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SUMMARY:Tina Buchholtz: Gravity. The Weight of Light in der Vorona Galerie
DESCRIPTION:Tina BuchholtzGravity. The Weight of Light \nKann Licht ein Gewicht haben? Kann etwas Flüchtiges\, Immaterielles eine physische Präsenz entwickeln? \nIn ihrer Ausstellung Gravity. The Weight of Light untersucht Tina Buchholtz das spannungsvolle Verhältnis zwischen Licht und Materie\, Schwere und Leichtigkeit\, Bewegung und Stillstand. \nIhre Malerei bewegt sich an der Grenze zwischen Abstraktion und Landschaft. Leuchtende Farbflächen\, vielschichtige Strukturen und feinste Liniengeflechte verdichten sich zu Bildräumen\, die zugleich vertraut und unbestimmbar erscheinen. Sie erinnern an Gräser im Wind\, an dichtes Gestrüpp\, an Licht\, das durch Vegetation fällt. Doch diese Assoziationen lösen sich immer wieder in reine Farbe\, Linie und Struktur auf. \nEine besondere Rolle spielt dabei die Materialität der Oberfläche. Buchholtz arbeitet mit dem Gegensatz zwischen dichten\, teilweise reliefartigen Farbschichten und filigranen\, sich überlagernden Linien. Die Linien durchziehen die Kompositionen wie ein feines Geflecht\, verbinden und trennen die Farbräume\, erzeugen Rhythmus und Bewegung. \nDas Licht erscheint dabei nicht als etwas\, das die Dinge lediglich sichtbar macht. Es wird selbst zum Gegenstand der Malerei. Es scheint aus der Tiefe der Farbschichten hervorzutreten\, sich auf den Oberflächen zu sammeln oder zwischen den Linien aufzulösen. In manchen Arbeiten entfaltet es eine beinahe explosive Energie\, in anderen wird es zu einem leisen\, kaum greifbaren Schimmer. \nAuch die Schwerkraft ist in diesen Bildern auf eigentümliche Weise präsent. Während die Linien aufsteigen\, sich verzweigen und in alle Richtungen ausbreiten\, verleihen die dichten Farbschichten den Kompositionen eine spürbare Erdung. Aus diesem Gegensatz entsteht eine besondere Spannung: zwischen dem\, was nach oben strebt\, und dem\, was nach unten zieht; zwischen dem Flüchtigen und dem Beständigen. \nGravity. The Weight of Light lädt dazu ein\, Malerei als sinnliche Erfahrung von Raum\, Licht und Materie zu entdecken. Die Bilder verlangen kein eindeutiges Erkennen. Sie eröffnen vielmehr einen Raum des Sehens\, in dem sich Gegenständlichkeit und Abstraktion\, Nähe und Ferne\, Bewegung und Ruhe immer wieder neu begegnen. \nBEHIND THE CANVAS. Ein persönlicher Abend mit Tina Buchholtz \nWas verbirgt sich hinter einem Kunstwerk?Wie entsteht aus Farbe\, Licht und unzähligen feinen Linien eine Bildwelt von faszinierender Tiefe? Wo beginnt die künstlerische Idee – und wie verwandelt sie sich in ein Werk\, das uns berührt?Am Freitag\, den 6. November um 18:00 Uhr\, laden wir Sie zu einem besonderen Galerieabend mit der Berliner Künstlerin Tina Buchholtz ein.Im persönlichen Gespräch gewährt die Künstlerin Einblicke in ihren kreativen Prozess\, erzählt von ihren Inspirationen und verrät\, wie ihre außergewöhnlichen Bildoberflächen entstehen.Erleben Sie ihre Werke aus der aktuellen Ausstellung Gravity. The Weight of Light aus einer neuen Perspektive und genießen Sie einen inspirierenden Abend mit Kunst\, Gesprächen und einem Glas Wein.Wir freuen uns darauf\, diesen besonderen Abend mit Ihnen zu teilen!Freitag\, 6. November 2026 | 18:00 UhrDie Teilnahme ist nur nach vorheriger Anmeldung möglich.Die Plätze sind begrenzt. \nAusstellungsdauer: 16.10.–28.11.2026 \nOrt: Vorona Galerie\, Friedbergstraße 12\, 14057 Berlin-CharlottenburgÖffnungszeiten: Montag – Samstag 11:00 – 18:00 auch gerne zu den anderen Zeitpunkten nach Vereinbarung.
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SUMMARY:Α und Ω - vom Ursprung zum Neubeginn in der galerie son
DESCRIPTION:Α und Ω – vom Ursprung zum Neubeginnmongolische GegenwartskunstODMAA Uranchimeg – SUKHBUREN Narankhuu – NYAM-OCHIR OyunpurevAusstellung21. Oktober – 21. November 2026galerie son \nMonumentale abstrakte Kalligrafien und keramische Skulpturen: Mit „Α und Ω“ (Alpha und Omega) präsentiert die galerie son im Herbst eine Ausstellung mit neuen Arbeiten von ODMAA Uranchimeg\, SUKHBUREN Narankhuu und NYAM-OCHIR Oyunpurev. Gegenüber dem Humboldt-Forum am Schinkelplatz 4 begegnet das Publikum einer Mongolei\, deren Gegenwart ebenso viel Aufmerksamkeit verdient wie ihre Geschichte. \nDen Ausgangspunkt bildet eine universelle Frage:Wann wird ein Ende zum Anfang? \nAlpha und Omega – der erste und letzte Buchstabe des griechischen Alphabets – verweisen auf das zentrale Thema der Ausstellung: das Verhältnis von Anfang\, Vollendung und Neubeginn. Die drei Künstler greifen historische und kulturelle Themen auf und untersuchen\, wie Ideen Form annehmen und Veränderung neue Möglichkeiten eröffnet. Plastische Körper und kalligrafische Gesten bringen diese Auseinandersetzung in einen räumlichen Dialog. \nIm Umfeld der Museumsinsel setzt „Α und Ω“ einen zeitgenössischen Akzent. Parallel zur Ausstellung „Dschingis Khan und die Welt der Mongolen“ in der James-Simon-Galerie lenkt sie den Blick auf heutige künstlerische Ausdrucksformen. Für Sammler\, Kuratoren und Medien bietet die Berliner Präsentation Gelegenheit\, drei eigenständige Positionen anhand ihrer jüngsten Werke zu entdecken. \nPräsentiert in Kooperation mit der Arts & Media Project Management & Consulting NGO (AMPMC) und ihrer Gründerin OYUNTUYA Oyunjargal \, eröffnet anlässlich des Staatsbesuchs des mongolischen Präsidenten Uchnaagiin KHURELSUKH in Deutschland. \nDie Kunstwerke wurden während des Artist-in-Residence-Programms 2026 der AMPMC in der Berliner Bildhauerwerkstatt des bbk geschaffen. \nAusstellungsdauer: 21. Oktober – 21. November 2026 \nOrt: galerie son\, schinkelplatz 4\, 10117 berlin germany\, U5 MuseumsinselDi – Sa 11-18 Uhr
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SUMMARY:BODIES THAT SPEAK im HAUS.KUNST.MITTE
DESCRIPTION:Was kann ein Körper erzählen\, ohne Worte zu benutzen? \nMit Bodies that Speak widmet sich das Haus. Kunst. Mitte. einem der ältesten Motive der Kunst und zugleich einem Thema von unmittelbarer Gegenwart: dem menschlichen Körper. Nach der erfolgreichen Ausstellung Faces of Mind versammelt das Haus erneut eine Gruppe herausragender Künstlerinnen und richtet den Blick auf die vielfältigen Möglichkeiten\, Körper darzustellen\, zu erleben und neu zu denken. \n17 Künstlerinnen aus vier Generationen stehen im Zentrum der Ausstellung. Sie alle leben und arbeiten in Berlin und setzen sich in ihrer künstlerischen Praxis intensiv mit Körperlichkeit auseinander. Viele von ihnen gehören zu den wichtigen Stimmen ihrer jeweiligen Generation und sind international ausgestellt. Ihre Herkunft ist vielfältig: Die Künstlerinnen kommen unter anderem aus Iran\, China\, den USA\, der Türkei\, Polen\, Japan und Deutschland. Was sie verbindet\, ist keine gemeinsame künstlerische Schule\, sondern die Stadt\, in der sie leben\, und eine intensive Auseinandersetzung mit dem Körper als künstlerischem Ausdrucksmittel. \nBerlin wird dabei zum Ort des Austauschs. Die Stadt ist seit Jahrzehnten Anziehungspunkt für Künstlerinnen aus aller Welt und zugleich ein Ort\, an dem unterschiedliche Lebensentwürfe\, kulturelle Prägungen und künstlerische Positionen aufeinandertreffen. Bodies that Speak macht diese Vielfalt sichtbar und gibt insbesondere Künstlerinnen Raum\, die die Berliner Kunstszene heute prägen. \nDer weibliche Körper steht im Zentrum – jedoch nicht als isoliertes Thema. Geburt\, Sexualität\, Erwachsenwerden\, Krankheit\, Alter und Tod gehören zum menschlichen Leben. Zugleich werden diese Erfahrungen durch Geschlechterrollen\, gesellschaftliche Erwartungen und kulturelle Zuschreibungen unterschiedlich geprägt. Die ausgestellten Arbeiten machen diese Spannung sichtbar und führen von sehr persönlichen Bildern und Geschichten zu Fragen\, die weit über das Weibliche hinausreichen. \nDabei ist der Körper in der Ausstellung weit mehr als ein dargestelltes Motiv. Er wird zum Material\, Werkzeug\, Medium und Träger von Erinnerung und Bedeutung. Das Performative zieht sich durch die gesamte Ausstellung: Auch dort\, wo keine Performance stattfindet\, sind Malen\, Fotografieren\, Formen oder Bearbeiten körperliche Handlungen. Körper „sprechen“ durch Haltung und Bewegung\, Oberfläche und Material\, Präsenz und Abwesenheit. \nDer Rundgang durch 20 Ausstellungsräume folgt fünf thematischen Kapiteln. Von imaginären und traumhaften Körperwelten führt die Ausstellung über Leben und Natur zu gesellschaftlichem und persönlichem Druck. Am Ende lösen sich vertraute Grenzen auf und Körper gehen hybride Verbindungen mit dem Organischen\, Tierischen\, Technischen oder Kosmischen ein. Die Ausstellung erzählt dabei keine lineare Geschichte und bietet keine eindeutigen Antworten. Verletzlichkeit kann ebenso mit Handlungsmacht verbunden sein wie Widerstand mit Fürsorge\, Transformation mit Verlust oder Auflösung mit einem Neuanfang. \nBodies that Speak lädt dazu ein\, den Körper nicht als festgelegte Form zu betrachten\, sondern als etwas Bewegliches\, Widersprüchliches und Veränderbares – und die unterschiedlichen Stimmen der Künstlerinnen selbst sprechen zu lassen. \nBeteiligte Künstlerinnen \nNevin Aladağ · Laura Bruce · Carina Chang · Lunita Juli Dorn · Carola Ernst · Leiko Ikemura · Aneta Kajzer · Franziska Klotz · Sarah Loibl · Nanne Meyer · Jana Sophia Nolle · May Parlar · Bettina Pousttchi · Barbara Quandt · Jenny Rempel · Alma Sinai · Andrea Zaumseil
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LOCATION:HAUS. KUNST. MITTE.\, Heidestrasse 54\, Berlin\, 10557
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SUMMARY:WAS SIE BEI SICH TRÄGT – Ein Blick in die Taschen und Gedanken von Berlinerinnen
DESCRIPTION:(english below) \nDas Projekt\, das Sergei 2017 in seiner Heimatstadt St. Petersburg begann – inspiriert von der kindlichen Neugier auf die Handtasche seiner Mutter –\, wurde 2025 im vielfältigen und lebendigen Berlin fortgesetzt; ein idealer Ort für seine „Taschen-Spurensuche“.\nIm Laufe des letzten Jahres hat Sergei mehr als 100 Protagonistinnen aus unterschiedlichsten Lebenshintergründen und sozialen Kreisen fotografiert – von einer Frau\, die auf der Straße mit einer Drogensucht kämpft\, bis hin zu einer Galeristin. Auf diese Weise bietet das Projekt ein eindrucksvolles Porträt des Lebens in einer modernen Großstadt\, mit all seinen Freuden und Herausforderungen. \nAuszüge aus dem Berliner Kapitel werden im Rahmen der Ausstellung präsentiert. \nDie Ausstellung ist vom 31. Oktober bis zum 15. November geöffnet.\nÖffnungszeiten: werktags von 14:00 bis 20:00 Uhr\, an Wochenenden von 12:00 bis 20:00 Uhr.\nVernissage: 31. Oktober\, 18:00 Uhr. \n—- \nA long term project by Sergei Stroitelev dedicated to the identities of Berlin women explored through their personal belongings and touching stories. \nThe project\, which Sergei began to shoot in 2017 in his hometown of St. Petersburg – inspired by his childhood curiosity about his mother’s handbag – was continued in diverse and vibrant Berlin in 2025 which became the perfect place for his bag hunting.\nOver the past year\, Sergey has photographed more than 100 heroines from diverse backgrounds and social circles – ranging from a woman struggling with drug addiction on the streets to a gallery owner. Thus\, the project serves as an excellent portrait of life in a modern big city\, with all its joys and difficulties. \nThe excerpts from the Berlin chapter will be featured within the framework of the exhibition. \nThe exhibition will be open from October 31 to November 15.\nOpening hours: 2:00 PM – 8:00 PM on weekdays\, and 12:00 PM – 8:00 PM on weekends.\nVernissage: October 31\, 6:00 PM.
