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SUMMARY:RARE MATTER — Art Exhibition
DESCRIPTION:Is Fashion Art? Six Berlin-based designers reveal their artistic practices beyond wearable fashion.\nBerlin\, November 2026 — Where does fashion end and art begin? On Friday\, November 13\, 2026\, RARE STORE & COLLECTIVE presents RARE MATTER – Art Exhibition\, a group exhibition bringing together six designers from the Berlin-based creative collective RARE F-hain. \nStepping beyond their fashion labels\, the participating designers reveal the artists\, creative processes and individual perspectives behind their brands through a selection of artworks\, objects and experimental material practices. \nAt the heart of the exhibition lies a question that continues to challenge the boundaries of creative expression: “IS FASHION ART?” \nFashion is more than what we wear. Behind every label is a creative mind whose artistic vision often extends far beyond clothing. \nRARE MATTER brings these often unseen dimensions into focus\, transforming the collective’s store in Berlin-Friedrichshain into a space for artistic exploration and exchange. \nFrom printmaking\, photography and intricate papercutting to textile installations\, sculptural forms and experimental compositions\, the exhibition brings together six distinct artistic approaches. \nThrough their work\, the participating artists explore materiality\, identity\, memory\, transformation and the possibilities of reusing existing resources. Together\, they challenge conventional distinctions between art\, fashion\, craft and design. \nSix designers. Six artistic perspectives. \nJulie Bourgeois — Tata Christiane \nIn Crochet Research. Upcycling Is a Palimpsest\, Julie Bourgeois explores crochet and upcycling as processes of rewriting and transformation. Existing textiles\, traditional techniques and discarded fragments are dismantled and reassembled into unexpected volumes and sculptural forms. Her work approaches materials as carriers of memory\, allowing different histories to coexist within a single creation. \nAndrea Bonfini — FADE OUT Label \nAndrea Bonfini presents a selection of earlier artistic works exploring different printing techniques and materials. These include photographic printing and photo transfers on gauze fabric\, alongside large-scale copperplate etchings on paper. Combining traditional intaglio methods such as soft-ground etching\, drypoint and etching\, his work investigates the expressive possibilities of image-making and material experimentation. \nElise Rolot — Everyday Pieces \nIn From Here to There\, Elise Rolot explores the transformation of discarded household textiles into new forms. Working with curtains\, bedsheets and other familiar fabrics\, she presents a textile installation examining the journey from domestic material to wearable garment. Her practice invites viewers to reconsider the potential of what already exists and the shifting meanings of everyday objects. \nKai Gerhardt — K∆IGERH∆RDT \nKai Gerhardt’s artistic practice operates at the intersection of fashion\, textile design and art. Through experimental material processes\, traditional craftsmanship and the reuse of existing resources\, they develop textile structures that move between surface\, body and space. Guided by LET THE FUTURE BE HUMAN\, their work challenges established categories\, identities and social norms\, opening new perspectives on materiality and creative expression. \nMeri Luján — CHAIN CULT \nMeri Luján presents a selection of early hand-cut papercut artworks\, created entirely by hand using a scalpel. Featuring an insectarium\, band logos and calligraphic compositions\, these intricate works reveal the foundations of an artistic practice that later evolved from fragile paper and cardboard into long-lasting stainless steel. The selection reflects on the contrast between impermanence and durability. \nAngie Aguirre — THERAPY Recycle and Exorcise / Fabric Actions \nIn Matter of Disobedience\, Angie Aguirre presents new works created specifically for the exhibition. Street-found fabrics are transformed into abstract compositions on rescued wood and reused canvases. \nRooted in her activist design practice and experiences between Argentina and Europe\, her work confronts the contrast between material scarcity and overabundance. Part art\, part protest\, these compositions question overproduction\, waste\, privilege and the symbolic values embedded in fashion\, challenging conventional ideas of consumption\, identity and worth. \nBeyond the labels \nFor one evening\, RARE STORE & COLLECTIVE becomes a meeting point for art\, fashion and individuality. \nThe opening on November 13 invites visitors to discover the artworks\, meet all six participating designers in person and engage with the creative minds behind the labels. \nMusic and drinks will accompany the evening\, creating an informal setting for artistic exchange and unexpected connections. \nNot just fashion. Not just art. A rare matter of perspective. \nEvent details \nRARE MATTER — Art Exhibition \nOpening / Vernissage: Friday\, November 13\, 2026\nTime: 5:00–10:00 PM\nLocation: RARE STORE & COLLECTIVE\nKopernikusstraße 21\, 10245 Berlin-Friedrichshain\, Germany \nFree admission\nMusic\, drinks and all participating artists present. \nAbout RARE STORE & COLLECTIVE \nRARE STORE & COLLECTIVE is an independent creative space in Berlin-Friedrichshain bringing together fashion\, design and artistic exchange. \nHome to the designers of the RARE F-hain collective\, the store provides a shared platform for individual creative practices\, experimental approaches and interdisciplinary encounters. \nWith RARE MATTER\, the collective turns the spotlight toward the artistic identities and practices behind its fashion labels. \nPress information \nImages of the exhibition and participating artists‘ works are attached. \nFor further information\, interviews and press imagery: \nRARE STORE & COLLECTIVE\nKopernikusstraße 21\, 10245 Berlin\, Germany \nParticipating artists:\nKai Gerhardt — @kaigerhardt_official\nMeri Luján — @chain.cult\nAngie Aguirre — @therapy_berlin / @fabric_actions\nAndrea Bonfini — @fadeoutlabel\nJulie Bourgeois — @tatachristiane\nElise Rolot — @everydaypieces
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SUMMARY:Anna Jung Seo: Drunken Boat in der Galerie Barbara Thumm
DESCRIPTION:Anna Jung Seo’s (b. 1964) artistic practice centers on the reconstruction of scenes\, drawing heavily from literary imagination. Through a process of transformation\, Seo converts the tangible urban landscape into a stage where exaggeration and metaphor interweave. This approach allows her to explore the nuances of perception and memory\, inviting viewers to engage with her interpretations of reality. \nThe new paintings present us with intimately drawn scenes and observations\, dimly and dramatically lit. Whereas her previous series focused more on daily reflections of her native Seoul or London\, where she lives and works\, the scenes and images in this exhibition are stimulated by literary inspirations—including Arthur Rimbaud’s poem (The Drunken Boat) and the novels of Roberto Bolaño. These works directly reflect Jung Seo’s early education and training in French literature\, as well as her enduring interest in the power of storytelling. \nSeo received a PhD in French Literature from Yonsei University\, Seoul (1999) and graduated from the Turps Studio Programme\, Turps Art School (2017) and the City & Guilds of London Art School (2011). \nCurated by Augusto Arbizo / Schwartzman&\, New York. \nEröffnung: Friday\, 06 November\, 2026\, 6—9 pm \nAusstellungsdauer: 07 November — 19 December\, 2026 \nOrt: Galerie Barbara Thumm\, Space II\, Markgrafenstr. 68 (Passage)\, 10969 Berlin \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nDie Ausstellung Drunken Boat in Berlin ist vom 7. November bis 19. Dezember 2026 im Space II der Galerie Barbara Thumm zu sehen\, parallel zu neuen Bildern von Peter Bonde im Space I. Die Galerie liegt in einer Passage der Markgrafenstraße in Kreuzberg. Geöffnet ist Mittwoch bis Samstag von 12 bis 18 Uhr.
