Das bewusste Hineinbegeben in ein offenes\, unkontrollierbares Feld spiegelt sich in Andreinis Malerei. Ihre Bilder folgen dieser Bewegung: Windungen\, Schwünge\, Wellen und Überlagerungen von Linien und Farben durchziehen die Leinwände. Sie wirken frei und ungebändigt\, sind jedoch zugleich strukturiert und gehalten. \nInmitten eines oft überwältigenden Weltgeschehens – eines Strudels aus Bewegung und Unübersichtlichkeit – richtet sich der Blick auf das\, was darin Bestand hat: auf Bedeutung im Kleinen\, auf das\, was wir als wertvoll bestimmen. Diese Ausstellung ist Andreinis zweite Einzelausstellung in der Galerie HOTO. Weitere Informationen unter www.yvonne-andreini.com. \nText: Verena Osthoff \nYvonne Andreini – Pescare Perle\n25. April 2026 – 05. Juni 2026 \nHOTO Galerie \n
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/yvonne-andreini-pescare-perle/
LOCATION:HOTO Galerie\, Bergmannstraße 109\, Berlin\, 10961\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung
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SUMMARY:Demolition/Escape
DESCRIPTION:Die erstmals in den 1980er Jahren ausgestellte Arbeit Escalator lenkt die Aufmerksamkeit durch Vertikalität und serielle Anordnung. Elf übereinander gestaffelte Monitorpaare zeigen auf der linken Seite Geschäftsleute im Anzug\, die in eine Welt aus Glas und Stahl aufsteigen\, während rechts Obdachlose zu sehen sind\, die sich in unterirdischen Bahnhöfen der Stadt aufhalten. Das fortwährende Hinauf- und Hinabgleiten der Bilder lässt die Betrachtenden niemals ankommen\, sondern bringt sie immer wieder an denselben Ausgangspunkt zurück\, wodurch eine schwebende\, repetitive Zeitlichkeit entsteht. Aufhebung und Wiederholung verfremden vertraute Gesten und verleihen alltäglichen Bewegungen neues symbolisches Gewicht. Umkehrung fungiert hier\, sowie auf unterschiedliche Weise auch in den Arbeiten von Lloyd und Richards\, als kritische Methode. \nIn ihren Mehrkanal-Installationen stellt Hilary Lloyd flüchtige Momente aus dem Alltag heraus: eine Handlung\, eine Begegnung oder das Lichtspiel auf einem Objekt. Bedeutung ergibt sich aus den architektonischen Rahmungen\, sowohl innerhalb der Arbeiten als auch bei der physischen Begegnung mit der Installation. Für die Ausstellung entwickelt Lloyd eine neue Werkgruppe\, die Verbindungen mit den anderen beiden Positionen und dem Gebäude schafft und das Interesse der Künstlerin am Einfangen des Immateriellen fortsetzt. \nJames Richards’ Arbeiten schichten heterogenes Bild- und Tonmaterial zu affektiven\, nicht-linearen Sequenzen\, in denen Montage und räumliche Anordnung den narrativen Verlauf destabilisieren. Für Demolition/Escape schafft er eine Reihe neuer\, über den Ausstellungsraum verteilte Collagen sowie eine Soundarbeit\, die in unregelmäßigen Abständen ertönt und dabei auf die Akustik des gesamten Gebäudes reagiert sowie indirekten Bezug auf Keanes Praxis nimmt. \nDer Ausstellungstitel ist Tina Keanes Installation Demolition/Escape (auf Deutsch Abriss/Flucht) aus dem Jahr 1983 entliehen. Obwohl diese frühere Arbeit nicht Teil der Ausstellung bei Fluentum ist\, hilft sie ihre Logik zu verstehen. In der Installation werden Video\, Performance\, Klang und skulpturale Elemente kombiniert\, die gefilmte Handlungen auf gestapelten Monitoren mit mechanischen und akustischen Strukturen zusammenbringen. Ihre Bestandteile fügen sich zu einem Kunstwerk zusammen\, aber bleiben als einzelne Präsentationsflächen lesbar\, auch wenn nicht immer als eigenständige Werke. Keane\, Lloyd\, Richards und die Kuratoren wenden eine ähnliche Logik auf die Ausstellung an. Abriss (demolition) kann ein Entkommen (escape) ermöglichen\, wenn Hindernisse beseitigt werden. Statt Befreiung zu bedeuten\, kann Abriss jedoch auch eine fortwährende Bewegung in Gang setzen. Die Werke der Ausstellung schaffen eine Umgebung\, in der Körper\, Bilder und Technologien einander hervorbringen und so die Spannung zwischen Zerstörung und Entkommen aufrechterhalten. \n
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/demolition-escape/
LOCATION:Fluentum\, Clayallee 174\, Berlin\, 14195