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LOCATION:tunnel19 – Galerie für Fotografie\, Regina-Jonas-Str. 42\, Berlin\, 10999
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SUMMARY:Peer Boehm: Was ich eigentlich tun will in der Galerie Poll
DESCRIPTION:Kindheitserlebnisse\, Reiseerfahrungen\, politische Ereignisse – all das speichert unser Gedächtnis gleichermaßen. Aus flüchtigen Eindrücken und vagen Momentaufnahmen wächst ungeordnet ein Bilderreservoir\, das wir alle teilen und das doch in jedem anders verankert ist. Aus diesem unüberschaubaren Fundus schöpft Peer Boehm die Motive seiner Leinwand- und Papierarbeiten. Mit oft widersinnigen\, nie ganz eindeutigen Titeln stößt er beim Betrachter Assoziationsketten an. \nSeine dritte Einzelausstellung in der Galerie Poll versammelt überwiegend Arbeiten aus den Jahren 2025 und 2026: Szenen aus der Schulzeit („Die Neue“\, „Der Film fängt gleich an“\, „Erste Stunde Textiles gestalten“)\, von ersten Begegnungen mit dem anderen Geschlecht („Ich will lieber nicht“) und aus den Sommerferien am vollen Strand („Im Auto war es warm und bequem“). Hinzu kommt „Berlin 1989“\, ein Bild von 2007\, das den Mauerfall als Wendepunkt der Zeitgeschichte in den Blick nimmt. \nFür seine Papierarbeiten wählt Boehm bereits bedruckte Untergründe wie historische Seekarten oder altes Briefpapier. Darauf zeichnet er\, meist mit Kugelschreiber\, und setzt das Vorgefundene in Beziehung zum Gezeichneten. Die großformatige Zeichnung „Was willst Du mit Deinem Anteil machen?“ zeigt einen Jungen\, der auf einem Floß über eine Seekarte treibt. Motiv\, Papier und Titel lassen an eine Schatzsuche denken – eine einzige „richtige“ Lesart aber gibt es bei Boehm nie. Fortgesetzt hat er auch seine Reihe auf dem Briefpapier des k.o. club\, eines 1969 in Hannover gegründeten Vereins für Avantgarde-Film: Er hat weitere Filmszenen aufgespürt\, die auf den Absender Bezug nehmen. \nFündig wird Boehm in Fotoalben vom Flohmarkt\, in Illustrierten oder im Internet. Personen und Orte abstrahiert er am Computer und reduziert die Vorlage auf Hell-Dunkel-Kontraste\, bis sie kaum noch zu erkennen ist. Dann überträgt er sie auf Leinwand oder Papier und arbeitet sie dort weiter aus. Für die Leinwände hat er eine eigene Lasurtechnik mit Aquarell\, Acryl und Tusche entwickelt. Mitunter dienen auch Kaffee oder Rost als Malmittel\, und ihr bräunlicher Ton lässt die Bilder wie verblichene Fotografien erscheinen. Boehms Bildsprache beruht auf dem Prinzip der Aussparung: Helle und dunkle Flächen verschwimmen ineinander. So wirken die Arbeiten zunächst schemenhaft und treten erst bei längerem Hinsehen hervor wie aus dem Unterbewusstsein – als ganz persönliche Erinnerungen. \nPeer Boehm\, 1968 geboren in Köln\, studierte von 1990 bis 1994 Kunstgeschichte\, Archäologie und Germanistik an der Universität zu Köln. 2021 wurde er mit dem Kunstpreis Wesseling ausgezeichnet\, der 2023 mit einer Ausstellung im gleichnamigen Kunstverein verbunden war. 2022 waren seine Arbeiten im Willy-Brandt-Haus in Berlin ausgestellt\, 2024 fand eine große Übersichtsausstellung mit Werken aus 17 Jahren im Museum Modern Art Hünfeld statt. Arbeiten des Künstlers befinden sich in zahlreichen deutschen und internationalen Privatsammlungen. Peer Boehm lebt und arbeitet in Köln\, wo er von der Galerie Anja Knoess vertreten wird. \nEröffnung: Donnerstag\, 29. Oktober 2026\, 17 bis 20 Uhr\, Begrüßung und Künstlergespräch gegen 19 Uhr\nAusstellungsdauer: 30. Oktober 2026 bis 9. Januar 2027\, Winterpause 22. Dezember 2026 bis 2. Januar 2027\nOrt: POLL Galerie + Kunsthandel\, Gipsstraße 3\, Quergebäude\, Parterre\, 10119 Berlin\, Di bis Sa 12 bis 18 Uhr und nach Vereinbarung
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SUMMARY:Vitalii Shupliak – THRESHOLDS in der Galerie Gotisches Haus
DESCRIPTION:Im Gotischen Haus eröffnet am 28 Oktober 2026 um 19 Uhr die Ausstellung „THRESHOLDS“ von Vitalii Shupliak. Was geschieht an einer Schwelle – zwischen Innen und Außen\, Sichtbarem und Unsichtbarem\, Schutz und Bedrohung\, Vergangenheit und Gegenwart? Vitalii Shupliak interessiert sich für jene Zwischenräume\, in denen vertraute Ordnungen ihre Eindeutigkeit verlieren. Seine Arbeiten bewegen sich zwischen sakraler Bildtradition und digitaler Gegenwart\, zwischen individueller Wahrnehmung und kollektiver Erfahrung. Grenzen erscheinen dabei weniger als feste Linien denn als durchlässige Räume\, in denen sich Bedeutungen verschieben. \n„Mich fasziniert an Vitalii Shupliaks Arbeiten\, wie sie uns an Schwellen führen\, an denen vertraute Gewissheiten ins Wanken geraten – zwischen Sakralem und Politischem\, Sichtbarem und Unsichtbarem\, Schutz und Bedrohung. Im Gotischen Haus begegnen seine Werke einer Architektur\, die selbst von solchen Übergängen geprägt ist\, und eröffnen einen Raum\, in dem wir nicht nur die Grenzen unserer Wahrnehmung\, sondern auch die Ungewissheiten unserer Gegenwart neu befragen können.“Dr. Jens-Ole Rey\, Kurator \nVitalii Shupliak\, geboren 1993 in der Ukraine\, lebt und arbeitet in Berlin. Er studierte Bildende Kunst in Lviv\, Gdańsk\, Poznań und Braunschweig. Seine künstlerische Praxis umfasst Videoinstallation\, Malerei und Performance und beschäftigt sich mit den Schnittstellen von Realität und Virtualität sowie mit Fragen von Migration\, Identität und Grenzen. Die Arbeiten des Künstlers wurden im KINDL\, Berlin; YermilovCentre\, Charkiw; IZOLYATSIA\, Kyjiw; MOCAK Museum of Contemporary Art\, Krakau; CSW Łaźnia\, Danzig; Museum MACAN\, Jakarta; National Museum\, Posen; ZAK Zentrum für Aktuelle Kunst\, Berlin gezeigt. \nIm Gotischen Haus trifft die zeitgenössische Perspektive von Vitalii Shupliak auf eine Architektur\, die selbst von Übergängen geprägt ist: von Licht und Dunkelheit\, Innen und Außen\, Diesseits und Jenseits. Historische Bildwelten und räumliche Strukturen werden zu Resonanzräumen für eine Gegenwart\, in der Grenzen zunehmend porös werden. \nSpiegelnde Vögel werden zu Schutz und Barriere zugleich. Sakrale Augen begegnen den leuchtenden Oberflächen digitaler Geräte. Körper schweben zwischen verschiedenen Wirklichkeiten\, während Feuer zum Bild einer Transformation zwischen Schöpfung und Zerstörung wird. \nDas Vertraute beginnt dabei immer wieder ins Unheimliche zu kippen. Was Schutz verspricht\, kann zur Grenze werden; was Sichtbarkeit schafft\, kann zugleich etwas verbergen. Technologie\, Ritual und Erinnerung überlagern sich und machen Wahrnehmung selbst zu einer Schwelle. \nTHRESHOLDS ist eine Ausstellung über das Dazwischen – und über die Frage\, was sichtbar wird\, wenn Gewissheiten ihre Grenzen erreichen. \nEröffnung: Mittwoch\, 28. Oktober 2026\, 19 UhrAusstellungsdauer: 29. Oktober bis 23. Dezember 2026Ort: Galerie Gotisches Haus\, Breite Straße 32\, 13597 BerlinDi bis Sa 10 bis 18 Uhr\, So 12 bis 18 UhrEintritt frei
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SUMMARY:Das Schokoladenmädchen von Berlin. Svenja Schüffler in der Galerie Kuchling
DESCRIPTION:Galerie KuchlingKarl-Marx-Allee 123\, Berlin Ost24.10. – 08.01.2027Das Schokoladenmädchen von Berlin. Svenja Schüffler \nVernissage: Samstag\, 24. Oktober\, 18h – 22h \nAusstellungsdauer: 24. Oktober 2026 bis 8. Januar 2027\nOrt: Galerie Kuchling\, Karl-Marx-Allee 123\, 10243 Berlin \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nSvenja Schüffler in der Galerie Kuchling nimmt sich bekannte Meisterwerke vor\, allen voran Liotards „Schokoladenmädchen“ und Dürers Hasen\, und zeichnet sie in Pastellkreide\, Tusche\, Blattgold und Aquarell neu. In ihrer Serie „SACRIFICE“ werden die angeeigneten Bilder physisch verwundet\, etwa durch Prägungen im Papier oder einen Pfeil durch das Glas; ein Werk bleibt verborgen und ist nur unter Bedingungen zugänglich. Die Künstlerin\, geboren in Kassel\, hat Geologie und Geoinformatik studiert und lebt in Berlin. Die Galerie an der Karl-Marx-Allee in Friedrichshain (U5 Weberwiese) ist Mittwoch bis Freitag von 14 bis 19 Uhr und Samstag von 13 bis 18 Uhr geöffnet.