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SUMMARY:Peter Bonde: New Paintings (keep on keeping on)
DESCRIPTION:We are delighted to present Peter Bonde’s second solo exhibition\, New Paintings / Keep on Keeping on\, at Galerie Barbara Thumm. \nThe new paintings pick up threads from earlier works and series\, revisiting them with the freedom of someone who knows his own vocabulary well enough to dismantle it. In doing so\, the works both invoke and disrupt the language of classical abstract painting. Sweeping gestures\, saturated colour fields and drips nod to the tradition of abstract painting\, yet they are repeatedly interrupted\, overpainted or set against images that refuse to stay in the background. \nNew Paintings / Keep on Keeping on is thus both a continuation and a stubborn act of defiance. It asks what it means to keep painting after decades of questioning painting itself\, and finds an answer in the act of continuing\, of returning to old images\, pulling them apart and putting them back together without smoothing over the seams. \nPeter Bonde graduated from the Royal Danish Academy of Fine Arts in 1982 (Copenhagen\, Denmark). He taught at the Funen Art Academy (Odense\, Denmark\, 1994–1996) and was professor at the Royal Danish Academy of Fine Arts (1996–2005). He represented Denmark alongside Jason Rhoades at the 48th Venice Biennale in 1999\, and in 2019 his works were shown at the 58th Venice Biennale as part of Danh Vo’s installation. \nEröffnung: Friday\, 06 November\, 2026\, 6—9 pm \nAusstellungsdauer: 07 November — 19 December\, 2026 \nOrt: Galerie Barbara Thumm\, Space I\, Markgrafenstr. 68 (Passage)\, 10969 BerlinGallery hours: Wednesday to Saturday 12 – 6 pm
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SUMMARY:Tina Buchholtz: Gravity. The Weight of Light in der Vorona Galerie
DESCRIPTION:Tina BuchholtzGravity. The Weight of Light \nKann Licht ein Gewicht haben? Kann etwas Flüchtiges\, Immaterielles eine physische Präsenz entwickeln? \nIn ihrer Ausstellung Gravity. The Weight of Light untersucht Tina Buchholtz das spannungsvolle Verhältnis zwischen Licht und Materie\, Schwere und Leichtigkeit\, Bewegung und Stillstand. \nIhre Malerei bewegt sich an der Grenze zwischen Abstraktion und Landschaft. Leuchtende Farbflächen\, vielschichtige Strukturen und feinste Liniengeflechte verdichten sich zu Bildräumen\, die zugleich vertraut und unbestimmbar erscheinen. Sie erinnern an Gräser im Wind\, an dichtes Gestrüpp\, an Licht\, das durch Vegetation fällt. Doch diese Assoziationen lösen sich immer wieder in reine Farbe\, Linie und Struktur auf. \nEine besondere Rolle spielt dabei die Materialität der Oberfläche. Buchholtz arbeitet mit dem Gegensatz zwischen dichten\, teilweise reliefartigen Farbschichten und filigranen\, sich überlagernden Linien. Die Linien durchziehen die Kompositionen wie ein feines Geflecht\, verbinden und trennen die Farbräume\, erzeugen Rhythmus und Bewegung. \nDas Licht erscheint dabei nicht als etwas\, das die Dinge lediglich sichtbar macht. Es wird selbst zum Gegenstand der Malerei. Es scheint aus der Tiefe der Farbschichten hervorzutreten\, sich auf den Oberflächen zu sammeln oder zwischen den Linien aufzulösen. In manchen Arbeiten entfaltet es eine beinahe explosive Energie\, in anderen wird es zu einem leisen\, kaum greifbaren Schimmer. \nAuch die Schwerkraft ist in diesen Bildern auf eigentümliche Weise präsent. Während die Linien aufsteigen\, sich verzweigen und in alle Richtungen ausbreiten\, verleihen die dichten Farbschichten den Kompositionen eine spürbare Erdung. Aus diesem Gegensatz entsteht eine besondere Spannung: zwischen dem\, was nach oben strebt\, und dem\, was nach unten zieht; zwischen dem Flüchtigen und dem Beständigen. \nGravity. The Weight of Light lädt dazu ein\, Malerei als sinnliche Erfahrung von Raum\, Licht und Materie zu entdecken. Die Bilder verlangen kein eindeutiges Erkennen. Sie eröffnen vielmehr einen Raum des Sehens\, in dem sich Gegenständlichkeit und Abstraktion\, Nähe und Ferne\, Bewegung und Ruhe immer wieder neu begegnen. \nBEHIND THE CANVAS. Ein persönlicher Abend mit Tina Buchholtz \nWas verbirgt sich hinter einem Kunstwerk?Wie entsteht aus Farbe\, Licht und unzähligen feinen Linien eine Bildwelt von faszinierender Tiefe? Wo beginnt die künstlerische Idee – und wie verwandelt sie sich in ein Werk\, das uns berührt?Am Freitag\, den 6. November um 18:00 Uhr\, laden wir Sie zu einem besonderen Galerieabend mit der Berliner Künstlerin Tina Buchholtz ein.Im persönlichen Gespräch gewährt die Künstlerin Einblicke in ihren kreativen Prozess\, erzählt von ihren Inspirationen und verrät\, wie ihre außergewöhnlichen Bildoberflächen entstehen.Erleben Sie ihre Werke aus der aktuellen Ausstellung Gravity. The Weight of Light aus einer neuen Perspektive und genießen Sie einen inspirierenden Abend mit Kunst\, Gesprächen und einem Glas Wein.Wir freuen uns darauf\, diesen besonderen Abend mit Ihnen zu teilen!Freitag\, 6. November 2026 | 18:00 UhrDie Teilnahme ist nur nach vorheriger Anmeldung möglich.Die Plätze sind begrenzt. \nAusstellungsdauer: 16.10.–28.11.2026 \nOrt: Vorona Galerie\, Friedbergstraße 12\, 14057 Berlin-CharlottenburgÖffnungszeiten: Montag – Samstag 11:00 – 18:00 auch gerne zu den anderen Zeitpunkten nach Vereinbarung.
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SUMMARY:Α und Ω - vom Ursprung zum Neubeginn in der galerie son
DESCRIPTION:Α und Ω – vom Ursprung zum Neubeginnmongolische GegenwartskunstODMAA Uranchimeg – SUKHBUREN Narankhuu – NYAM-OCHIR OyunpurevAusstellung21. Oktober – 21. November 2026galerie son \nMonumentale abstrakte Kalligrafien und keramische Skulpturen: Mit „Α und Ω“ (Alpha und Omega) präsentiert die galerie son im Herbst eine Ausstellung mit neuen Arbeiten von ODMAA Uranchimeg\, SUKHBUREN Narankhuu und NYAM-OCHIR Oyunpurev. Gegenüber dem Humboldt-Forum am Schinkelplatz 4 begegnet das Publikum einer Mongolei\, deren Gegenwart ebenso viel Aufmerksamkeit verdient wie ihre Geschichte. \nDen Ausgangspunkt bildet eine universelle Frage:Wann wird ein Ende zum Anfang? \nAlpha und Omega – der erste und letzte Buchstabe des griechischen Alphabets – verweisen auf das zentrale Thema der Ausstellung: das Verhältnis von Anfang\, Vollendung und Neubeginn. Die drei Künstler greifen historische und kulturelle Themen auf und untersuchen\, wie Ideen Form annehmen und Veränderung neue Möglichkeiten eröffnet. Plastische Körper und kalligrafische Gesten bringen diese Auseinandersetzung in einen räumlichen Dialog. \nIm Umfeld der Museumsinsel setzt „Α und Ω“ einen zeitgenössischen Akzent. Parallel zur Ausstellung „Dschingis Khan und die Welt der Mongolen“ in der James-Simon-Galerie lenkt sie den Blick auf heutige künstlerische Ausdrucksformen. Für Sammler\, Kuratoren und Medien bietet die Berliner Präsentation Gelegenheit\, drei eigenständige Positionen anhand ihrer jüngsten Werke zu entdecken. \nPräsentiert in Kooperation mit der Arts & Media Project Management & Consulting NGO (AMPMC) und ihrer Gründerin OYUNTUYA Oyunjargal \, eröffnet anlässlich des Staatsbesuchs des mongolischen Präsidenten Uchnaagiin KHURELSUKH in Deutschland. \nDie Kunstwerke wurden während des Artist-in-Residence-Programms 2026 der AMPMC in der Berliner Bildhauerwerkstatt des bbk geschaffen. \nAusstellungsdauer: 21. Oktober – 21. November 2026 \nOrt: galerie son\, schinkelplatz 4\, 10117 berlin germany\, U5 MuseumsinselDi – Sa 11-18 Uhr
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SUMMARY:Sonderausstellung: „Klaus Hack – Retrospektive“
DESCRIPTION:Klaus Hack (geboren 1966 in Bayreuth) ist ein Künstler\, der nicht nur früh und mit Erfolg in die Selbstständigkeit ging\, sondern seit diesem Zeitpunkt auch kontinuierlich sein Werk weiterentwickelt hat. Entgegen dem Zeitgeist hatte sich Hack\, inspiriert von den Skulpturen des Expressionismus\, von Beginn an für den klassischen Werkstoff Holz entschieden. Seit nunmehr 40 Jahren entstehen in diesem Material handwerklich vielseitig und virtuos\, motivisch phantasievoll und thematisch vielschichtig großformatige\, häufig weiß gefasste Holzskulpturen. \nKlaus Hack studierte nach einer Schreinerlehre zunächst an der Akademie in Nürnberg bei dem figurativ arbeitenden Bildhauer Wilhelm Uhlig (1930-2022). Er wechselte 1991 an die Berliner Hochschule der Künste zu Rolf Szymanski (1928-2013)\, wo er sich von der unversehrten menschlichen Figur zu lösen begann\, um fortan Körper und Gegenstände sich in freien Formen entwickeln zu lassen. Seit 1995 arbeitet der Künstler selbständig. \nDie Skulpturen von Klaus Hack sind meist allansichtig\, voller Durchbrüche und ineinander verschränkter Formen. Der Künstler erfindet phantastische Wesen\, obsessiv strukturierte Oberflächen und architektonische Formen und konstruiert Altäre von ungewöhnlicher Spiritualität. Seine Holzschnittdrucke kombinieren Zwei- und Dreidimensionales\, in dem der bearbeitete Baumstamm als Drucktrommel für großformatige Drucke auf Leinwand dient. Dazu schafft Klaus Hack imposante Holzschnitte in kontrastreicher Farbigkeit sowie zartfabulierende Malereien im kleinen Format. Das Werk des heute sechzigjährigen Klaus Hack wird von Erzählfreude und Erfindungsreichtum geprägt. Es steht in seiner Konsequenz\, mit der es im Material Holz stetig weiterentwickelt wurde\, singulär in der heutigen Zeit. \nDie Ausstellung verfolgt die Werkentwicklung des Künstlers von seinen frühen Anfängen Mitte der 1980er Jahre\, die unter dem Eindruck der Skulpturen von Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) standen\, die Arbeiten der Meisterschülerzeit bei Rolf Szymanski und der ersten Selbstständigkeit mit den großformatigen Drucktrommel-Werken über die verinnerlichten Sitzfiguren der frühen 2000er Jahre\, die Architekturobjekte und -reliefs bis zu den aktuellen Altären und Figuren. \nGezeigt werden ca. 30 zum Teil großformatige Skulpturen\, etliche monumentale Holzschnittdrucke und Holzschnitte sowie zahlreiche Zeichnungen. \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nDie Retrospektive Klaus Hack im Käthe-Kollwitz-Museum Berlin läuft vom 15. November 2026 bis zum 10. Januar 2027 und wird am Sonntag\, 15. November\, um 11 Uhr eröffnet. Das Museum im ehemaligen Charlottenburger Schlosstheater\, Spandauer Damm 10\, 14059 Berlin\, ist täglich von 11 bis 18 Uhr geöffnet. Der Eintritt kostet 8 Euro\, ermäßigt 5 Euro\, unter 18 Jahren frei.