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SUMMARY:Philip Loersch - LES PIERRES
DESCRIPTION:\n\n\n\n\n\n\n\nZum Gallery Weekend Berlin präsentiert die FeldbuschWiesnerRudolph Galerie mit „LES PIERRES“ die inzwischen siebte Einzelausstellung von Philip Loersch. Im Zentrum stehen neue handbezeichnete Buchsteinskulpturen\, die durch handwerkliche Präzision\, kunsthistorische Motivik und die besondere Charakteristik des Alabastersteins hervorstechen. \n\n\n\n\n\nLes Pierres von Philip Loersch tragen die großen Klassiker der Kunstgeschichte auf ihrer „Haut“. Und doch sind Pierre Rembrandt\, Pierre de La Tour\, Pierre Turner\, Pierre Mondrian eigenständige Werke\, die aus der intensiven Auseinandersetzung mit den kunsthistorischen Vorlagen hervorgehen\, um diese in ein neues materielles und zeichnerisches Konzept zu überführen. \n„Die Wahl dieser vier Künstler ist weniger eine Hommage im klassischen Sinne\, sondern ergibt sich aus der Frage\, welche malerischen und zeichnerischen Ideen sich im Stein interessant weiterdenken oder neu formulieren lassen „\, erklärt Philip Loersch. \n\n\n\nAusgangspunkt sind die reproduzierten Bilder und Texte aus den monographischen Werkverzeichnissen der großen Meister. In Loerschs Übertragung auf den Stein geschieht eine Transformation. Mit Bleistift\, Buntstift und Tusche zeichnet er mit hoher Präzision. Dabei geschieht eine Form der Appropriation\, der Aneignung\, in der sich Aufmerksamkeit und Dauer in den Stein einschreiben und ihre Wirkung entfalten. Die charakteristischen Adern des Alabsters treten in direkten Dialog mit der von Loersch gezeichneten Ordnung. Etwa dort\, wo sich Mondrians Komposition mit der natürlichen Struktur des Steins überlagert und bricht. \n„Mich interessiert\, was passiert\, wenn ich ein Werk noch einmal durch meine Hand und meinen Kopf laufen lasse „ sagt Loersch. \nIm Pierre Rembrandt verschiebt sich die zeichnerische Verdichtung: Licht und Schatten werden präzise übertragen und zugleich durch das Material in eine neue Zeitlichkeit transformiert. Beim Pierre de La Tour wird das Licht nicht nur dargestellt\, sondern durch den durchscheinenden Alabaster selbst getragen und sichtbar gemacht. \nPhilip Loerschs Entscheidung für den Stein – statt Papier – als Trägermedium für seine delikaten Handzeichnungen scheint widersprüchlich: das Material ist schwer\, widerständig und von den Spuren der Zeit durchzogen. Doch der Alabaster ist feinkörnig\, ein leicht zu formendes Mineral\, er besticht durch seine marmorähnliche Optik\, und Loersch schätzt besonders seine transluzenten Eigenschaften. Derart entstehen die Werke des Künstlers und Zeichners nicht einfach auf dem Stein\, sondern im Dialog mit ihm. \n\n\n\n\n\n\n„Ich arbeite seit 2015 mit Stein. Er ist eines der ältesten Materialien\, auf dem geschrieben wurde. Diese Verbindung von Material und Zeit interessiert mich „ \nDie Handzeichnung ist im Werk des Künstlers Philip Loersch zentral. Sie erlaubt ihm\, im performativen Prozess zu verstehen und weiterzudenken. Auch das Buch als zentrales Motiv spielt eine wiederkehrende Rolle. Seiten\, Texte\, Layouts bestimmen die Komposition. Jeder Buchstabe\, jedes Komma\, jede Annotation sind scheinbar gedruckt\, tatsächlich jedoch vollständig und absolut präzise von Hand gezeichnet. \n„Ein guter Kopist zu sein\, ist für mich erstmal nichts Negatives. Ich mag diese lange Tradition bis hin zu Mönchen\, die Texte abgeschrieben haben\, und ich lerne dabei immer noch unglaublich viel“ \nLoersch arbeitet mit großer Passion und Konzentration an der Schnittstelle von Bild und Text\, von Sehen und Lesen. Schrift wird bei ihm immer zur Struktur\, zur Schraffur\, zum Bild. Denn Schrift ist bei ihm nicht nur Information\, sondern auch Zeichnung. \nPhilip Loersch – LES PIERRES\n29.04.2026 – 30.05.2026\nFeldbuschWiesnerRudolph \n
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/philip-loersch-les-pierres/
LOCATION:FeldbuschWiesnerRudolph\, Jägerstrasse 5\, Berlin\, 10117\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung
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SUMMARY:Marta Djourina - BLUSHING