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SUMMARY:Lena Keller: False Skies in der KORNFELD Galerie
DESCRIPTION:In der KORNFELD Galerie zeigt Lena Keller ihre Ausstellung False Skies. Ihre Malerei lädt uns ein\, genauer hinzusehen und unseren eigenen Blick neu zu entdecken. Flüchtige Eindrücke von Landschaft\, Licht und Farbe verwandeln sich in eine bewusste Erfahrung des Sehens. \nEröffnung: Freitag\, 30. Oktober 2026\, 18 bis 21 Uhr\, die Künstlerin ist anwesend\nAusstellungsdauer: 30. Oktober 2026 bis 9. Januar 2027\nOrt: KORNFELD Galerie\, Fasanenstraße 26\, 10719 Berlin \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nLena Keller in der KORNFELD Galerie arbeitet in Öl auf Leinwand nach eigenen\, digital bearbeiteten Fotocollagen; in „False Skies“ bauen transparente Ölschichten\, Lasuren und irisierende Lichtfelder Landschaften auf\, deren Horizonte und Vegetation präsent bleiben\, sich einer klaren Definition aber entziehen. Die 1980 in Heidelberg geborene Malerin schloss 2022 ihr Studium an der Akademie der Bildenden Künste München als Meisterschülerin von Karin Kneffel ab; Arbeiten von ihr befinden sich in der Kunstsammlung des Deutschen Bundestages und in der Staatlichen Graphischen Sammlung München. Am selben Abend eröffnet im Projektraum 68projects by KORNFELD (Fasanenstraße 68) die Ausstellung „Back When Tigers Used to Smoke“ von Youjin Yi. Die Galerie in der Fasanenstraße nahe Kurfürstendamm ist Dienstag bis Samstag von 11 bis 18 Uhr geöffnet.
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SUMMARY:Mariano Rinaldi Goñi: 30 Jahre Berlin in der Galerie Deschler
DESCRIPTION:Anlässlich von drei Jahrzehnten künstlerischen Wirkens in Berlin präsentiert die Galerie Deschler eine Auswahl neuer Gemälde und Arbeiten des argentinischen Künstlers Mariano Rinaldi Goñi (MAO). \nSeit vielen Jahren beschäftigt sich Goñi mit der nordischen Mythologie\, insbesondere mit den Nornen\, den Verkörperungen von Vergangenheit\, Gegenwart und Zukunft. In seinen neuen Arbeiten erweitert er diesen Kosmos um die etruskische Göttin Vanth\, die er bei einem Besuch der antiken Grabstätten in Tarquinia entdeckte\, sowie um die indischen Göttinnen Kali und Lakshmi. Eine Inspiration bildet dabei auch der Mythos von der Quirlung des Milchozeans\, aus dem Lakshmi hervorgeht. \nIm Zusammenspiel dieser unterschiedlichen Traditionen begegnen sich archetypische Kräfte wie Schicksal\, Tod\, Zerstörung\, Erneuerung und Fülle. Goñi beschreibt diese Verbindung als „Verstärkung durch Interferenz“: Die mythologischen Figuren treten miteinander in Resonanz und eröffnen neue Bedeutungsebenen. \nDie Ausstellung ergänzt die bis zum 8. November 2026 in der Stiftung Starke gezeigte Retrospektive gleichen Titels um aktuelle Arbeiten und gibt Einblick in die jüngste Entwicklung von Goñis vielschichtigem malerischem Kosmos. \nEröffnung: Freitag\, 30. Oktober 2026\, 19 bis 21 Uhr\, Einführung: Teresa Riccardi\, Direktorin des Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori\, Buenos Aires\nAusstellungsdauer: 30. Oktober bis 12. Dezember 2026\nOrt: Galerie Deschler\, Auguststraße 61\, 10117 Berlin\, Di bis Sa 12 bis 18 Uhr
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SUMMARY:Youjin Yi: Back When Tigers Used to Smoke bei 68projects by KORNFELD
DESCRIPTION:Bei 68projects by KORNFELD präsentiert Youjin Yi ihre Ausstellung Back When Tigers Used to Smoke. Ausgehend von einem märchenhaften Erzählanfang erkundet sie\, wie Erinnerungen über Sprachen\, Orte und Generationen hinweg weiterleben. Auf traditionellem koreanischem Hanji-Papier entstehen vielschichtige Bildwelten\, in denen sich persönliche Erinnerungen und kulturelles Gedächtnis begegnen. \nEröffnung: Freitag\, 30. Oktober 2026\, 18 bis 21 Uhr\, die Künstlerin ist anwesend\nAusstellungsdauer: 30. Oktober 2026 bis 9. Januar 2027\nOrt: 68projects by KORNFELD\, Fasanenstraße 68\, 10719 Berlin \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nYoujin Yi bei 68projects by KORNFELD malt mit Acryl\, Öl und Ölpastell auf Leinwand und auf koreanischem Hanji-Papier\, das sie auf Leinwand aufzieht; Figuren\, Tiere und hybride Formen bevölkern Bildräume\, in denen der Hintergrund als physischer und psychologischer Raum gedacht ist. Der Tiger\, eine Leitfigur der koreanischen Bildkultur\, wandert in der Ausstellung zwischen Märchen\, persönlicher Erinnerung und kulturellem Gedächtnis. Die 1980 in Gangneung geborene Künstlerin studierte traditionelle koreanische Malerei in Seoul und schloss 2011 als Meisterschülerin von Günther Förg an der Akademie der Bildenden Künste München ab; Werke von ihr besitzt das Seoul Museum of Art\, 2023 erhielt sie den Kiaf Seoul Highlights Award. Am selben Abend eröffnet in der KORNFELD Galerie (Fasanenstraße 26) „False Skies“ von Lena Keller. Geöffnet ist Dienstag bis Samstag von 11 bis 18 Uhr.
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SUMMARY:Hermann Reimer: Multiplex in der Galerie Schwind
DESCRIPTION:Hiermit laden wir Sie herzlich zur Ausstellung mit Gemälden von Hermann Reimer am Freitag\, den 30. Oktober 2026 in die Galerie Schwind Berlin ein. \nHermann Reimer (*1959 in Münster\, lebt und arbeitet in Berlin) gehört zu den herausragenden gegenwärtigen Landschafts- und Raummalern. Als Meisterschüler von Klaus Fußmann entwickelt er in seinen Bildern eine Malerei\, die das Vertraute präzise beobachtet und zugleich verfremdet. \nDie Ausstellung zeigt sowohl Interieurs als auch Landschaften der letzten Jahre. \nEröffnung: Freitag\, 30. Oktober 2026\, 18 Uhr\nAusstellungsdauer: 30. Oktober bis 11. Dezember 2026\nOrt: Galerie Schwind Berlin\, Große Hamburger Straße 1\, 10115 Berlin \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nHermann Reimer in der Galerie Schwind zeigt Interieurs und Landschaften in Öl auf Leinwand\, darunter „Wolkenkuckucksheim“ (2021\, 130 x 100 cm) und „Diner“ (2026\, 150 x 150 cm). Die 1989 in Frankfurt am Main gegründete Galerie hat ihren Berliner Standort an der Großen Hamburger Straße in Mitte\, zwischen Hackeschem Markt und Oranienburger Straße. Geöffnet ist Mittwoch bis Freitag von 12 bis 18 Uhr und Samstag von 10 bis 16 Uhr\, an Feiertagen geschlossen.
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SUMMARY:Carrie Mae Weems: The Heart of the Matter im C/O Berlin
DESCRIPTION:Carrie Mae WeemsThe Heart of the MatterSeptember 12\, 2026 – February 03\, 2027C/O Berlin\, Berlin\, Germany \nAusstellungsdauer: 12. September 2026 bis 3. Februar 2027\nOrt: C/O Berlin im Amerika Haus\, Hardenbergstraße 22–24\, 10623 Berlin\, täglich 11 bis 20 Uhr\, Eintritt 15 Euro\, ermäßigt 8 Euro\, frei bis einschließlich 18 Jahre \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nCarrie Mae Weems im C/O Berlin ist eine umfassende Retrospektive mit mehr als 100 Fotografien und Videos: von „Family Pictures and Stories“ (1978 bis 1984) über die „Kitchen Table Series“ (1990) und die Serie „Museums“ bis zu den neuen Arbeiten „Preach“ (2024) und der Videoinstallation „Leave Now!“ (2022). Die 1953 in Portland\, Oregon\, geborene Künstlerin verbindet Fotografie\, Text\, Stoff\, Audio und Video und fragt nach Macht\, Erinnerung und den Konstruktionen von race und Weiblichkeit; sie wurde unter anderem mit der MacArthur Fellowship und der National Medal of Arts ausgezeichnet. Kuratiert hat die Schau Sarah Hermanson Meister (Aperture)\, für Berlin adaptiert von Boaz Levin. Im Begleitprogramm: die performative Intervention „Harlem Renaissance“ mit Langston Uibel an den Samstagen 14.\, 21. und 28. November 2026\, jeweils 19 Uhr\, sowie After-Work-Führungen am 19. November und 17. Dezember 2026 um 19 Uhr; reguläre Führungen samstags und sonntags um 14 Uhr (deutsch) und 15.30 Uhr (englisch). Das Amerika Haus am Bahnhof Zoo ist täglich von 11 bis 20 Uhr geöffnet.
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SUMMARY:WINTERLIGHTS von Christopher Bauder bei DARK MATTER
DESCRIPTION:DARK MATTER lädt euch herzlich zur Eröffnung von WINTERLIGHTS ein. \nAm 4. November 2026 verwandelt der Berliner Licht- und Medienkünstler Christopher Bauder die TRANSFORMATOR-Kunsthalle erneut in ein leuchtendes Winterwunderland. \nDas absolute Highlight bildet in diesem Jahr die noch raumgreifendere Eisbahn im Zentrum der Halle: Auf Kufen gleiten die Gäste mitten durch die Installation\, während das Eis durch tausende integrierte Lichter erstmals selbst zum integralen Bestandteil der Inszenierung wird. \nRund um die Eisbahn entfaltet sich auf 1.000 Quadratmetern ein schwebender Wald aus über 600 Tannenbäumen und mehr als 300.000 Lichtpunkten. Begleitet von einer eigens entwickelten Komposition des niederländischen Musikers Chris Kuijten vereint das Werk Tradition\, zeitgenössische Lichtkunst und winterliche Magie. \nERÖFFNUNGSVERANSTALTUNG:\nWann: Mittwoch\, 4. November 2026\, ab 17:30 Uhr\nWo: DARK MATTER\, Köpenicker Chaussee 46\, 10317 Berlin – Lichtenberg \nPROGRAMM:\n17:30 Uhr: Einlass\n18:00 Uhr: Einführung durch Christopher Bauder und Einweihung der Eisbahn mit einer exklusiven Performance on Ice\nAb 18:30 Uhr: Eislaufen für alle Gäste \nEröffnung\nMittwoch\, 4. November 2026\, ab 17:30 Uhr \nAusstellungsdauer\n4. November 2026 bis 14. Februar 2027 \nOrt\nDARK MATTER\, TRANSFORMATOR-Kunsthalle\nKöpenicker Chaussee 46\, 10317 Berlin \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nWINTERLIGHTS bei DARK MATTER läuft vom 4. November 2026 bis 14. Februar 2027 in der TRANSFORMATOR-Kunsthalle an der Köpenicker Chaussee im Bezirk Lichtenberg\, nahe dem S-Bahnhof Rummelsburg. Die Eröffnung am Mittwoch\, 4. November\, beginnt um 17.30 Uhr mit dem Einlass\, um 18 Uhr führt Christopher Bauder in die Installation ein. Danach ist die Lichtinstallation von Mittwoch bis Sonntag geöffnet; die genauen Zeiten und Tickets findest Du auf der Website von DARK MATTER.