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SUMMARY:BODIES THAT SPEAK im HAUS.KUNST.MITTE
DESCRIPTION:Was kann ein Körper erzählen\, ohne Worte zu benutzen? \nMit Bodies that Speak widmet sich das Haus. Kunst. Mitte. einem der ältesten Motive der Kunst und zugleich einem Thema von unmittelbarer Gegenwart: dem menschlichen Körper. Nach der erfolgreichen Ausstellung Faces of Mind versammelt das Haus erneut eine Gruppe herausragender Künstlerinnen und richtet den Blick auf die vielfältigen Möglichkeiten\, Körper darzustellen\, zu erleben und neu zu denken. \n17 Künstlerinnen aus vier Generationen stehen im Zentrum der Ausstellung. Sie alle leben und arbeiten in Berlin und setzen sich in ihrer künstlerischen Praxis intensiv mit Körperlichkeit auseinander. Viele von ihnen gehören zu den wichtigen Stimmen ihrer jeweiligen Generation und sind international ausgestellt. Ihre Herkunft ist vielfältig: Die Künstlerinnen kommen unter anderem aus Iran\, China\, den USA\, der Türkei\, Polen\, Japan und Deutschland. Was sie verbindet\, ist keine gemeinsame künstlerische Schule\, sondern die Stadt\, in der sie leben\, und eine intensive Auseinandersetzung mit dem Körper als künstlerischem Ausdrucksmittel. \nBerlin wird dabei zum Ort des Austauschs. Die Stadt ist seit Jahrzehnten Anziehungspunkt für Künstlerinnen aus aller Welt und zugleich ein Ort\, an dem unterschiedliche Lebensentwürfe\, kulturelle Prägungen und künstlerische Positionen aufeinandertreffen. Bodies that Speak macht diese Vielfalt sichtbar und gibt insbesondere Künstlerinnen Raum\, die die Berliner Kunstszene heute prägen. \nDer weibliche Körper steht im Zentrum – jedoch nicht als isoliertes Thema. Geburt\, Sexualität\, Erwachsenwerden\, Krankheit\, Alter und Tod gehören zum menschlichen Leben. Zugleich werden diese Erfahrungen durch Geschlechterrollen\, gesellschaftliche Erwartungen und kulturelle Zuschreibungen unterschiedlich geprägt. Die ausgestellten Arbeiten machen diese Spannung sichtbar und führen von sehr persönlichen Bildern und Geschichten zu Fragen\, die weit über das Weibliche hinausreichen. \nDabei ist der Körper in der Ausstellung weit mehr als ein dargestelltes Motiv. Er wird zum Material\, Werkzeug\, Medium und Träger von Erinnerung und Bedeutung. Das Performative zieht sich durch die gesamte Ausstellung: Auch dort\, wo keine Performance stattfindet\, sind Malen\, Fotografieren\, Formen oder Bearbeiten körperliche Handlungen. Körper „sprechen“ durch Haltung und Bewegung\, Oberfläche und Material\, Präsenz und Abwesenheit. \nDer Rundgang durch 20 Ausstellungsräume folgt fünf thematischen Kapiteln. Von imaginären und traumhaften Körperwelten führt die Ausstellung über Leben und Natur zu gesellschaftlichem und persönlichem Druck. Am Ende lösen sich vertraute Grenzen auf und Körper gehen hybride Verbindungen mit dem Organischen\, Tierischen\, Technischen oder Kosmischen ein. Die Ausstellung erzählt dabei keine lineare Geschichte und bietet keine eindeutigen Antworten. Verletzlichkeit kann ebenso mit Handlungsmacht verbunden sein wie Widerstand mit Fürsorge\, Transformation mit Verlust oder Auflösung mit einem Neuanfang. \nBodies that Speak lädt dazu ein\, den Körper nicht als festgelegte Form zu betrachten\, sondern als etwas Bewegliches\, Widersprüchliches und Veränderbares – und die unterschiedlichen Stimmen der Künstlerinnen selbst sprechen zu lassen. \nBeteiligte Künstlerinnen \nNevin Aladağ · Laura Bruce · Carina Chang · Lunita Juli Dorn · Carola Ernst · Leiko Ikemura · Aneta Kajzer · Franziska Klotz · Sarah Loibl · Nanne Meyer · Jana Sophia Nolle · May Parlar · Bettina Pousttchi · Barbara Quandt · Jenny Rempel · Alma Sinai · Andrea Zaumseil
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SUMMARY:Priceless Things in der Neurotitan Galerie
DESCRIPTION:Die Ausstellung Priceless Things versammelt künstlerische Arbeiten\, die sich mit Dingen\, Beziehungen und Praktiken beschäftigen\, deren Wert sich nicht in Geld bemessen lässt. \nUnbezahlbar ist das Immaterielle und Unwiederbringliche wie Lebenszeit\, Erinnerungen\, Gefühle und Beziehungen. Doch auch materielle Dinge wie Fundstücke\, Geschenke und Weggeworfenes können unbezahlbar sein – gerade wenn sie zufällig zu uns gelangen und nicht als Massenware jederzeit verfügbar sind. \nEbenso unbezahlbar sind natürliche Ressourcen und das\, was eigentlich allen zustehen sollte wie die Luft zum Atmen\, ein Leben in Würde und Sicherheit. \nWas pflegen und bewahren wir? Care – im ökologischen wie im sozialen Sinne – wird in Priceless Things zu einer politischen\, aber auch ästhetischen Frage. Die Ausstellung schafft eine Plattform für Künstler*innen\, deren Arbeit ein Bewusstsein für Ressourcen mit der Fürsorge für Menschen\, Beziehungen und gemeinschaftliche Prozesse verbindet. Die gezeigten Arbeiten beschäftigen sich mit unterschiedlichen Facetten des Unbezahlbaren und stellen einer ökonomischen Logik von Effizienz und Produktivitätsdenken eine Ästhetik der Fürsorge entgegen. Dabei spielt nicht nur die Erscheinung und Präsentation einer Arbeit eine Rolle\, sondern auch die Art und Weise\, wie\, unter welchen Bedingungen und in Verbindung mit welchen ethischen Werten sie entsteht. \nDie ausgestellten Werke zeigen Installationen\, Objekte und deren Inszenierung\, Fotografie\, Film und Performance. Sie lassen an vielfältigen gesellschaftspolitischen Fragestellungen und Perspektiven teilhaben\, wie beispielsweise kollektives Lernen und die Wiederverwendung von Materialien; ökofeministische Perspektiven; Körper als Träger von Erinnerung; Care-Arbeit wie auch die Gefährdung der Umwelt durch Plastikverschmutzung. \nAusgangspunkt der Ausstellung ist das Projekt „Laden der unbezahlbaren Dinge“ (2024)\, kuratiert von Fenia Franz. Darin wurde ein ehemaliges Ladengeschäft in einem fast leer stehenden Einkaufszentrum zu einem temporären Projektraum für nachbarschaftlichen Austausch und gemeinsame künstlerische Aktionen mit interdisziplinären\, sozial engagierten Künstler*innen. \nPriceless Things überführt dieses Konzept in eine Ausstellung im Rahmen des kuratorischen Programms „Connecting“ im Neurotitan. Die Ausstellung ist weniger als Aufreihung autonomer Kunstwerke gedacht\, sondern als gestaltete Umgebung und ein sozialer Ort. Neben einem Programm aus Gesprächen\, Workshops und Performances lädt der Raum zum einfachen Verweilen ein. \nKünstler*innen \nAgente Costura\, Alisa Tretau\, Amazonen in Berlin\, Constanze Klar\, Federica Teti\, FuHo Tsai\, Helen Lanwehr\, Henok Getachew Woldegebreal\, Ilgın Uçar\, Judith Greitemann\, Kristina Popov\, Max Schlag\, Zoë Sebanyiga \nAusstellungsprogramm \nSamstag\, 14.11.2026\, 18 Uhr – Vernissage \n„Der Preis ist Scheiss“\, Lecture Performance von Constanze Klar \nSamstag\, 21.11. & 28.11.2026 \nFührungen\, Artist Talks und Workshops \nSamstag\, 05.12.26\, 17 Uhr \nNoise-Karaoke-Performance von Agente Costura \nDas vollständige Programm und Access-Infos in Kürze unter: https://neurotitan.de/
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LOCATION:Neurotitan Galerie\, Rosenthaler Straße 39\, Berlin\, 10178\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung
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SUMMARY:Dana Schutz: The Department bei Contemporary Fine Arts
DESCRIPTION:Dana Schutz (*1976 in Livonia\, Michigan\, USA) zeigt in The Department bei Contemporary Fine Arts neue Gemälde und großformatige Kohlezeichnungen. Ihre Malerei erzählt von turbulenten Figuren\, menschlichen Abgründen\, eskalierenden Situationen und Naturkatastrophen. Mit einem ausgeprägten Gespür für dramatische Spannung entwickelt Schutz komplexe Bildwelten\, in denen vertraute Vorstellungen von Schönheit ins Wanken geraten. Die Ausstellung eröffnet am 6. November. \nEröffnung: Freitag\, 6. November 2026\, 18 bis 20 Uhr\nAusstellungsdauer: 7. November bis 19. Dezember 2026\nOrt: Contemporary Fine Arts\, Grolmanstraße 32/33\, 10623 Berlin \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nDana Schutz bei Contemporary Fine Arts zeigt neben Gemälden wie „Hurt Hand“ (2026\, Öl auf Leinwand\, 213\,4 x 223\,5 cm) großformatige Kohlezeichnungen. Die Galerie beschreibt die New Yorker Malerin als Erzählerin\, deren Bilder von turbulenten Figuren\, Katastrophen und physischen Desastern bevölkert sind\, ein dystopisches Porträt der Gegenwart jenseits traditioneller Schönheit. Die Galerie in der Grolmanstraße in Charlottenburg\, nahe Savignyplatz\, hat Montag bis Freitag von 10 bis 18 Uhr und Samstag von 12 bis 18 Uhr geöffnet.