DESCRIPTION:Zum Gallery Weekend Berlin lädt die FWR Galerie herzlich zur Eröffnung von BLUSHING\, der zweiten Einzelausstellung von Marta Djourina in ihren Räumen\, ein. Die Künstlerin zeigt drei neue Werkgruppen\, in denen Licht als bildgebendes Medium seine Spuren im Material hinterlässt und prozesshaft erfahrbar wird. \n„Meine Motivation\, mit Licht zu arbeiten\, ist grundlegend: Ohne Licht könnten wir nichts sehen. Unsere gesamte visuelle Wahrnehmung basiert auf ihm. Das macht Licht für mich zu einem existenziellen Ausgangspunkt. „\, erläutert Marta Djourina. \nEin Großteil der Arbeiten von Marta Djourina entsteht tatsächlich im lichtdichten Raum. Die Dunkelkammer ist für die Künstlerin weniger ein abgeschlossener Ort sondern funktioniert als experimentelle Blackbox. Djourina arbeitet ohne Kamera\, mit ihren mobilen Lichtquellen wie Laserpointer und Dioden. Mit diesen Werkzeugen zeichnet sie in einer performativen Geste direkt auf das fotosensitive Papier. Die Bewegungen\, die sie dabei vollzieht\, sind präzise einstudiert und über Jahre hinweg entwickelt.  \n„In der Dunkelkammer arbeite ich mit wiederholbaren Choreografien. Mich interessiert dabei nicht der Zufall\, sondern die Frage\, wie Kontrolle im Prozess funktioniert und welche Parameter sich bewusst steuern lassen. „\, beschreibt Djourina ihre Vorgehensweise. \nDie prozessualen Fotografien der Künstlerin sind das Ergebnis einer dynamischen Interaktion zwischen Licht\, Papier und ihrem Körper. In Djorinas neuer Werkserie tritt die Hand als ikonisches Motiv und zugleich als Werkzeug prominent in Erscheinung. Die Hand greift direkt in das Material ein\, formt\, faltet\, spannt und strukturiert das Fotopapier noch vor der Belichtung. Wenn Licht durch sie auf das Fotopapier fällt\, fungiert die Hand zugleich als Filter: Sie verändert die Intensität und spektrale Zusammensetzung des Lichts und beeinflusst so die entstehenden Farben im Bildwerdungsprozess.  \n„Die Bildträger reagieren fast wie eine Haut. Sie ‚erröten‘ und speichern so die Spuren von Intensität\, Zeit und Kontakt.“\, schildert Marta Djourina den Akt der Berührung als bildgebendes Moment „ \nMit dem Ausstellungstitel BLUSHING steht das „Erröten“ symbolisch für eine Reaktion\, die durch einen äußeren Impuls ausgelöst wird und sich als sichtbare Veränderung manifestiert. Durch den Moment der Berührung und Aktivierung des Fotopapiers und den Einsatz von Licht entsteht ein körperlich erfahrbares Spannungsfeld\, in dem Wahrnehmung\, Material und Energie ineinander übergehen. Eine begehbare Installation erweitert diesen Gedanken in den Ausstellungsraum der Galerie. \n„Blushing versteht Licht als etwas Körperliches – als einen Zustand zwischen Sichtbarkeit und Empfindung\, in dem sich Transformation unmittelbar erfahren lässt“\, so die Aussage von Marta Djourina \nNeuere Arbeiten führt Djourina inform von Leuchtkästen weiter. Hier kehrt das Licht in das Bild zurück und aktiviert es erneut. Ihre Fotografien erscheinen nicht als zweidimensionales Bild\, sondern als eigenständige Lichtkörper. Derart verleiht die Künstlerin dem Medium Licht eine physische Präsenz\, die über das rein Abbildende hinausgeht. \n„Wann ist Licht Medium der Wahrnehmung? Wann wird es zum Instrument der Intervention? „\, lautet die zentrale Frage\, die Marta Djourina antreibt. \nGeprägt wurde Djourinas künstlerische Praxis durch die Zusammenarbeit mit wissenschaftlichen Institutionen\, z.B. im Bereich der Optogenetik. Dort wird Licht gezielt eingesetzt\, um Prozesse von Nervenzellen zu steuern und zu aktivieren. \nSo faszinieren Marta Djourinas Werke mit ihrem experimentierfreudigen Dialog zwischen Bild und Prozess\, Oberfläche und Raum\, Kontrolle und Reaktion. In ihnen zeigt sich Licht nicht als etwas\, das die Welt als Abbild sichtbar macht\, sondern als etwas\, das selbst Form annimmt – körperlich\, unmittelbar und in stetiger Veränderung begriffen. \nMarta Djourina – BLUSHING\n29.04.2026 – 30.05.2026 \nFWR Galerie \n
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/marta-djourina-blushing/
LOCATION:FeldbuschWiesnerRudolph Galerie\, Jägerstraße 5\, Berlin\, 10115\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung
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