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SUMMARY:Über Zeiten. Gursky\, Lucas\, Miró\, Warhol und die Kunst des langen 19. Jahrhunderts
DESCRIPTION:Zum 150-jährigen Jubiläum der Alten Nationalgalerie bringt die Sonderpräsentation „Über Zeiten“ Werke des langen 19. und späten 20. Jahrhunderts miteinander ins Gespräch. In zehn Räumen auf allen drei Etagen des Hauses treffen unter anderem Andreas Gursky\, Sarah Lucas\, Joan Miró und Andy Warhol auf die Kunst des 19. Jahrhunderts. Ungewöhnliche Gegenüberstellungen eröffnen neue Blicke auf vertraute Werke und fragen danach\, was Kunst ist und sein kann. \nAls die Nationalgalerie 1876 auf der Museumsinsel Berlin eröffnet wurde\, war sie ein Haus für zeitgenössische Kunst. Heute ist die Alte Nationalgalerie das Stammhaus der Nationalgalerie und widmet sich der Kunst des langen 19. Jahrhunderts. Alle inzwischen sechs Häuser der Nationalgalerie verbindet ein gemeinsam geführter Bestand\, der vom späten 18. Jahrhundert bis in die unmittelbare Gegenwart reicht. „Über Zeiten“ macht dieses Kontinuum entlang von ausgewählten Positionen innerhalb der historischen Sammlungspräsentation sichtbar und lädt zum vergleichenden\, assoziativen Schauen ein. \nDialoge über Epochen und Gattungen hinweg \nStillleben\, Selbstbildnisse und Porträts\, Abstraktion und Gegenständlichkeit\, Malerei\, Fotografie und Skulptur begegnen einander in überraschenden Konstellationen. Gotthard Graubners (1930-2013) intensive Farbraumkörper treffen auf neue Wahrnehmungsformen des Impressionismus und Postimpressionismus. Die Begegnung von Andy Warhols (1928-1987) „Diamond Dust Shoes“ mit einem Stillleben Paul Cézannes (1839-1906) zeigt\, wie das Genre über mehr als ein Jahrhundert hinweg zum Experimentierfeld für das Zusammenspiel von Form\, Farbe und Fläche wird. \nAuch Selbstentwürfe und gesellschaftliche Rollenbilder spiegeln sich über die Zeiten hinweg: Dem Selbstbildnis der Malerin Sabine Lepsius (1864–1942)\, die sich in einem von Männern dominierten Kunstbetrieb behaupten musste\, steht ein fotografisches Selbstbildnis der britischen Gegenwartskünstlerin Sarah Lucas (*1962) gegenüber. In einer lässigen\, männlich konnotierten Pose blickt Lucas rauchend und trotzig an der Kamera vorbei. \nEin weiterer Dialog verbindet Adolph Menzels epochales „Eisenwalzwerk (Moderne Cyclopen)“ (1872–1875) mit Andreas Gurskys (*1955) „Singapore Bourse II“ (1997). Die Malerei des Realismus trifft hier auf ein verdichtetes künstlerisches Bild der Börsenwirklichkeit. In sehr unterschiedlicher Form nehmen beide Werke Arbeitswelten\, ökonomische Prozesse und die Möglichkeiten ihrer künstlerischen Darstellung in den Blick. \nDie Ausstellung erstreckt sich punktuell über alle drei Etagen der Alten Nationalgalerie. Ein begleitender Audioguide vertieft die epochenübergreifenden Beziehungen: Künstler*innen\, Direktor*innen\, Sammler*innen und Restaurator*innen stellen ausgewählte Werkdialoge vor. \nEine Sonderpräsentation der Alten Nationalgalerie\, Staatliche Museen zu Berlin\, ermöglicht durch die FREUNDE der Nationalgalerie und großzügig unterstützt durch die Eva Leinemann Kunststiftung. \nAusstellungsdauer\n22. Oktober 2026 bis 28. Februar 2027 \nOrt\nAlte Nationalgalerie\, Bodestraße 1-3\, 10178 Berlin\nDi bis So 10 bis 18 Uhr\, montags geschlossen\nEintritt 16 Euro\, ermäßigt 8 Euro
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SUMMARY:Moritz Lindur: ZERO in der Galerie Gegen & Lücke
DESCRIPTION:“ZERO”\nMoritz Lindur\n16.10. – 21.11.2026 \nKnown as the name of the artists’ group founded in Düsseldorf in the post-war years\, ZERO described a ‘zero hour’ following the horrors of the Second World War – a new beginning in the form of art reduced in both form and content\, whose primary aim was aesthetic. Moritz Lindur calls for nothing less than such a radical new beginning\, whilst pursuing a fundamentally contrasting approach. Far from being depoliticised\, the works of his untutored artist spring from an attitude that regards the private sphere as inevitably political\, making it almost impossible for the viewer not to take a political stance\, or at least to take a position on the subject matter\, when viewing them. In doing so – free from any institutional constraints – he works across genres and employs a formal language that\, in its aesthetics and methods\, repeatedly draws upon the written and spoken word. In terms of both form and content\, Lindur’s works leave no doubt that the artist is aware of the increasingly pervasive multiple crises of an era in which ever-larger sections of the world’s population live in precarious circumstances\, whilst a numerically small elite accumulates ever greater wealth. This impression is reinforced by a manifesto\, written by Lindur himself and reproduced as a take-away for all visitors to the exhibition\, in which Lindur\, for the first time\, not only highlights injustices and makes them visible but actively seeks solutions and puts them up for collective reflection and implementation. (…) \nText: Elsa Mack \nAusstellungsdauer\n16. Oktober bis 21. November 2026 \nOrt\nGalerie Gegen & Lücke\nRosa-Luxemburg-Straße 35\, 10178 Berlin\nMi bis Sa 12 bis 18 Uhr \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nZERO bei Gegen & Lücke läuft vom 16. Oktober bis 21. November 2026. Die Galerie liegt in der Rosa-Luxemburg-Straße 35 in Berlin-Mitte\, wenige Schritte vom U-Bahnhof Rosa-Luxemburg-Platz\, und gehört zu den von Culterim betriebenen Kunsträumen. Geöffnet ist Mittwoch bis Samstag von 12 bis 18 Uhr. Der englische Text zur Ausstellung stammt von Elsa Mack.
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SUMMARY:Porträts! Überraschende Begegnungen von Botticelli bis Lempicka
DESCRIPTION:Wie sehen wir uns selbst – und wie wollten Menschen zu verschiedenen Zeiten gesehen werden? Mit der großen Sonderausstellung „Porträts! Überraschende Begegnungen von Botticelli bis Lempicka“ lädt die Gemäldegalerie zu einer Reise durch die Geschichte der Porträtkunst ein. Bildnisse aus sechs Jahrhunderten treten in unerwartete Dialoge und werfen Fragen zu Fremd- und Selbstwahrnehmung\, Inszenierung\, Status und Individualität auf. Meisterwerke von Künstler*innen wie Botticelli und Lempicka\, Dürer und Giorgione\, Rubens und Gainsborough oder Therbusch und Largillière stehen einander gegenüber und offenbaren dabei verblüffende Gemeinsamkeiten. \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nDie Ausstellung Porträts in der Gemäldegalerie Berlin läuft vom 16. Oktober 2026 bis 14. März 2027 am Kulturforum im Bezirk Tiergarten. Rund 90 Werke werden paarweise gegenübergestellt\, gegliedert in vier Kapitel. Der Eintritt kostet 16 Euro\, ermäßigt 8 Euro. \nAusstellungsdauer\n16. Oktober 2026 bis 14. März 2027 \nOrt\nGemäldegalerie\, Johanna-und-Eduard-Arnhold-Platz / Matthäikirchplatz\, 10785 Berlin\nDi bis So 10 bis 18 Uhr\, montags geschlossen\nEintritt 16 Euro\, ermäßigt 8 Euro
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SUMMARY:Cesar Klein. Bild Raum Bühne im Bröhan-Museum
DESCRIPTION:Cesar Klein (1876–1954) war ein moderner Universalkünstler\, der die Grenzen zwischen freier und angewandter Kunst mit beeindruckender Vielseitigkeit überschritt. Sein Schaffen umfasste nicht nur Malerei und Grafik\, sondern auch Innenarchitektur sowie die Gestaltung von Mosaiken\, Glasfenstern\, Möbeln und Porzellan. Darüber hinaus prägte er als Bühnenbildner und Filmausstatter das kulturelle Leben im Berlin der Weimarer Republik maßgeblich. \nAls bildender Künstler wirkte Klein entscheidend an den wichtigsten Avantgardeströmungen der Vor- und Zwischenkriegszeit mit. 1910 gehörte er zu den ersten Mitgliedern der Neuen Secession\, gemeinsam mit expressionistischen Künstlern wie Max Pechstein. Einen Ruf an das neu gegründete Bauhaus lehnte Klein 1919 ab. Stattdessen übernahm er die Leitung einer Klasse für Dekorationsmalerei an der Berliner Unterrichtsanstalt des Kunstgewerbemuseums\, vertiefte seine Kontakte in die Kunst- und Theaterwelt und wurde in den 1920er Jahren zu einem gefragten Bühnenbildner und Raumgestalter – prägend sowohl für das expressionistische Theater als auch für die Formensprache des deutschen Art Déco. Während der NS-Zeit verlor Klein seine Professur\, erhielt Malverbot und wurde als „entartet“ diffamiert; zahlreiche seiner Werke wurden aus öffentlichen Sammlungen entfernt. Ausschließlich im Bereich des Bühnenbilds konnte er weiterhin tätig bleiben. Nach dem Zweiten Weltkrieg wandte er sich erneut intensiv der Malerei zu und schuf ein eindrucksvolles Spätwerk. \nKleins Werdegang verdeutlicht die herausgehobene Rolle Berlins ab den 1910er Jahren. Denn diese Karriere war durch Berlin\, aber auch so nur in Berlin möglich. Cesar Klein war intensiv mit involviert in Berlins Aufstieg zur unumstrittenen Kulturhauptstadt Deutschlands in der Weimarer Republik. Als wichtiger Maler des deutschen Expressionismus knüpfte er an das von der englischen Arts-and-Crafts-Bewegung geprägte Kunstverständnis an\, nach dem Künstler auch angewandt arbeiten und sich der Gestaltung von Objekten und Räumen widmen sollten. So schuf er in der Hauptstadt Interior Design für Kinos und Theater und arbeitete als Szenograf und Bühnenbildner auch für Film- und Theaterinszenierungen. \nCesar Klein zählt zweifellos zu den bedeutendsten Vertretern der Berliner Moderne\, sowohl in der freien Kunst als auch im angewandten Bereich. Dennoch wurde ihm in Berlin bisher keine monografische Ausstellung gewidmet. Der 150. Geburtstag des Künstlers bietet nun den Anlass\, sein Schaffen mit einer groß angelegten Schau – gezeigt werden rund 200 hochkarätige Leihgaben – in Berlin zu würdigen. \nDie Realisierung des Projektes wird aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds ermöglicht. \nGefördert durch die Ernst von Siemens Kunststiftung: „Wir freuen uns\, den umfangreichen Katalog dieses außergewöhnlichen Ausstellungsprojekts unterstützen zu können. Cesar Klein und Siemens\, das ist keine abstrakte Fördergeschichte. Es ist eine enge Verbindung\, die sich bis heute in Stein manifestiert. Denn Cesar Klein entwarf 1913 für das Berliner Hauptgebäude der damaligen Siemens & Halske AG den eindrucksvollen Marmormosaikfußboden\, der sich bis heute erhalten hat.“\, so Dr. Martin Hoernes\, Generalsekretär der Ernst von Siemens Kunststiftung. \nGefördert durch den Freundeskreis Cesar Klein e.V. \nDie TheaterGemeinde Berlin hat durch ihre finanzielle Unterstützung den Nachbau eines Bühnenbildes von Cesar Klein ermöglicht. \nMedienpartner: Wall GmbH\, rbb24 Inforadio\, radio3\, tip\, The Berliner\, Dinamix \nBEGLEITPROGRAMM\nKostenlose öffentliche Führungen (zzgl. Museumseintritt): an jedem Samstag\, 15 Uhr\, Anmeldung nicht erforderlich\nKostenlose öffentliche Kuratorinnen-Führungen (zzgl. Museumseintritt): So\, 1.11.\, 10.1.\, 21.2.\, 16 Uhr\, Anmeldung nicht erforderlich\nTheater machen! Vortrag mit anschließender Diskussion\, umrahmt von Musik und Puppenspiel: Sa\, 14.11.\, 18 Uhr\, Eintritt frei\, Anmeldung nicht erforderlich\nKultur für alle! Diskussion\, umrahmt von Musik: Do\, 4.2.\, 18 Uhr\, Eintritt frei\, Anmeldung nicht erforderlich\nBühnenbilder und szenische Räume. Diskussion: Fr\, 26.2.\, 18 Uhr\, Eintritt frei\, Anmeldung nicht erforderlich\nLieber Rhythmus. Musikalische Hommage an Cesar Klein: Fr\, 12.3.\, 18 Uhr\, Eintritt frei\, Anmeldung nicht erforderlich \nKuratorin der Ausstellung: Dr. Anna Grosskopf\nAusstellungsgestaltung: Katleen Arthen \nÖffnungszeiten: Di bis So von 11 bis 18 Uhr und an allen Feiertagen (24. und 31.12. geschlossen)\nEintritt: 9\,- €\, erm. 6\,- €\nHappy Wednesday: Jeden 1. Mittwoch im Monat gilt ein Einheitspreis von 4\,- € für alle. \nZur Ausstellung erscheint ein Katalog im DCV Verlag: 248 Seiten\, zahlreiche Abb. Preis: 28\,- Euro an der Museumskasse \nAusstellungsdauer\n15. Oktober 2026 bis 29. März 2027 \nOrt\nBröhan-Museum\, Schloßstraße 1a\, 14059 Berlin