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SUMMARY:Peer Boehm: Was ich eigentlich tun will in der Galerie Poll
DESCRIPTION:Kindheitserlebnisse\, Reiseerfahrungen\, politische Ereignisse – all das speichert unser Gedächtnis gleichermaßen. Aus flüchtigen Eindrücken und vagen Momentaufnahmen wächst ungeordnet ein Bilderreservoir\, das wir alle teilen und das doch in jedem anders verankert ist. Aus diesem unüberschaubaren Fundus schöpft Peer Boehm die Motive seiner Leinwand- und Papierarbeiten. Mit oft widersinnigen\, nie ganz eindeutigen Titeln stößt er beim Betrachter Assoziationsketten an. \nSeine dritte Einzelausstellung in der Galerie Poll versammelt überwiegend Arbeiten aus den Jahren 2025 und 2026: Szenen aus der Schulzeit („Die Neue“\, „Der Film fängt gleich an“\, „Erste Stunde Textiles gestalten“)\, von ersten Begegnungen mit dem anderen Geschlecht („Ich will lieber nicht“) und aus den Sommerferien am vollen Strand („Im Auto war es warm und bequem“). Hinzu kommt „Berlin 1989“\, ein Bild von 2007\, das den Mauerfall als Wendepunkt der Zeitgeschichte in den Blick nimmt. \nFür seine Papierarbeiten wählt Boehm bereits bedruckte Untergründe wie historische Seekarten oder altes Briefpapier. Darauf zeichnet er\, meist mit Kugelschreiber\, und setzt das Vorgefundene in Beziehung zum Gezeichneten. Die großformatige Zeichnung „Was willst Du mit Deinem Anteil machen?“ zeigt einen Jungen\, der auf einem Floß über eine Seekarte treibt. Motiv\, Papier und Titel lassen an eine Schatzsuche denken – eine einzige „richtige“ Lesart aber gibt es bei Boehm nie. Fortgesetzt hat er auch seine Reihe auf dem Briefpapier des k.o. club\, eines 1969 in Hannover gegründeten Vereins für Avantgarde-Film: Er hat weitere Filmszenen aufgespürt\, die auf den Absender Bezug nehmen. \nFündig wird Boehm in Fotoalben vom Flohmarkt\, in Illustrierten oder im Internet. Personen und Orte abstrahiert er am Computer und reduziert die Vorlage auf Hell-Dunkel-Kontraste\, bis sie kaum noch zu erkennen ist. Dann überträgt er sie auf Leinwand oder Papier und arbeitet sie dort weiter aus. Für die Leinwände hat er eine eigene Lasurtechnik mit Aquarell\, Acryl und Tusche entwickelt. Mitunter dienen auch Kaffee oder Rost als Malmittel\, und ihr bräunlicher Ton lässt die Bilder wie verblichene Fotografien erscheinen. Boehms Bildsprache beruht auf dem Prinzip der Aussparung: Helle und dunkle Flächen verschwimmen ineinander. So wirken die Arbeiten zunächst schemenhaft und treten erst bei längerem Hinsehen hervor wie aus dem Unterbewusstsein – als ganz persönliche Erinnerungen. \nPeer Boehm\, 1968 geboren in Köln\, studierte von 1990 bis 1994 Kunstgeschichte\, Archäologie und Germanistik an der Universität zu Köln. 2021 wurde er mit dem Kunstpreis Wesseling ausgezeichnet\, der 2023 mit einer Ausstellung im gleichnamigen Kunstverein verbunden war. 2022 waren seine Arbeiten im Willy-Brandt-Haus in Berlin ausgestellt\, 2024 fand eine große Übersichtsausstellung mit Werken aus 17 Jahren im Museum Modern Art Hünfeld statt. Arbeiten des Künstlers befinden sich in zahlreichen deutschen und internationalen Privatsammlungen. Peer Boehm lebt und arbeitet in Köln\, wo er von der Galerie Anja Knoess vertreten wird. \nEröffnung: Donnerstag\, 29. Oktober 2026\, 17 bis 20 Uhr\, Begrüßung und Künstlergespräch gegen 19 Uhr\nAusstellungsdauer: 30. Oktober 2026 bis 9. Januar 2027\, Winterpause 22. Dezember 2026 bis 2. Januar 2027\nOrt: POLL Galerie + Kunsthandel\, Gipsstraße 3\, Quergebäude\, Parterre\, 10119 Berlin\, Di bis Sa 12 bis 18 Uhr und nach Vereinbarung
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LOCATION:Galerie Poll\, Gipsstraße 3\, Berlin\, 10119
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SUMMARY:Vitalii Shupliak – THRESHOLDS in der Galerie Gotisches Haus
DESCRIPTION:Im Gotischen Haus eröffnet am 28 Oktober 2026 um 19 Uhr die Ausstellung „THRESHOLDS“ von Vitalii Shupliak. Was geschieht an einer Schwelle – zwischen Innen und Außen\, Sichtbarem und Unsichtbarem\, Schutz und Bedrohung\, Vergangenheit und Gegenwart? Vitalii Shupliak interessiert sich für jene Zwischenräume\, in denen vertraute Ordnungen ihre Eindeutigkeit verlieren. Seine Arbeiten bewegen sich zwischen sakraler Bildtradition und digitaler Gegenwart\, zwischen individueller Wahrnehmung und kollektiver Erfahrung. Grenzen erscheinen dabei weniger als feste Linien denn als durchlässige Räume\, in denen sich Bedeutungen verschieben. \n„Mich fasziniert an Vitalii Shupliaks Arbeiten\, wie sie uns an Schwellen führen\, an denen vertraute Gewissheiten ins Wanken geraten – zwischen Sakralem und Politischem\, Sichtbarem und Unsichtbarem\, Schutz und Bedrohung. Im Gotischen Haus begegnen seine Werke einer Architektur\, die selbst von solchen Übergängen geprägt ist\, und eröffnen einen Raum\, in dem wir nicht nur die Grenzen unserer Wahrnehmung\, sondern auch die Ungewissheiten unserer Gegenwart neu befragen können.“Dr. Jens-Ole Rey\, Kurator \nVitalii Shupliak\, geboren 1993 in der Ukraine\, lebt und arbeitet in Berlin. Er studierte Bildende Kunst in Lviv\, Gdańsk\, Poznań und Braunschweig. Seine künstlerische Praxis umfasst Videoinstallation\, Malerei und Performance und beschäftigt sich mit den Schnittstellen von Realität und Virtualität sowie mit Fragen von Migration\, Identität und Grenzen. Die Arbeiten des Künstlers wurden im KINDL\, Berlin; YermilovCentre\, Charkiw; IZOLYATSIA\, Kyjiw; MOCAK Museum of Contemporary Art\, Krakau; CSW Łaźnia\, Danzig; Museum MACAN\, Jakarta; National Museum\, Posen; ZAK Zentrum für Aktuelle Kunst\, Berlin gezeigt. \nIm Gotischen Haus trifft die zeitgenössische Perspektive von Vitalii Shupliak auf eine Architektur\, die selbst von Übergängen geprägt ist: von Licht und Dunkelheit\, Innen und Außen\, Diesseits und Jenseits. Historische Bildwelten und räumliche Strukturen werden zu Resonanzräumen für eine Gegenwart\, in der Grenzen zunehmend porös werden. \nSpiegelnde Vögel werden zu Schutz und Barriere zugleich. Sakrale Augen begegnen den leuchtenden Oberflächen digitaler Geräte. Körper schweben zwischen verschiedenen Wirklichkeiten\, während Feuer zum Bild einer Transformation zwischen Schöpfung und Zerstörung wird. \nDas Vertraute beginnt dabei immer wieder ins Unheimliche zu kippen. Was Schutz verspricht\, kann zur Grenze werden; was Sichtbarkeit schafft\, kann zugleich etwas verbergen. Technologie\, Ritual und Erinnerung überlagern sich und machen Wahrnehmung selbst zu einer Schwelle. \nTHRESHOLDS ist eine Ausstellung über das Dazwischen – und über die Frage\, was sichtbar wird\, wenn Gewissheiten ihre Grenzen erreichen. \nEröffnung: Mittwoch\, 28. Oktober 2026\, 19 UhrAusstellungsdauer: 29. Oktober bis 23. Dezember 2026Ort: Galerie Gotisches Haus\, Breite Straße 32\, 13597 BerlinDi bis Sa 10 bis 18 Uhr\, So 12 bis 18 UhrEintritt frei
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SUMMARY:Das Schokoladenmädchen von Berlin. Svenja Schüffler in der Galerie Kuchling
DESCRIPTION:Galerie KuchlingKarl-Marx-Allee 123\, Berlin Ost24.10. – 08.01.2027Das Schokoladenmädchen von Berlin. Svenja Schüffler \nVernissage: Samstag\, 24. Oktober\, 18h – 22h \nAusstellungsdauer: 24. Oktober 2026 bis 8. Januar 2027\nOrt: Galerie Kuchling\, Karl-Marx-Allee 123\, 10243 Berlin \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nSvenja Schüffler in der Galerie Kuchling nimmt sich bekannte Meisterwerke vor\, allen voran Liotards „Schokoladenmädchen“ und Dürers Hasen\, und zeichnet sie in Pastellkreide\, Tusche\, Blattgold und Aquarell neu. In ihrer Serie „SACRIFICE“ werden die angeeigneten Bilder physisch verwundet\, etwa durch Prägungen im Papier oder einen Pfeil durch das Glas; ein Werk bleibt verborgen und ist nur unter Bedingungen zugänglich. Die Künstlerin\, geboren in Kassel\, hat Geologie und Geoinformatik studiert und lebt in Berlin. Die Galerie an der Karl-Marx-Allee in Friedrichshain (U5 Weberwiese) ist Mittwoch bis Freitag von 14 bis 19 Uhr und Samstag von 13 bis 18 Uhr geöffnet.