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SUMMARY:Chodowiecki 300 – Berliner Künstlerinnen um 1800 im Knoblauchhaus
DESCRIPTION:Vom 14. Oktober bis zum 29. November präsentiert das Berlin Museum im Knoblauchhaus die Ausstellung „Chodowiecki 300 – Berliner Künstlerinnen um 1800“. Der Grafiker Daniel Chodowiecki (1726–1801) gehört zu den bekanntesten Künstlern seiner Zeit. Zu seinem 300. Geburtstag richtet die Ausstellung den Blick nicht nur auf seine Meisterwerke\, sondern auch auf Frauen aus seinem Umfeld\, die lange kaum beachtet wurden. \nGezeigt werden Arbeiten seiner Töchter und Schülerinnen\, die sich um 1800 ihren Platz in der Kunst erkämpften – in einer Zeit\, in der Frauen nur wenig Möglichkeiten hatten\, künstlerisch tätig zu sein. Daniel Chodowiecki gab ihnen als Zeichenlehrer Freiraum für ihre Kreativität. Eine regelmäßig stattfindende akademische Kunstausstellung bot ihnen außerdem die Chance\, ihre Werke der Öffentlichkeit vorzustellen. \nAnhand von Zeichnungen und Druck-Grafiken erzählt die Ausstellung von Talent\, Ausbildung und Durchhaltevermögen. Sie macht sichtbar\, wie diese Berliner Künstlerinnen arbeiteten\, welche Hindernisse sie überwinden mussten und warum sie heute neu entdeckt werden. \nMit Werken von: Suzette Henry\, Louis Claude\, Henriette Le Coq\, Manon Hainchelin\, Antoinette und Henriette Félicité Tassaert\, Daniel Chodowiecki und Anton Graff. \nChodowiecki 300 – Berliner Künstlerinnen um 1800\nLaufzeit: 14.10.–29.11.2026\nOrt: Knoblauchhaus | Poststraße 23 | 10178 Berlin\nWeb: www.berlin.museum/ausstellung/chodowiecki-300 \nEine Kooperation mit der Kunstsammlung der Akademie der Künste \nDie Kabinettausstellung ist Teil des sammlungs- und länderübergreifenden Verbundprojekts „Chodowiecki 300“ anlässlich des 300. Geburtstags von Daniel Chodowiecki. \nBildnachweis:\n„Cabinet d´un peintre“ (Kabinett eines Malers)\, Radierung von Daniel Chodowiecki\, Berlin\, 1772 (von links nach rechts: Jeanne Barez\, Jeanette\, Susanne und Henriette Chodowiecka\, Isaac Heinrich\, Wilhelm und Daniel Chodowiecki)\n© Sammlung Stiftung Stadtmuseum Berlin \nBegleitprogramm \nDo | 05.11. | 16 – 17.30 Uhr\nDaniel Chodowiecki und seine Schülerinnen\nKunstausbildung im Berlin des 18. Jahrhunderts\nVor 240 Jahren hatten Frauen meist keinen Zugang zu einer Kunstausbildung. Der Berliner Grafiker ermöglichte sie ihnen. Die Töchter von Daniel Chodowiecki und ihre Freundinnen lernten bei ihm das Zeichnen und die Pastell-Malerei. Für die damalige\, von Männern geprägte Gesellschaft war das außergewöhnlich. \nAls Vizedirektor der Kunstakademie unterstützte Chodowiecki die angehenden Künstlerinnen auch über den Unterricht hinaus. Er vermittelte ihnen Kontakte in die Berliner und Dresdner Kunstszene und ermöglichte ihnen\, an der Jahresausstellung der Kunstakademie teilzunehmen – ein wichtiger Schritt auf dem Weg zu einer künstlerischen Karriere.\nVeranstaltungsort: Knoblauchhaus | Poststraße 23 | 10178 Berlin\nEintritt: 12 Euro | ermäßigt 3 Euro \nAusstellungsdauer\n14. Oktober bis 29. November 2026 \nOrt\nKnoblauchhaus\, Poststraße 23\, 10178 Berlin\nDi bis So 10 bis 18 Uhr\, montags geschlossen\nEintritt 7 Euro\, Kombi-Ticket 15 Euro (Nikolaikirche\, Ephraim-Palais\, Knoblauchhaus)
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SUMMARY:Russell James »It’s About Time« in der Galerie CAMERA WORK
DESCRIPTION:Russell James ist zurück: Vom 10. Oktober bis zum 14. November 2026 zeigt die Galerie CAMERA WORK die Ausstellung »It’s About Time« mit mehr als 30 Werken. Unter den präsentierten Fotografien befinden sich zahlreiche neue Akte und Porträts\, die weltweit erstmals ausgestellt werden. Darüber hinaus werden berühmte sowie bislang unbekannte »Backstage«-Fotografien von Russell James vorgestellt. Anlässlich der Ausstellung erscheint das neue Fotobuch von Russell James unter dem gleichen Titel: »It’s About Time«. \n»It’s About Time« spannt einen Bogen über drei Jahrzehnte und ist dabei weit mehr als eine Retrospektive. Die Ausstellung macht die ästhetischen Leitlinien sichtbar\, die sich durch das Gesamtwerk von Russell James ziehen. Die unterschiedlichen Motivgattungen verbinden sich zu einer geschlossenen Bildsprache: So finden Körperlinien im Akt ihre Entsprechung in der Formgebung natürlicher Elemente\, während sich die Atmosphären des Naturraums in den Porträts widerspiegeln. Besondere Lichtstimmungen durchziehen alle Genres und schaffen ein Spannungsfeld zwischen klassischer und zeitgenössischer Schönheit. \nIm Zentrum der Akte und Porträts stehen die thematische Auseinandersetzung und das künstlerische Zusammenspiel mit Frauen\, die die Gegenwart prägen – darunter Fashion Models\, Entrepreneurs und Role Models wie Gisele Bündchen\, Heidi Klum\, Alessandra Ambrosio\, Kendall Jenner\, Adriana Lima\, Lady Gaga und Taylor Swift. Damit führt Russell James die fotografische Tradition von Künstlern wie Herb Ritts und Patrick Demarchelier im 21. Jahrhundert fort. \nDie Ausstellung in der Galerie CAMERA WORK bildet den Auftakt einer internationalen Ausstellungsreihe von Russell James\, die in Museen und Kunstinstitutionen weltweit fortgesetzt wird. \nIn der Ausstellung wird das neue Fotobuch »It’s About Time« vorgestellt. Auf mehr als 350 Seiten vereint es die bekanntesten Fotografien von Russell James mit zahlreichen bislang unveröffentlichten Arbeiten. Mit Hunderten von Abbildungen\, Backstage-Fotografien\, begleitenden Texten und Beschreibungen sowie einem Vorwort von Kris Jenner zeichnet das Buch den außergewöhnlichen Weg von Russell James nach und zeigt\, wie seine Fotografie eine Epoche und eine Generation geprägt hat. \nBereits vor der offiziellen Veröffentlichung im November dieses Jahres ist »It’s About Time« in limitierter Stückzahl anlässlich der Ausstellung in der Galerie CAMERA WORK erhältlich. \nAusstellungsdauer\n10. Oktober bis 14. November 2026 \nOrt\nGalerie CAMERA WORK\, Kantstraße 149\, 10623 Berlin\nDienstag bis Samstag 11 bis 18 Uhr
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SUMMARY:Rubens\, Jordaens\, van Dyck – Flämische Meisterzeichnungen
DESCRIPTION:Erstmals nach fünfzig Jahren präsentiert das Kupferstichkabinett wieder eine Ausstellung mit mehr als 100 herausragenden Zeichnungen von 28 flämischen Künstlern aus seinem Bestand. Die oft erstaunlich malerischen\, kraftvollen Zeichnungen entstanden zwischen 1570 und 1650 und erlauben faszinierende Einblicke in den kreativen Schaffensprozess\, entstanden sie doch selten als Selbstzweck\, sondern vielmehr in Vorbereitung für ein auszuführendes Werk. Die beeindruckende Breite der Themen reicht von christlichen und allegorischen Szenen über mythologische und historische Motive bis hin zu Genreszenen\, Porträts\, Stillleben und Landschaften. \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nDie Flämischen Meisterzeichnungen im Kupferstichkabinett sind vom 10. Oktober 2026 bis 31. Januar 2027 am Kulturforum im Berliner Bezirk Tiergarten zu sehen. Das Kupferstichkabinett gehört zu den Staatlichen Museen zu Berlin. Der Eintritt zur Sonderausstellung kostet 8 Euro\, ermäßigt 4 Euro. \nAusstellungsdauer\n10. Oktober 2026 bis 31. Januar 2027 \nOrt\nKupferstichkabinett\, Johanna-und-Eduard-Arnhold-Platz / Matthäikirchplatz\, 10785 Berlin\nEintritt 8 Euro\, ermäßigt 4 Euro
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SUMMARY:Tanja Ostojić: ENCOUNTERS — On Bodies\, Borders\, Resistance
DESCRIPTION:ENCOUNTERS ist die erste umfassende Überblicksausstellung der in Berlin lebenden Künstlerin Tanja Ostojić in Deutschland. Als Pionierin feministischer und postmigrantischer künstlerischer Praxis beschäftigt sie sich seit den 1990er Jahren mit Fragen von Migration\, Körperpolitiken\, Geschlechterverhältnissen sowie institutionellen Macht- und Ausschlussmechanismen. Ihre Arbeiten bewegen sich zwischen Performance\, Video\, Installation und Konzeptkunst und entstehen häufig in engem kollaborativen Austausch. \nDie Ausstellung versammelt zentrale Werke aus den vergangenen 25 Jahren sowie neue Produktionen und macht die anhaltende Relevanz von Ostojićs Praxis für aktuelle gesellschaftliche Debatten sichtbar. Ein begleitendes Programm mit Artist Talk\, Round Table und Workshop vertieft die Auseinandersetzung mit den Themen der Ausstellung. \nDas Projekt entsteht in Kooperation zwischen dem Kunstraum Kreuzberg/Bethanien und alpha nova & galerie futura. \nEröffnung: Freitag\, 23. Oktober 2026 ab 17 Uhr\n19 Uhr Begrüßung Stéphane Bauer (Leiter Kunstraum Kreuzberg/Bethanien)\, Katharina Koch und Sylvia Sadzinski (Kuratorinnen der Ausstellung)\n20 Uhr: Auftritt Antifachor \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nTanja Ostojić ENCOUNTERS ist vom 24.10.2026 bis 14.02.2027 im Kunstraum Kreuzberg Bethanien am Mariannenplatz 2 in Kreuzberg zu sehen. Der Kunstraum zeigt Gruppen- und Themenausstellungen zu sozialen und kulturellen Gegenwartsprozessen. Geöffnet ist täglich von 10 bis 20 Uhr\, der Eintritt ist frei.
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SUMMARY:Susanne Ahner – „Marmorpalais“
DESCRIPTION:Susanne Ahner geht in ihrer künstlerischen Arbeit stets von Orten und Räumen aus. Im Falle der Ausstellung Marmorpalais im Projektraum des Vereins der Berliner Künstlerinnen 1867 richtet sie ihren Blick als Bildhauerin auf den grau-wolkigen Marmorboden\, der dem ehemaligen Antiquitätengeschäft einen Hauch von repräsentativer Kostbarkeit verleihen sollte.\n\nVom Boden aus entspannt Ahner ein Geflecht an Bezügen. Der Marmor führt sie zurück in ihre Kindheit\, bestand doch der Boden ihres Elternhauses aus unregelmäßig gebrochenen Marmorplatten unterschiedlicher Provenienz und Färbungen. Diesen implantiert Ahner nun in die vorhandenen Marmorfliesen – ein kunstvoller Hinweis auf die verbreiteten Natursteinimitate. Ahner verknüpft insofern Erinnerung hier eng mit den Gegebenheiten des Ausstellungsraums. Zugleich verweist das Zusammenspiel von Bodenplatten und Fotografien auf die große Bandbreite im Einsatz von Marmor – echt\, als steinerner Fake oder als Imitationsmalerei\, historisch wie aktuell.\n\nSusanne Ahner ist die fünfte Trägerin des Marianne-Werefkin-Preises. Der Preis wird seit 1990 vom Verein der Berliner Künstlerinnen1867 ausgelobt. Zu der Zeit war er der einzige Kunstpreis in Deutschland\, der ausschließlich an Künstlerinnen vergeben wurde.\n\nSusanne Ahner – „Marmorpalais“\n16. Oktober – 22. November 2026 \nProjektraum des Vereins der Berliner Künstlerinnen 1867 (VdBK1867)
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SUMMARY:Sol Namgung – „Everybody Knows This is Nowhere“
DESCRIPTION:Die FWR Galerie präsentiert ihre zweite Einzelausstellung mit der südkoreanischen Künstlerin Sol Namgung. Unter dem Titel „Everybody Knows This is Nowhere“ sind in Berlin ihre neuesten Malereien auf Leinwand zu sehen. \nLiebe Sol\, Deine zweite Soloshow bei FWR Galerie trägt den Titel Everybody Knows This Is Nowhere. Dies ist auch der Titel einer Malerei in der Ausstellung\, einem Mittelformat\, das von kreisförmig angeordneten Dreiecksformen in dunklen Blautönen geprägt ist. Es könnten die Silhouetten von Bäumen oder Bergen sein. Mittig glüht eine Art Lichtung im magischen Übergang von Gelb Orange-Rosé. Der Titel greift Neil Youngs bekanntestes Album (1969) auf. Inwiefern ist Musik für dieses Bild und deine Arbeit im Studio inspirierend? \nIch höre meistens Musik ohne Text\, wie z.B. Ambient Musik\, cinematische Musik und Klassik\, um eine Atmosphäre für ein Bild und im Atelier zu inszenieren. Dann beginne ich ein Bild mit einer passenden Farbe\, die zur Stimmung passt\, ohne Vorlage. Tagelang\, wochenlang schaue ich mir das Bild an und fülle es Schritt für Schritt. Ich male mal schnell und mal langsam und lost. Das Bild mit dem Ausstellungstitel stand lange in einer Ecke im Atelier. An einem Abend habe ich das Album Everybody Knows This Is Nowhere von Neil Young auf dem Schallplattenspieler meines Freundes gehört. Als ich dem Lied mit demselben Titel lauschte\, ist mir das „verlorene“ Bild eingefallen\, und auf einmal hatte ich einen Titel dafür. Genauso sind meine Malereien keine Abbildungen von einem bestimmten Ort\, sondern ein Raum\, wo gesehene Landschaft eine neue erschafft. Ein Ort\, der existiert\, aber nicht wirklich ist. Der Titel des Lieds hat quasi bei mir „angeklopft“. Und so verwandelt sich manchmal ein Wort\, ein Satz oder eben ein Liedtitel in ein Bild. \nVor deinen Bildern stehend gerät man ins Träumen. Was sich auf den ersten Blick als Landschaft präsentiert – hier ein See\, dort Bäume\, Büsche\, weiters Himmel\, Sonne\, Mond -\, wirkt beim zweiten Hinschauen unwirklich. Himmel und Meer tragen spiegelbildlich dasselbe Blau\, oder Sonne und Mondsichel stehen zeitgleich in einem karminroten Farbgrund\, ein perlenartiges Band schiebt sich vor den Horizont. Woher nimmst du deine landschaftlichen Impressionen? Und wie kommt es zu den surrealen Momenten in deiner Bilderwelt? \nIch nehme oft die Landschaften als Bildmotive\, die ich gerne betrachte. In meiner Heimat Chuncheon in Korea sehe ich die Berge aus dem Fenster. Egal\, wohin ich laufe\, stehen die Berge um mich herum\, während die Stadt mit Gebäuden\, Autos\, Straßen und Menschen voll ist. Natur wirkt hier wie eine Leerstelle. Und so kann mein Blick abseits der Hektik der Stadt sich ausruhen auf den Bergen\, den Bäumen\, dem Meer und dem Himmel. Auch auf meinen Reisen suche ich die Ruhe der Landschaft\, fern vom Lärm. Ich mache oft Fotos von Ausschnitten des Himmels\, dem Panorama. Immer wieder finde ich neue\, ungewöhnliche Perspektiven und erlerne dadurch die Dynamik der Linien\, neue Farben und Formen. Bilder vom Tag\, Bilder in der Nacht – ich sammle verschiedene\, und aus den Afterimages entsteht dann eine neuartige Landschaft. Vielleicht entsteht dadurch der surreale\, entrückte Eindruck. \nDein Farbauftrag ist besonders. Du gibst die Ölfarbe auf die pure Leinwand\, in nur einer Berührung. Es ist \,als ob deine Malerei „atmet“. Haben dein Handwerk und die daraus resultierende Ästhetik womöglich Verbindungen zur koreansichen Malerei – oder auch dem Film\, Mode? \nFrüher hatte ich keine Kenntnisse über koreanische Malerei. Seit ich in den USA und Deutschland Kunstmuseen besucht und die westliche Kunst erlebt habe\, fand ich erst meinen Geschmack heraus. Danach habe ich oft Ausstellungen der koreanischen alten und modernen Malerei in Korea besucht\, um die Kunst meiner Herkunft aus neuen Perspektiven zu betrachten. Die Materialien der traditionellen koreanischen Malerei sind Wasser\, Muk (Tusche) und koreanisches Papier. Die Pinselstriche werden in einem Zug entschieden. Die Stellen\, die nicht bemalt werden\, bleiben leer und trocken. Die Leere ist ein wesentlicher Teil der Komposition\, da sie das Bild atmen lässt. Es ist eine entschiedene Malerei\, die entleert und dadurch gefüllt ist. Durch das Anschauen solcher Werke habe ich das Füllen und Leeren\, und den Charme der trockenen Oberfläche des Bildes kennengelernt. Seither bin ich in die moderne Malerei von Lee Ufan\, Yun Hyong-keun und Yoo Young-kuk verliebt. Sie ist ruhig\, dramatisch\, schlicht und pathetisch. Ich möchte auch solche Bilder malen\, die das Essentielle zur Sprache kommen lassen.\n\nDeine Bildkompositionen oszillieren zwischen Figuration und Abstraktion. Anlass für diese Indifferenz ist deine auffallend minimalistische Formensprache. Visuelle Unschärfen lassen Vorder-und Hintergrund sowie die Grenze zwischen Farbe und Motiv verschwimmen. Alles im Bild wirkt losgelöst von Raum und Zeit. Folgst du in deiner Bildgestaltung einem zuvor festgelegten Konzept\, gibt es Vorstudien? Oder lässt du dich in einem intuitiven Prozess leiten? \nMein jüngstes Reiseziel wird oft zum Motiv für eine neue Werkreihe. Es können Berge\, das Meer\, ein Garten\, der letzte Sonnenaufgang oder auch nur eine Hecke oder ein einzelner Vogel am Himmel sein\, die ich zuletzt beeindruckt angeschaut habe. Ich male ohne Skizzen oder Zeichnungen als Vorlage. Das Malen ist für mich keine Aufgabe\, bei der ich festen Vorgaben folge\, sondern ich erlaube mir die Zeit für einen freien Ausdruck. Beim Malen wird die erlebte Landschaft von mir innerlich verarbeitet. Manchmal dauert es bei einem Bild zwei Tage oder mal ein halbes Jahr. Jedes Bild hat sein eigenes Tempo. Im Lauf des Prozesses kann das eigentliche Bildmotiv in der Farbe verschwinden\, die Grenze zwischen Vorder- und Hintergrund verunklaren\, und dadurch ein neuers Zeit-/ Raumkontinuum auf der Leinwand entstehen. Durch den langsamen und konstanten Prozess sehe ich schließlich\, wie meine Malerei das Bild formt. \nDeine Malerei wirkt wahrhaftig und tief ergreifend. Angesichts deines wiederkehrenden Motivs von der „Welle“ fühlte ich mich erinnert an eine Erzählung der koreanischen Dichterin Han Kang: „(…) In der Entfernung wirkt das Meer eher gleichmäßig bewegt\, und die Wellenkämme erinnern an die Schuppen unzähliger Fische. Myriaden glitzernder Partikel\, die ständig hin und her gewälzt werden – doch nichts ist unendlich.