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SUMMARY:Lena Keller: False Skies in der KORNFELD Galerie
DESCRIPTION:In der KORNFELD Galerie zeigt Lena Keller ihre Ausstellung False Skies. Ihre Malerei lädt uns ein\, genauer hinzusehen und unseren eigenen Blick neu zu entdecken. Flüchtige Eindrücke von Landschaft\, Licht und Farbe verwandeln sich in eine bewusste Erfahrung des Sehens. \nEröffnung: Freitag\, 30. Oktober 2026\, 18 bis 21 Uhr\, die Künstlerin ist anwesend\nAusstellungsdauer: 30. Oktober 2026 bis 9. Januar 2027\nOrt: KORNFELD Galerie\, Fasanenstraße 26\, 10719 Berlin \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nLena Keller in der KORNFELD Galerie arbeitet in Öl auf Leinwand nach eigenen\, digital bearbeiteten Fotocollagen; in „False Skies“ bauen transparente Ölschichten\, Lasuren und irisierende Lichtfelder Landschaften auf\, deren Horizonte und Vegetation präsent bleiben\, sich einer klaren Definition aber entziehen. Die 1980 in Heidelberg geborene Malerin schloss 2022 ihr Studium an der Akademie der Bildenden Künste München als Meisterschülerin von Karin Kneffel ab; Arbeiten von ihr befinden sich in der Kunstsammlung des Deutschen Bundestages und in der Staatlichen Graphischen Sammlung München. Am selben Abend eröffnet im Projektraum 68projects by KORNFELD (Fasanenstraße 68) die Ausstellung „Back When Tigers Used to Smoke“ von Youjin Yi. Die Galerie in der Fasanenstraße nahe Kurfürstendamm ist Dienstag bis Samstag von 11 bis 18 Uhr geöffnet.
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SUMMARY:Die Impressionisten. Monet\, Morisot\, Renoir und ihr Netzwerk im Museum Barberini
DESCRIPTION:Wie wurde aus einer kleinen Gruppe junger Künstlerinnen und Künstler\, deren Malerei zunächst auf Ablehnung stieß\, die vielleicht populärste Kunstrichtung der Moderne? Zum zehnjährigen Bestehen des Museums Barberini erzählt die große Jubiläumsausstellung Die Impressionisten. Monet\, Morisot\, Renoir und ihr Netzwerk vom 7. November 2026 bis 21. Februar 2027 die Geschichte des Impressionismus neu: als Geschichte von Freundschaften und Förderern\, mutigen Sammlerinnen und Sammlern\, einflussreichen Kunsthändlern und Kritikern – und von persönlichen Beziehungen\, die eine künstlerische Revolution von Paris in die Welt trugen. \nDie Jubiläumsausstellung ist zugleich eine Summe der Arbeit des Museums Barberini seit seiner Eröffnung 2017. Ausgehend von der Sammlung Hasso Plattner hat sich das Haus in den vergangenen zehn Jahren intensiv dem Impressionismus gewidmet – mit international besetzten Ausstellungen\, wissenschaftlichen Symposien und gewichtigen Publikationen. Zum Jubiläum werden nun Werke der Sammlung Hasso Plattner im Dialog mit Werken aus Museumssammlungen wie dem Art Institute of Chicago\, der National Gallery\, London\, dem Metropolitan Museum of Art\, New York\, dem Musée d’Orsay\, Paris und dem National Museum of Western Art in Tokio gezeigt. \nAusstellungsdauer: 7. November 2026 bis 21. Februar 2027\nOrt: Museum Barberini\, Humboldtstraße 5–6\, 14467 Potsdam\, Mo und Mi bis So 10 bis 19 Uhr\, Di geschlossen\nEintritt: 16 Euro (Mo\, Mi bis Fr)\, 18 Euro (Sa\, So\, feiertags)\, ermäßigt 10 Euro\, ab 17.30 Uhr 10 Euro\, unter 18 Jahren frei
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SUMMARY:Mariano Rinaldi Goñi: 30 Jahre Berlin in der Galerie Deschler
DESCRIPTION:Anlässlich von drei Jahrzehnten künstlerischen Wirkens in Berlin präsentiert die Galerie Deschler eine Auswahl neuer Gemälde und Arbeiten des argentinischen Künstlers Mariano Rinaldi Goñi (MAO). \nSeit vielen Jahren beschäftigt sich Goñi mit der nordischen Mythologie\, insbesondere mit den Nornen\, den Verkörperungen von Vergangenheit\, Gegenwart und Zukunft. In seinen neuen Arbeiten erweitert er diesen Kosmos um die etruskische Göttin Vanth\, die er bei einem Besuch der antiken Grabstätten in Tarquinia entdeckte\, sowie um die indischen Göttinnen Kali und Lakshmi. Eine Inspiration bildet dabei auch der Mythos von der Quirlung des Milchozeans\, aus dem Lakshmi hervorgeht. \nIm Zusammenspiel dieser unterschiedlichen Traditionen begegnen sich archetypische Kräfte wie Schicksal\, Tod\, Zerstörung\, Erneuerung und Fülle. Goñi beschreibt diese Verbindung als „Verstärkung durch Interferenz“: Die mythologischen Figuren treten miteinander in Resonanz und eröffnen neue Bedeutungsebenen. \nDie Ausstellung ergänzt die bis zum 8. November 2026 in der Stiftung Starke gezeigte Retrospektive gleichen Titels um aktuelle Arbeiten und gibt Einblick in die jüngste Entwicklung von Goñis vielschichtigem malerischem Kosmos. \nEröffnung: Freitag\, 30. Oktober 2026\, 19 bis 21 Uhr\, Einführung: Teresa Riccardi\, Direktorin des Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori\, Buenos Aires\nAusstellungsdauer: 30. Oktober bis 12. Dezember 2026\nOrt: Galerie Deschler\, Auguststraße 61\, 10117 Berlin\, Di bis Sa 12 bis 18 Uhr
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SUMMARY:Youjin Yi: Back When Tigers Used to Smoke bei 68projects by KORNFELD
DESCRIPTION:Bei 68projects by KORNFELD präsentiert Youjin Yi ihre Ausstellung Back When Tigers Used to Smoke. Ausgehend von einem märchenhaften Erzählanfang erkundet sie\, wie Erinnerungen über Sprachen\, Orte und Generationen hinweg weiterleben. Auf traditionellem koreanischem Hanji-Papier entstehen vielschichtige Bildwelten\, in denen sich persönliche Erinnerungen und kulturelles Gedächtnis begegnen. \nEröffnung: Freitag\, 30. Oktober 2026\, 18 bis 21 Uhr\, die Künstlerin ist anwesend\nAusstellungsdauer: 30. Oktober 2026 bis 9. Januar 2027\nOrt: 68projects by KORNFELD\, Fasanenstraße 68\, 10719 Berlin \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nYoujin Yi bei 68projects by KORNFELD malt mit Acryl\, Öl und Ölpastell auf Leinwand und auf koreanischem Hanji-Papier\, das sie auf Leinwand aufzieht; Figuren\, Tiere und hybride Formen bevölkern Bildräume\, in denen der Hintergrund als physischer und psychologischer Raum gedacht ist. Der Tiger\, eine Leitfigur der koreanischen Bildkultur\, wandert in der Ausstellung zwischen Märchen\, persönlicher Erinnerung und kulturellem Gedächtnis. Die 1980 in Gangneung geborene Künstlerin studierte traditionelle koreanische Malerei in Seoul und schloss 2011 als Meisterschülerin von Günther Förg an der Akademie der Bildenden Künste München ab; Werke von ihr besitzt das Seoul Museum of Art\, 2023 erhielt sie den Kiaf Seoul Highlights Award. Am selben Abend eröffnet in der KORNFELD Galerie (Fasanenstraße 26) „False Skies“ von Lena Keller. Geöffnet ist Dienstag bis Samstag von 11 bis 18 Uhr.
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SUMMARY:Hermann Reimer: Multiplex in der Galerie Schwind
DESCRIPTION:Hiermit laden wir Sie herzlich zur Ausstellung mit Gemälden von Hermann Reimer am Freitag\, den 30. Oktober 2026 in die Galerie Schwind Berlin ein. \nHermann Reimer (*1959 in Münster\, lebt und arbeitet in Berlin) gehört zu den herausragenden gegenwärtigen Landschafts- und Raummalern. Als Meisterschüler von Klaus Fußmann entwickelt er in seinen Bildern eine Malerei\, die das Vertraute präzise beobachtet und zugleich verfremdet. \nDie Ausstellung zeigt sowohl Interieurs als auch Landschaften der letzten Jahre. \nEröffnung: Freitag\, 30. Oktober 2026\, 18 Uhr\nAusstellungsdauer: 30. Oktober bis 11. Dezember 2026\nOrt: Galerie Schwind Berlin\, Große Hamburger Straße 1\, 10115 Berlin \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nHermann Reimer in der Galerie Schwind zeigt Interieurs und Landschaften in Öl auf Leinwand\, darunter „Wolkenkuckucksheim“ (2021\, 130 x 100 cm) und „Diner“ (2026\, 150 x 150 cm). Die 1989 in Frankfurt am Main gegründete Galerie hat ihren Berliner Standort an der Großen Hamburger Straße in Mitte\, zwischen Hackeschem Markt und Oranienburger Straße. Geöffnet ist Mittwoch bis Freitag von 12 bis 18 Uhr und Samstag von 10 bis 16 Uhr\, an Feiertagen geschlossen.