“ In diesen Worten verbindet sich leise Poesie gepaart mit Melancholie\, die von der Widerstandskraft des menschlichen Daseins erzählt. Welche persönlichen Empfindungen gehen in deine Malerei ein? Und welche Beobachtungen zur Befindlichkeit des Menschen heute machst du? \nIch bin glücklich und doch besorgt. Unglücklich und vergnügt zugleich. Leid und Hoffnung bestehen nebeneinander. Ich denke\, es gibt keinen absoluten Zustand. Nur das Dazwischen. Freude wie Leid vergehen. In dieser Verschwommenheit versuche ich trotzdem\, nicht pessimistisch zu sein. Ich kreiere mir kleine Wünsche und erste Erfolge. Ich richte meinen Blick hier und dorthin und lerne die Welt immer weiter kennen. Malerei ist für mich eine Spiegelung von Gedanken\, die sich nicht in Worte fassen lassen. Es ist meine Art und Weise\, Bedeutungen im Sonnenaufgang und in den endlosen Wellen zu finden und dem zu folgen\, was mich bewegt. Heutzutage gibt es die Neigung\, etwas Ultimatives und Absolutes zu verfolgen. In diesem Entweder-oder-Phänomen sehe ich vor allem Trennendes. Ich versuche hingegen nicht zu vergessen\, dass in allem immer auch eine andere Seite oder etwas dazwischen verborgen. \nSol Namgung – „Everybody Knows This is Nowhere“\n\n\n\n9. Oktober 2026 – 28. November 2026 \n\n\n\nFWR Galerie
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SUMMARY:Esther Naused - Transparenzen in der Wichtendahl Galerie
DESCRIPTION:Aus dem Zusammenspiel von kompakten und transparenten Farbflächen\, aus breiten und schmalen Pinselstrichen eröffnen sich in Esther Nauseds Tuschemalerei geheimnisvolle Bildräume von großer Tiefe. Es erscheinen Durchblicke und Spiegelungen\, offene und geschlossene Räume\, gleißendes Licht und dunkle Schatten. Mal wirken ihre Arbeiten reduziert und licht\, mal durch Schattierungen\, Überlagerungen und Durchdringungen sehr komplex\, lassen sich nicht sofort erschließen. Aber immer zieht das strahlende Licht den Blick in die Tiefe des Bildraumes\, erschafft eine ganz besondere Atmosphäre. \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nDie Ausstellung Transparenzen mit Esther Naused in der Wichtendahl Galerie läuft vom 16. Oktober bis 28. November 2026. Die Galerie in der Carmerstraße 10\, 10623 Berlin\, präsentiert aktuelle Kunst mit einem Schwerpunkt auf dem Material Papier als Medium der zeitgenössischen Kunst. Geöffnet ist dienstags bis freitags von 14 bis 18 Uhr und samstags von 13 bis 17 Uhr\, nach Vereinbarung auch außerhalb dieser Zeiten.
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/esther-naused-transparenzen-2/
LOCATION:Wichtendahl Galerie\, Carmerstr. 10\, Berlin\, 10623\, Deutschland
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SUMMARY:NEXT LEVEL SH*T in der INSELGALERIE Berlin
DESCRIPTION:Analog war gestern? Digital ist Morgen? Alles ist jetzt! NEXT LEVEL SH*T – die 300. Ausstellung der INSELGALERIE Berlin öffnet am Donnerstag\, 22. Oktober 2026\, die Tür zu einer Welt\, in der sich digitale und analoge Realitäten überschneiden. Wir begeben uns in einen Erfahrungsraum zwischen Zeichnung\, Malerei\, Collage\, Virtual Reality\, Augmented Reality und Künstlicher Intelligenz: farbintensiv\, skurril\, poetisch und kritisch entstehen Bildwelten\, die vertraute Wirklichkeiten aus dem Takt bringen.\nNext Level Sh*t mit Katia Sophia Ditzler\, Maria Korporal\, Ala Leresteux und Katrin Salentin\, kuratiert von Kim Dotty Hachmann und Miriam Smidt\, fragt nicht nach der Zukunft der Kunst\, sondern zeigt\, wie sie aussieht: zwischen organischen Strukturen und virtuellen Körpern\, zwischen generierten Bildern und eigener Handschrift\, menschlicher Fantasie und maschineller Bilderzeugung. Die Arbeiten verbinden digitale und analoge Verfahren zu neuen\, manchmal absurden\, manchmal verstörend schönen Bildräumen und bringen uns an die Grenzen unserer Vorstellungskraft\, wenn wir es erlauben.\nKatia Sophia Ditzler arbeitet mit poetischen KI-Filmen\, erweiterter und virtueller Realität. Ihre Werke bewegen sich zwischen dokumentarischer Realität und Mythos\, zwischen poetischer Überhöhung und ironischem Bruch. Generative KI wird dabei zum Werkzeug für neue Erzählformen – und zum Gegenstand der Auseinandersetzung mit Erinnerung\, Wirklichkeit und der Frage\, wer heute Bilder und Geschichten erzeugt.\nMaria Korporal lässt Sie die Büchse der Pandora öffnen. In ihren Qorporal Quests verschränken sich Zeichnung\, Collage\, Virtual und Augmented Reality zu hybriden Bildräumen. Analoge Fragmente treffen auf digitale Erweiterungen\, Körper und Landschaften geraten in Bewegung. Zwischen realem Material und virtueller Überlagerung entstehen Welten\, in denen sich Möglichkeiten und Widersprüche der technologisierten Gegenwart unmittelbar begegnen.\nAla Leresteux führt mit ihren detailreichen Punktierungen und organisch-surrealen Bildwelten mitten hinein in den Körper. Ihre analoge Malerei trifft auf eine expressionistische VR-Reise\, in der innere und äußere Räume ineinanderkippen. Zellen\, Gefäße\, kosmische Strukturen und menschliche Gestalt verbinden sich zu einem farbintensiven Kosmos zwischen Wissenschaft\, Vorstellung und Wahrnehmung.\nKatrin Salentin zerlegt die glatte Bilderwelt unserer Gegenwart und setzt sie neu zusammen. Ihre leuchtenden Collagen in Pink- und Rottönen im intensiven Kontrast mit Türkis bevölkern körperartige Kreaturen und hybride Gebilde. Zwischen digitaler Konstruktion\, Fragment und Verfremdung entsteht eine irritierend schöne Bildwelt\, in der die Frage nach dem echten\, künstlich erzeugten und manipulierten Bild nie ganz zur Ruhe kommt.
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LOCATION:INSELGALERIE Berlin\, Petersburger Straße 76 A\, Berlin\, 10249\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung
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SUMMARY:Christoph Radke\, Wassermusik in der Kunststiftung K52
DESCRIPTION:Wasser ist der flüssige Aggregatzustand der chemischen Verbindung H2O. Es ist die Grundlage allen Lebens auf der Erde und doch wird Wasser im Alltag meist nicht beachtet\, verschmutzt oder verschwendet. Christoph Radke fotografiert seit vielen Jahren Wasser in allen Zuständen\, flüssig\, verfestigt als Eis oder im gasförmigen Zustand. Mit der Ausstellung Wassermusik präsentiert er ein facettenreiches Bild dieses lebensbestimmenden Elementes\, das als einziger Stoff auf der Erde im festen\, flüssigen und gasförmigen Zustand vorkommt. \nDie zum Teil schwarz-weißen Fotos hat Radke in verschiedenen Erdregionen aufgenommen. Wasser als Lebensraum zeigen Fotografien aus dem Mekong-Delta in Vietnam. Durcheinander wirbelnde Fische und das Gerippe von Fischgräten verweisen auf Wasser als Lebensraum. Größere Prints erscheinen wie Erinnerungen an Erlebtes: Jungen in Varanasi auf Booten im Ganges sind erkennbar\, aber die Bilder haben in ihrer weichen Struktur etwas traumhaftes. Ähnlich wird die Gischt von Brandung und Felsen auf der Insel Elba präsentiert. Die Wellen erscheinen bedrohlich\, alles mischt sich zu einer wirbelnden Struktur\, in der auf einem Bild ganz klein zwei Menschen zu erkennen sind. \nEine große zwölfteilige Arbeit dreht sich um Stimmungen. Die Collage changiert zwischen Wasserbewegungen und Spiegelungen\, in die Bilder wie die Arche Noah zart eingewirkt sind. Etliche Fotografien wirken abstrakt\, obwohl sie tatsächlich reale Situationen zeigen wie einen Öltropfen auf einer Wasserfläche in einer Schale. Gefrorenes Wasser kristalliert sich als zart farbiges Strukturenmuster auf zwei größeren Prints. Den Abschluss der Ausstellung bildet ein wandfüllendes Video\, das in langsamer Bewegung Wolken (Wasserdampf) überblendet mit Aufnahmen von Meern\, Flüssen und Seeen oder Ereignissen am oder im Wasser. Die Ausstellung Wassermusik erscheint wie eine musikalisch wirkende Komposition aus und um Wasser.
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LOCATION:Kunststiftung K52\, Kollwitzstr. 52\, D\, 10405\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung
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SUMMARY:Handlungskörper
DESCRIPTION:Handlungskörper/ Action Bodies präsentiert Objekte\, Skulpturen\, textile Werke und Videoarbeiten aus den späten 1960er-Jahren bis heute. Werke aus der ifa-Kunstsammlung von Franz Erhard Walther\, Sharon Lockhart und Wolfgang Laib treten dabei in einen vielstimmigen Dialog mit Arbeiten von Eglė Budvytytė\, Tales Frey\, Hana Miletić und Silvi Naçi. \n\nKünstler:innen und Werke\n\nEglė Budvytytės (* 1981 in Kaunas\, Litauen; lebt und arbeitet in Vilnius und Amsterdam) Video „Shaking Children“ (2013) entstand aus einem Workshop mit Schüler:innen\, in dem das Schütteln als körperliche Geste erprobt wurde\, mit der sie sich für einen Moment den Rhythmen und Regeln des Schulalltags entziehen können. Es wird zu einer symbolischen Übung\, die dazu einlädt\, den eigenen Körper als Ort von Handlungsspielräumen und des Widerstands neu wahrzunehmen. \nDie Performances von Tales Frey (* 1982 in Catanduva\, Brasilien; lebt und arbeitet in Porto\, Portugal) entfalten sich im Grenzbereich von Tanz\, Skulptur und Textil. Seine Arbeit Conductive Wire (2020) zeichnet im Takt des Metronoms eine Reihe fließender Bewegungen zwischen zwei Performer:innen nach\, die über ein Textil verknüpft sind. So verbindet die Arbeit Nähe und Distanz\, Freiheit und Begrenzung\, Balance und Transformation. \nSeit Ende der 1970er-Jahre stellt das Denken und Schaffen von Wolfgang Laib (* 1950 in Metzingen\, Deutschland; lebt und arbeitet in Schöneberg/Oberschwaben sowie in New York und Südindien) fundamentale Fragen an das menschliche Sein und Handeln als Teil fragiler natürlicher Lebensräume\, auch heute eine Thematik von anhaltender Dringlichkeit. Seine Arbeiten aus Naturmaterialien wie das Werk Haus (1990) aus Bienenwachs\, öffnen dabei innere Räume der Reflexion. \nSharon Lockhart (* 1964 in Norwood\, Massachusetts\, USA; lebt und arbeitet in Los Angeles) zeigt in Four Exercises in Eshkol-Wachman Movement Notation (2011)\, die Beziehung zwischen Körper\, Bewegung und Architektur. Die Videoinstallation ist Teil einer Werkreihe\, die sich dem Leben und Vermächtnis der Tänzerin\, Choreografin und Textilkünstlerin Noa Eshkol widmet\, die in den 1950er-Jahren eine analytisch-geometrische Bewegungsschrift für den Körper entwickelte. \nAusgangspunkt der Serie Materials von Hana Miletić (* 1982 in Zagreb\, Kroatien; lebt und arbeitet in Brüssel) sind Fotografien improvisierter Reparaturen im öffentlichen Raum: mit Klebeband geflickte Fenster\, Türen oder Fahrzeugteile\, die sie in handgewebte Textilien übersetzt. Damit stellt Miletić der beschleunigten und standardisierten Gegenwart eine handwerkliche Arbeitsweise gegenüber und lenkt den Blick auf den Akt des Reparierens und auf fürsorgliches Handeln\, das in den öffentlichen Raum eingeschrieben werden kann. \nSilvi Naçi (* 1987 in Albanien; lebt und arbeitet zwischen Albanien und Los Angeles) beschäftigt sich damit\, wie Körper durch Ausgrenzung\, Gewalt\, Migration\, Erinnerung und Geschlechterdebatten geformt werden und wie sie sich befreien können. Ausgangspunkt für den Film “actions that make my hands hurt” (2019) sind die chronischen Schmerzen in ihren Händen\, die auf die intensive Ausbildung in der Druckgrafik zurückgehen. \nFranz Erhard Walther (* 1939 in Fulda\, Deutschland; lebt und arbeitet in Fulda)\, veränderte als Pionier der partizipativen Kunst den traditionellen Werkbegriff\, indem er die Handlung selbst zur Werkform machte. Seit den frühen 1960er-Jahren schuf Walther aktivierbare textile Skulpturen und ließ das Publikum zu teilnehmenden Akteur:innen werden. Die Handlungskörper von Walther leiten die Besuchenden an\, den Raum im Stehen\, Gehen\, Sitzen oder Liegen zu erkunden. Die Ausstellung präsentiert sein Werk Eingang mit zwei Ausgängen\, frontal\, seitwärts (1973). \nHandlungskörper / Action Bodies\n16. Oktober 2026 – 31. Januar 2027 \nifa-Galerie Berlin
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/handlungskoerper/
LOCATION:ifa-Galerie Berlin\, Linienstraße 139-140\, Berlin\, 10115\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung
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SUMMARY:Lesung von Joerg Waehner in der Ausstellung „camouflage in the flowerfield“ von Ophelia Beckmann
DESCRIPTION:In der Ausstellung von Ophelia Beckmann zeigt der Künstler Joerg Waehner seine Videoarbeit „Yugomania“\, die auf einer Recherchereise nach dem Jugoslawienkrieg entstanden ist. Die Aneinanderreihung von sichtbaren Spuren des Krieges\, Soldatenporträts in gespiegelten Grabsteinen und Fragmente von zerstörten Gebäuden werfen immer wieder die Frage auf\, wie weit die Vergangenheit die Gegenwart beeinflusst. \nIn ihrem künstlerischen Werk reflektiert Ophelia Beckmann Natur in Bezug zum Menschen. Dabei bewegt sie sich zwischen Fotografie\, digitalen Arbeiten\, Malerei\, Objekten und Installationen. Mittels derer transformiert sie ihre inneren Wahrnehmungen zu einer weiteren Ebene von Existenz. \nDie Arbeiten Ophelia Beckmanns greifen bekannte Sujets auf – Naturdarstellungen\, Stillleben\, Landschaften. In erster Linie ist das Blattwerk als Inspirationsquelle\, das aufgrund der klimatischen und weltweit politischen Situation aus der Idee der Camouflage erwachsen ist. Camouflage wird mit Schutz und Tarnung konnotiert. Ein Blatt ist ein Stück Natur\, das durch Photosynthese Sauerstoff erzeugt und CO2 filtert. Es ist Grundlage für Leben\, das durch Klimawandel und Kriegshandlungen bedroht ist. \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nDie Lesung von Joerg Waehner findet am Donnerstag\, 5. November 2026\, um 18:30 Uhr bei ep.contemporary statt. Sie gehört zum Begleitprogramm der Ausstellung „camouflage in the flowerfield“ mit Arbeiten von Ophelia Beckmann\, die vom 17. Oktober bis 21. November 2026 zu sehen ist. ep.contemporary zeigt seit 2016 aktuelle Kunst und liegt in der Pohlstraße 71 in Tiergarten Süd\, nahe der Potsdamer Straße. Ihr erreicht den Ort mit der U1 und U3 bis Kurfürstenstraße oder mit der U2 bis Bülowstraße.
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/lesung-von-joerg-waehner-in-der-ausstellung-camouflage-in-the-flowerfield-von-ophelia-beckmann/
LOCATION:ep.contemporary\, Pohlstr. 71\, Berlin\, 10785\, Deutschland
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SUMMARY:camouflage in the flowerfield - Ophelia Beckmann & als Gast: Joerg Waehner
DESCRIPTION:Ausstellung 17.10. – 21.11.2026\nVernissage: Freitag\, 16. Oktober 2026\, 18:00 – 21:00\nLesung von Joerg Waehner: 05. November 2026\, 18:30\nFinissage mit „Kunst unterm Hammer“: Samstag\, 21. November 2026\, 14:30 – 18:00 \nDie Arbeiten Ophelia Beckmanns greifen bekannte Sujets auf – Naturdarstellungen\, Stillleben\, Landschaften. In erster Linie ist das Blattwerk als Inspirationsquelle\, das aufgrund der klimatischen und weltweit politischen Situation aus der Idee der Camouflage erwachsen ist. Camouflage wird mit Schutz und Tarnung konnotiert. Ein Blatt ist ein Stück Natur\, das durch Photosynthese Sauerstoff erzeugt und CO2 filtert. Es ist Grundlage für Leben\, das durch Klimawandel und Kriegshandlungen bedroht ist. \nDie Serien seit 2022 können als Hommage\, als Mahnung an Blätter\, Blumen und Natur betrachtet werden. Viele kleine Camouflagen ergeben ein Ganzes\, das in der Malerei durch ein geschichtetes Klebeverfahren entsteht. Im inversen Prozess verschwinden Bouquets\, Sträucher\, Blattgebilde\, Arrangements unter den Tapes. Das Bild offenbart sich erst mit dem Ablösen des Geklebten. Das geknüllte Tape wird zu Objekten gestapelt. \nIn Erweiterung entstanden für die aktuelle Serie “camouflage in the flowerfield“ zusätzlich Uniformen bzw eine kleine Kollektion „OPH“ aus gedruckten Stoffen der vorher erstellten Malereien und digitalen Arbeiten. \nIn der Ausstellung von Ophelia Beckmann zeigt der Künstler Joerg Waehner seine Videoarbeit „Yugomania“\, die auf einer Recherchereise nach dem Jugoslawienkrieg entstanden ist. Die Aneinanderreihung von sichtbaren Spuren des Krieges\, Soldatenporträts in gespiegelten Grabsteinen und Fragmente von zerstörten Gebäuden werfen immer wieder die Frage auf\, wie weit die Vergangenheit die Gegenwart beeinflusst.
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/camouflage-in-the-flowerfield-ophelia-beckmann-als-gast-joerg-waehner/
LOCATION:ep.contemporary\, Pohlstr. 71\, Berlin\, 10785\, Deutschland
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SUMMARY:Busch in Berlin in der Pforte
DESCRIPTION:Unter der Leitung von Prof. Folke Köbberling präsentiert sich das Institut für Architekturbezogene Kunst (IAK) der TU Braunschweig in Berlin. Das Institut\, welches liebevoll als „Busch“ bezeichnet wird\, verfolgt konzeptionelle und interdisziplinäre Ansätze. In den letzten Jahren haben sich drei zentrale Schwerpunkte herausgebildet: Nachwachsende Rohstoffe\, Co-Habitate und Erbschaften. Wechselnde Ausstellungen in der Pforte geben einen Einblick in diese Themenbereiche und initiieren einen Dialog über zeitgenössische künstlerische Herausforderungen in der Architektur\, Kunst und Lehre. \nNachwachsende Rohstoffe (10.10. – 28.11.2026)\nDas Themengebiet Nachwachsende Rohstoffe beschäftigt sich mit regenerativen Materialien und betrachtet diese nicht nur als nachhaltige Alternativen. Anhand von Arbeiten aus Rohwolle\, Mycelium und Lehm werden bauliche\, räumliche und ästhetische Möglichkeiten von biobasierten Werkstoffen präsentiert. \nCo-Habitate (5.12.2026 – 30.1.2027)\nDas IAK befindet sich in einem Betongebäude mitten im Querumer Forst. Studentische Projekte fragen danach\, wie im Institut Räume entstehen können\, die nicht ausschließlich aus menschlicher Perspektive gedacht sind und die somit Szenarien des Miteinanders ermöglichen. Co-Habitate widmet sich dem Zusammenleben verschiedener Lebensformen und betrachtet Architektur als Gefüge von Beziehungen zwischen Menschen\, Tieren\, Pflanzen und Mikroorganismen. \nErbschaften (10.2. – 31.3.2027)\nErbschaften blickt auf die Geschichte des Instituts selbst und befragt diesen Raum aus heutiger Perspektive. Das Institutsgebäude\, von 1942 bis 1945 Institut für baulichen Luftschutz im Nationalsozialismus\, ist Ausgangspunkt und eigenständiger Protagonist der interdisziplinären Forschung\, die sich u.a. mit Bunkerbau und dem Einsatz von Zwangsarbeit auseinandersetzt. \nZusätzlich zu den Ausstellungen in der Pforte wird eine Installation aus Rohwolle von Folke Köbberling im öffentlichen Raum zu sehen sein.\nDas Veranstaltungsprogramm fördert den Austausch zwischen Busch und Berlin und lädt Expert:innen ein\, zu den Diskursen in den jeweiligen Themengebieten beizutragen. Studierende des IAKs stellen ihre Seminararbeiten im Rahmen der Ausstellungsreihe sowie einer abschließenden Präsentation vor.
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LOCATION:Pforte\, Danziger Straße 101/103/15\, Berlin\, 10405\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung
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