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SUMMARY:Carrie Mae Weems: The Heart of the Matter im C/O Berlin
DESCRIPTION:Carrie Mae WeemsThe Heart of the MatterSeptember 12\, 2026 – February 03\, 2027C/O Berlin\, Berlin\, Germany \nAusstellungsdauer: 12. September 2026 bis 3. Februar 2027\nOrt: C/O Berlin im Amerika Haus\, Hardenbergstraße 22–24\, 10623 Berlin\, täglich 11 bis 20 Uhr\, Eintritt 15 Euro\, ermäßigt 8 Euro\, frei bis einschließlich 18 Jahre \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nCarrie Mae Weems im C/O Berlin ist eine umfassende Retrospektive mit mehr als 100 Fotografien und Videos: von „Family Pictures and Stories“ (1978 bis 1984) über die „Kitchen Table Series“ (1990) und die Serie „Museums“ bis zu den neuen Arbeiten „Preach“ (2024) und der Videoinstallation „Leave Now!“ (2022). Die 1953 in Portland\, Oregon\, geborene Künstlerin verbindet Fotografie\, Text\, Stoff\, Audio und Video und fragt nach Macht\, Erinnerung und den Konstruktionen von race und Weiblichkeit; sie wurde unter anderem mit der MacArthur Fellowship und der National Medal of Arts ausgezeichnet. Kuratiert hat die Schau Sarah Hermanson Meister (Aperture)\, für Berlin adaptiert von Boaz Levin. Im Begleitprogramm: die performative Intervention „Harlem Renaissance“ mit Langston Uibel an den Samstagen 14.\, 21. und 28. November 2026\, jeweils 19 Uhr\, sowie After-Work-Führungen am 19. November und 17. Dezember 2026 um 19 Uhr; reguläre Führungen samstags und sonntags um 14 Uhr (deutsch) und 15.30 Uhr (englisch). Das Amerika Haus am Bahnhof Zoo ist täglich von 11 bis 20 Uhr geöffnet.
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SUMMARY:WINTERLIGHTS von Christopher Bauder bei DARK MATTER
DESCRIPTION:DARK MATTER lädt euch herzlich zur Eröffnung von WINTERLIGHTS ein. \nAm 4. November 2026 verwandelt der Berliner Licht- und Medienkünstler Christopher Bauder die TRANSFORMATOR-Kunsthalle erneut in ein leuchtendes Winterwunderland. \nDas absolute Highlight bildet in diesem Jahr die noch raumgreifendere Eisbahn im Zentrum der Halle: Auf Kufen gleiten die Gäste mitten durch die Installation\, während das Eis durch tausende integrierte Lichter erstmals selbst zum integralen Bestandteil der Inszenierung wird. \nRund um die Eisbahn entfaltet sich auf 1.000 Quadratmetern ein schwebender Wald aus über 600 Tannenbäumen und mehr als 300.000 Lichtpunkten. Begleitet von einer eigens entwickelten Komposition des niederländischen Musikers Chris Kuijten vereint das Werk Tradition\, zeitgenössische Lichtkunst und winterliche Magie. \nERÖFFNUNGSVERANSTALTUNG:\nWann: Mittwoch\, 4. November 2026\, ab 17:30 Uhr\nWo: DARK MATTER\, Köpenicker Chaussee 46\, 10317 Berlin – Lichtenberg \nPROGRAMM:\n17:30 Uhr: Einlass\n18:00 Uhr: Einführung durch Christopher Bauder und Einweihung der Eisbahn mit einer exklusiven Performance on Ice\nAb 18:30 Uhr: Eislaufen für alle Gäste \nEröffnung\nMittwoch\, 4. November 2026\, ab 17:30 Uhr \nAusstellungsdauer\n4. November 2026 bis 14. Februar 2027 \nOrt\nDARK MATTER\, TRANSFORMATOR-Kunsthalle\nKöpenicker Chaussee 46\, 10317 Berlin \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nWINTERLIGHTS bei DARK MATTER läuft vom 4. November 2026 bis 14. Februar 2027 in der TRANSFORMATOR-Kunsthalle an der Köpenicker Chaussee im Bezirk Lichtenberg\, nahe dem S-Bahnhof Rummelsburg. Die Eröffnung am Mittwoch\, 4. November\, beginnt um 17.30 Uhr mit dem Einlass\, um 18 Uhr führt Christopher Bauder in die Installation ein. Danach ist die Lichtinstallation von Mittwoch bis Sonntag geöffnet; die genauen Zeiten und Tickets findest Du auf der Website von DARK MATTER.
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SUMMARY:Über Zeiten. Gursky\, Lucas\, Miró\, Warhol und die Kunst des langen 19. Jahrhunderts
DESCRIPTION:Zum 150-jährigen Jubiläum der Alten Nationalgalerie bringt die Sonderpräsentation „Über Zeiten“ Werke des langen 19. und späten 20. Jahrhunderts miteinander ins Gespräch. In zehn Räumen auf allen drei Etagen des Hauses treffen unter anderem Andreas Gursky\, Sarah Lucas\, Joan Miró und Andy Warhol auf die Kunst des 19. Jahrhunderts. Ungewöhnliche Gegenüberstellungen eröffnen neue Blicke auf vertraute Werke und fragen danach\, was Kunst ist und sein kann. \nAls die Nationalgalerie 1876 auf der Museumsinsel Berlin eröffnet wurde\, war sie ein Haus für zeitgenössische Kunst. Heute ist die Alte Nationalgalerie das Stammhaus der Nationalgalerie und widmet sich der Kunst des langen 19. Jahrhunderts. Alle inzwischen sechs Häuser der Nationalgalerie verbindet ein gemeinsam geführter Bestand\, der vom späten 18. Jahrhundert bis in die unmittelbare Gegenwart reicht. „Über Zeiten“ macht dieses Kontinuum entlang von ausgewählten Positionen innerhalb der historischen Sammlungspräsentation sichtbar und lädt zum vergleichenden\, assoziativen Schauen ein. \nDialoge über Epochen und Gattungen hinweg \nStillleben\, Selbstbildnisse und Porträts\, Abstraktion und Gegenständlichkeit\, Malerei\, Fotografie und Skulptur begegnen einander in überraschenden Konstellationen. Gotthard Graubners (1930-2013) intensive Farbraumkörper treffen auf neue Wahrnehmungsformen des Impressionismus und Postimpressionismus. Die Begegnung von Andy Warhols (1928-1987) „Diamond Dust Shoes“ mit einem Stillleben Paul Cézannes (1839-1906) zeigt\, wie das Genre über mehr als ein Jahrhundert hinweg zum Experimentierfeld für das Zusammenspiel von Form\, Farbe und Fläche wird. \nAuch Selbstentwürfe und gesellschaftliche Rollenbilder spiegeln sich über die Zeiten hinweg: Dem Selbstbildnis der Malerin Sabine Lepsius (1864–1942)\, die sich in einem von Männern dominierten Kunstbetrieb behaupten musste\, steht ein fotografisches Selbstbildnis der britischen Gegenwartskünstlerin Sarah Lucas (*1962) gegenüber. In einer lässigen\, männlich konnotierten Pose blickt Lucas rauchend und trotzig an der Kamera vorbei. \nEin weiterer Dialog verbindet Adolph Menzels epochales „Eisenwalzwerk (Moderne Cyclopen)“ (1872–1875) mit Andreas Gurskys (*1955) „Singapore Bourse II“ (1997). Die Malerei des Realismus trifft hier auf ein verdichtetes künstlerisches Bild der Börsenwirklichkeit. In sehr unterschiedlicher Form nehmen beide Werke Arbeitswelten\, ökonomische Prozesse und die Möglichkeiten ihrer künstlerischen Darstellung in den Blick. \nDie Ausstellung erstreckt sich punktuell über alle drei Etagen der Alten Nationalgalerie. Ein begleitender Audioguide vertieft die epochenübergreifenden Beziehungen: Künstler*innen\, Direktor*innen\, Sammler*innen und Restaurator*innen stellen ausgewählte Werkdialoge vor. \nEine Sonderpräsentation der Alten Nationalgalerie\, Staatliche Museen zu Berlin\, ermöglicht durch die FREUNDE der Nationalgalerie und großzügig unterstützt durch die Eva Leinemann Kunststiftung. \nAusstellungsdauer\n22. Oktober 2026 bis 28. Februar 2027 \nOrt\nAlte Nationalgalerie\, Bodestraße 1-3\, 10178 Berlin\nDi bis So 10 bis 18 Uhr\, montags geschlossen\nEintritt 16 Euro\, ermäßigt 8 Euro
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SUMMARY:Moritz Lindur: ZERO in der Galerie Gegen & Lücke
DESCRIPTION:“ZERO”\nMoritz Lindur\n16.10. – 21.11.2026 \nKnown as the name of the artists’ group founded in Düsseldorf in the post-war years\, ZERO described a ‘zero hour’ following the horrors of the Second World War – a new beginning in the form of art reduced in both form and content\, whose primary aim was aesthetic. Moritz Lindur calls for nothing less than such a radical new beginning\, whilst pursuing a fundamentally contrasting approach. Far from being depoliticised\, the works of his untutored artist spring from an attitude that regards the private sphere as inevitably political\, making it almost impossible for the viewer not to take a political stance\, or at least to take a position on the subject matter\, when viewing them. In doing so – free from any institutional constraints – he works across genres and employs a formal language that\, in its aesthetics and methods\, repeatedly draws upon the written and spoken word. In terms of both form and content\, Lindur’s works leave no doubt that the artist is aware of the increasingly pervasive multiple crises of an era in which ever-larger sections of the world’s population live in precarious circumstances\, whilst a numerically small elite accumulates ever greater wealth. This impression is reinforced by a manifesto\, written by Lindur himself and reproduced as a take-away for all visitors to the exhibition\, in which Lindur\, for the first time\, not only highlights injustices and makes them visible but actively seeks solutions and puts them up for collective reflection and implementation. (…) \nText: Elsa Mack \nAusstellungsdauer\n16. Oktober bis 21. November 2026 \nOrt\nGalerie Gegen & Lücke\nRosa-Luxemburg-Straße 35\, 10178 Berlin\nMi bis Sa 12 bis 18 Uhr \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nZERO bei Gegen & Lücke läuft vom 16. Oktober bis 21. November 2026. Die Galerie liegt in der Rosa-Luxemburg-Straße 35 in Berlin-Mitte\, wenige Schritte vom U-Bahnhof Rosa-Luxemburg-Platz\, und gehört zu den von Culterim betriebenen Kunsträumen. Geöffnet ist Mittwoch bis Samstag von 12 bis 18 Uhr. Der englische Text zur Ausstellung stammt von Elsa Mack.
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SUMMARY:Porträts! Überraschende Begegnungen von Botticelli bis Lempicka
DESCRIPTION:Wie sehen wir uns selbst – und wie wollten Menschen zu verschiedenen Zeiten gesehen werden? Mit der großen Sonderausstellung „Porträts! Überraschende Begegnungen von Botticelli bis Lempicka“ lädt die Gemäldegalerie zu einer Reise durch die Geschichte der Porträtkunst ein. Bildnisse aus sechs Jahrhunderten treten in unerwartete Dialoge und werfen Fragen zu Fremd- und Selbstwahrnehmung\, Inszenierung\, Status und Individualität auf. Meisterwerke von Künstler*innen wie Botticelli und Lempicka\, Dürer und Giorgione\, Rubens und Gainsborough oder Therbusch und Largillière stehen einander gegenüber und offenbaren dabei verblüffende Gemeinsamkeiten. \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nDie Ausstellung Porträts in der Gemäldegalerie Berlin läuft vom 16. Oktober 2026 bis 14. März 2027 am Kulturforum im Bezirk Tiergarten. Rund 90 Werke werden paarweise gegenübergestellt\, gegliedert in vier Kapitel. Der Eintritt kostet 16 Euro\, ermäßigt 8 Euro. \nAusstellungsdauer\n16. Oktober 2026 bis 14. März 2027 \nOrt\nGemäldegalerie\, Johanna-und-Eduard-Arnhold-Platz / Matthäikirchplatz\, 10785 Berlin\nDi bis So 10 bis 18 Uhr\, montags geschlossen\nEintritt 16 Euro\, ermäßigt 8 Euro
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SUMMARY:Cesar Klein. Bild Raum Bühne im Bröhan-Museum
DESCRIPTION:Cesar Klein (1876–1954) war ein moderner Universalkünstler\, der die Grenzen zwischen freier und angewandter Kunst mit beeindruckender Vielseitigkeit überschritt. Sein Schaffen umfasste nicht nur Malerei und Grafik\, sondern auch Innenarchitektur sowie die Gestaltung von Mosaiken\, Glasfenstern\, Möbeln und Porzellan. Darüber hinaus prägte er als Bühnenbildner und Filmausstatter das kulturelle Leben im Berlin der Weimarer Republik maßgeblich. \nAls bildender Künstler wirkte Klein entscheidend an den wichtigsten Avantgardeströmungen der Vor- und Zwischenkriegszeit mit. 1910 gehörte er zu den ersten Mitgliedern der Neuen Secession\, gemeinsam mit expressionistischen Künstlern wie Max Pechstein. Einen Ruf an das neu gegründete Bauhaus lehnte Klein 1919 ab. Stattdessen übernahm er die Leitung einer Klasse für Dekorationsmalerei an der Berliner Unterrichtsanstalt des Kunstgewerbemuseums\, vertiefte seine Kontakte in die Kunst- und Theaterwelt und wurde in den 1920er Jahren zu einem gefragten Bühnenbildner und Raumgestalter – prägend sowohl für das expressionistische Theater als auch für die Formensprache des deutschen Art Déco. Während der NS-Zeit verlor Klein seine Professur\, erhielt Malverbot und wurde als „entartet“ diffamiert; zahlreiche seiner Werke wurden aus öffentlichen Sammlungen entfernt. Ausschließlich im Bereich des Bühnenbilds konnte er weiterhin tätig bleiben. Nach dem Zweiten Weltkrieg wandte er sich erneut intensiv der Malerei zu und schuf ein eindrucksvolles Spätwerk. \nKleins Werdegang verdeutlicht die herausgehobene Rolle Berlins ab den 1910er Jahren. Denn diese Karriere war durch Berlin\, aber auch so nur in Berlin möglich. Cesar Klein war intensiv mit involviert in Berlins Aufstieg zur unumstrittenen Kulturhauptstadt Deutschlands in der Weimarer Republik. Als wichtiger Maler des deutschen Expressionismus knüpfte er an das von der englischen Arts-and-Crafts-Bewegung geprägte Kunstverständnis an\, nach dem Künstler auch angewandt arbeiten und sich der Gestaltung von Objekten und Räumen widmen sollten. So schuf er in der Hauptstadt Interior Design für Kinos und Theater und arbeitete als Szenograf und Bühnenbildner auch für Film- und Theaterinszenierungen. \nCesar Klein zählt zweifellos zu den bedeutendsten Vertretern der Berliner Moderne\, sowohl in der freien Kunst als auch im angewandten Bereich. Dennoch wurde ihm in Berlin bisher keine monografische Ausstellung gewidmet. Der 150. Geburtstag des Künstlers bietet nun den Anlass\, sein Schaffen mit einer groß angelegten Schau – gezeigt werden rund 200 hochkarätige Leihgaben – in Berlin zu würdigen. \nDie Realisierung des Projektes wird aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds ermöglicht. \nGefördert durch die Ernst von Siemens Kunststiftung: „Wir freuen uns\, den umfangreichen Katalog dieses außergewöhnlichen Ausstellungsprojekts unterstützen zu können. Cesar Klein und Siemens\, das ist keine abstrakte Fördergeschichte. Es ist eine enge Verbindung\, die sich bis heute in Stein manifestiert. Denn Cesar Klein entwarf 1913 für das Berliner Hauptgebäude der damaligen Siemens & Halske AG den eindrucksvollen Marmormosaikfußboden\, der sich bis heute erhalten hat.“\, so Dr. Martin Hoernes\, Generalsekretär der Ernst von Siemens Kunststiftung. \nGefördert durch den Freundeskreis Cesar Klein e.V. \nDie TheaterGemeinde Berlin hat durch ihre finanzielle Unterstützung den Nachbau eines Bühnenbildes von Cesar Klein ermöglicht. \nMedienpartner: Wall GmbH\, rbb24 Inforadio\, radio3\, tip\, The Berliner\, Dinamix \nBEGLEITPROGRAMM\nKostenlose öffentliche Führungen (zzgl. Museumseintritt): an jedem Samstag\, 15 Uhr\, Anmeldung nicht erforderlich\nKostenlose öffentliche Kuratorinnen-Führungen (zzgl. Museumseintritt): So\, 1.11.\, 10.1.\, 21.2.\, 16 Uhr\, Anmeldung nicht erforderlich\nTheater machen! Vortrag mit anschließender Diskussion\, umrahmt von Musik und Puppenspiel: Sa\, 14.11.\, 18 Uhr\, Eintritt frei\, Anmeldung nicht erforderlich\nKultur für alle! Diskussion\, umrahmt von Musik: Do\, 4.2.\, 18 Uhr\, Eintritt frei\, Anmeldung nicht erforderlich\nBühnenbilder und szenische Räume. Diskussion: Fr\, 26.2.\, 18 Uhr\, Eintritt frei\, Anmeldung nicht erforderlich\nLieber Rhythmus. Musikalische Hommage an Cesar Klein: Fr\, 12.3.\, 18 Uhr\, Eintritt frei\, Anmeldung nicht erforderlich \nKuratorin der Ausstellung: Dr. Anna Grosskopf\nAusstellungsgestaltung: Katleen Arthen \nÖffnungszeiten: Di bis So von 11 bis 18 Uhr und an allen Feiertagen (24. und 31.12. geschlossen)\nEintritt: 9\,- €\, erm. 6\,- €\nHappy Wednesday: Jeden 1. Mittwoch im Monat gilt ein Einheitspreis von 4\,- € für alle. \nZur Ausstellung erscheint ein Katalog im DCV Verlag: 248 Seiten\, zahlreiche Abb. Preis: 28\,- Euro an der Museumskasse \nAusstellungsdauer\n15. Oktober 2026 bis 29. März 2027 \nOrt\nBröhan-Museum\, Schloßstraße 1a\, 14059 Berlin
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SUMMARY:Chodowiecki 300 – Berliner Künstlerinnen um 1800 im Knoblauchhaus
DESCRIPTION:Vom 14. Oktober bis zum 29. November präsentiert das Berlin Museum im Knoblauchhaus die Ausstellung „Chodowiecki 300 – Berliner Künstlerinnen um 1800“. Der Grafiker Daniel Chodowiecki (1726–1801) gehört zu den bekanntesten Künstlern seiner Zeit. Zu seinem 300. Geburtstag richtet die Ausstellung den Blick nicht nur auf seine Meisterwerke\, sondern auch auf Frauen aus seinem Umfeld\, die lange kaum beachtet wurden. \nGezeigt werden Arbeiten seiner Töchter und Schülerinnen\, die sich um 1800 ihren Platz in der Kunst erkämpften – in einer Zeit\, in der Frauen nur wenig Möglichkeiten hatten\, künstlerisch tätig zu sein. Daniel Chodowiecki gab ihnen als Zeichenlehrer Freiraum für ihre Kreativität. Eine regelmäßig stattfindende akademische Kunstausstellung bot ihnen außerdem die Chance\, ihre Werke der Öffentlichkeit vorzustellen. \nAnhand von Zeichnungen und Druck-Grafiken erzählt die Ausstellung von Talent\, Ausbildung und Durchhaltevermögen. Sie macht sichtbar\, wie diese Berliner Künstlerinnen arbeiteten\, welche Hindernisse sie überwinden mussten und warum sie heute neu entdeckt werden. \nMit Werken von: Suzette Henry\, Louis Claude\, Henriette Le Coq\, Manon Hainchelin\, Antoinette und Henriette Félicité Tassaert\, Daniel Chodowiecki und Anton Graff. \nChodowiecki 300 – Berliner Künstlerinnen um 1800\nLaufzeit: 14.10.–29.11.2026\nOrt: Knoblauchhaus | Poststraße 23 | 10178 Berlin\nWeb: www.berlin.museum/ausstellung/chodowiecki-300 \nEine Kooperation mit der Kunstsammlung der Akademie der Künste \nDie Kabinettausstellung ist Teil des sammlungs- und länderübergreifenden Verbundprojekts „Chodowiecki 300“ anlässlich des 300. Geburtstags von Daniel Chodowiecki. \nBildnachweis:\n„Cabinet d´un peintre“ (Kabinett eines Malers)\, Radierung von Daniel Chodowiecki\, Berlin\, 1772 (von links nach rechts: Jeanne Barez\, Jeanette\, Susanne und Henriette Chodowiecka\, Isaac Heinrich\, Wilhelm und Daniel Chodowiecki)\n© Sammlung Stiftung Stadtmuseum Berlin \nBegleitprogramm \nDo | 05.11. | 16 – 17.30 Uhr\nDaniel Chodowiecki und seine Schülerinnen\nKunstausbildung im Berlin des 18. Jahrhunderts\nVor 240 Jahren hatten Frauen meist keinen Zugang zu einer Kunstausbildung. Der Berliner Grafiker ermöglichte sie ihnen. Die Töchter von Daniel Chodowiecki und ihre Freundinnen lernten bei ihm das Zeichnen und die Pastell-Malerei. Für die damalige\, von Männern geprägte Gesellschaft war das außergewöhnlich. \nAls Vizedirektor der Kunstakademie unterstützte Chodowiecki die angehenden Künstlerinnen auch über den Unterricht hinaus. Er vermittelte ihnen Kontakte in die Berliner und Dresdner Kunstszene und ermöglichte ihnen\, an der Jahresausstellung der Kunstakademie teilzunehmen – ein wichtiger Schritt auf dem Weg zu einer künstlerischen Karriere.\nVeranstaltungsort: Knoblauchhaus | Poststraße 23 | 10178 Berlin\nEintritt: 12 Euro | ermäßigt 3 Euro \nAusstellungsdauer\n14. Oktober bis 29. November 2026 \nOrt\nKnoblauchhaus\, Poststraße 23\, 10178 Berlin\nDi bis So 10 bis 18 Uhr\, montags geschlossen\nEintritt 7 Euro\, Kombi-Ticket 15 Euro (Nikolaikirche\, Ephraim-Palais\, Knoblauchhaus)
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SUMMARY:Rubens\, Jordaens\, van Dyck – Flämische Meisterzeichnungen
DESCRIPTION:Erstmals nach fünfzig Jahren präsentiert das Kupferstichkabinett wieder eine Ausstellung mit mehr als 100 herausragenden Zeichnungen von 28 flämischen Künstlern aus seinem Bestand. Die oft erstaunlich malerischen\, kraftvollen Zeichnungen entstanden zwischen 1570 und 1650 und erlauben faszinierende Einblicke in den kreativen Schaffensprozess\, entstanden sie doch selten als Selbstzweck\, sondern vielmehr in Vorbereitung für ein auszuführendes Werk. Die beeindruckende Breite der Themen reicht von christlichen und allegorischen Szenen über mythologische und historische Motive bis hin zu Genreszenen\, Porträts\, Stillleben und Landschaften. \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nDie Flämischen Meisterzeichnungen im Kupferstichkabinett sind vom 10. Oktober 2026 bis 31. Januar 2027 am Kulturforum im Berliner Bezirk Tiergarten zu sehen. Das Kupferstichkabinett gehört zu den Staatlichen Museen zu Berlin. Der Eintritt zur Sonderausstellung kostet 8 Euro\, ermäßigt 4 Euro. \nAusstellungsdauer\n10. Oktober 2026 bis 31. Januar 2027 \nOrt\nKupferstichkabinett\, Johanna-und-Eduard-Arnhold-Platz / Matthäikirchplatz\, 10785 Berlin\nEintritt 8 Euro\, ermäßigt 4 Euro
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SUMMARY:FRAUEN SEHEN in der C&B Reichert Galerie
DESCRIPTION:FRAUEN SEHEN versammelt 7 Künstlerinnen\, 7 Perspektiven und 7 Formen des Sehens. Die Ausstellung verbindet zeitgenössische Positionen unterschiedlicher Herkunft und Arbeitsweisen\, die sich mit weiblicher Wahrnehmung\, Körper\, Sichtbarkeit und gesellschaftlicher Teilhabe auseinandersetzen.\nDer Titel ist bewusst mehrdeutig: Frauen sehen Frauen. Künstlerinnen betrachten und inszenieren weibliche Körper und Lebenswirklichkeiten aus individuellen\, biografisch und gesellschaftlich geprägten Perspektiven.\nAriane Kipp macht in skulpturalen Arbeiten aus urbanen Fundstücken Spuren von Zeit\, Erinnerung und Gesellschaft sichtbar. Nicole Woischwill erforscht mit experimentellen Polaroid-Collagen Körper und weibliche Identität. Myriam Mall kehrt die traditionelle weibliche Rolle um und zeigt Frauen als selbstbewusste Subjekte. Ina Djurković verbindet Verletzlichkeit mit Stärke und Widerstand. Eva Gjaltema untersucht anhand fotografischer Archive Fragen von Identität und Selbstwahrnehmung. Aline Alagem entwickelt Bildwelten über Sinnlichkeit\, Begehren und weibliche Autonomie. Johanna Keimeyer erweitert den Bildbegriff zu einer sinnlich-räumlichen Erfahrung und richtet den Blick auf innere Wirklichkeiten.\nAlle Künstlerinnen leben in Berlin\, ihre Biografien reichen jedoch darüber hinaus. Diese unterschiedlichen Erfahrungen prägen ihre Formen des Sehens und machen deutlich: Es gibt nicht den weiblichen Blick – es gibt viele.\nFRAUEN SEHEN versteht Sichtbarkeit als künstlerische und gesellschaftliche Praxis und lädt dazu ein\, den Blick selbst zu hinterfragen: Wer schaut? Wer wird angeschaut? Wer bestimmt\, was sichtbar wird?\nKuratiert von Nicole Woischwill
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LOCATION:C&B Reichert Galerie\, Fasanenstraße 29 (Passage)\, Berlin\, 10719
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SUMMARY:Tanja Ostojić: ENCOUNTERS — On Bodies\, Borders\, Resistance
DESCRIPTION:ENCOUNTERS ist die erste umfassende Überblicksausstellung der in Berlin lebenden Künstlerin Tanja Ostojić in Deutschland. Als Pionierin feministischer und postmigrantischer künstlerischer Praxis beschäftigt sie sich seit den 1990er Jahren mit Fragen von Migration\, Körperpolitiken\, Geschlechterverhältnissen sowie institutionellen Macht- und Ausschlussmechanismen. Ihre Arbeiten bewegen sich zwischen Performance\, Video\, Installation und Konzeptkunst und entstehen häufig in engem kollaborativen Austausch. \nDie Ausstellung versammelt zentrale Werke aus den vergangenen 25 Jahren sowie neue Produktionen und macht die anhaltende Relevanz von Ostojićs Praxis für aktuelle gesellschaftliche Debatten sichtbar. Ein begleitendes Programm mit Artist Talk\, Round Table und Workshop vertieft die Auseinandersetzung mit den Themen der Ausstellung. \nDas Projekt entsteht in Kooperation zwischen dem Kunstraum Kreuzberg/Bethanien und alpha nova & galerie futura. \nEröffnung: Freitag\, 23. Oktober 2026 ab 17 Uhr\n19 Uhr Begrüßung Stéphane Bauer (Leiter Kunstraum Kreuzberg/Bethanien)\, Katharina Koch und Sylvia Sadzinski (Kuratorinnen der Ausstellung)\n20 Uhr: Auftritt Antifachor \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nTanja Ostojić ENCOUNTERS ist vom 24.10.2026 bis 14.02.2027 im Kunstraum Kreuzberg Bethanien am Mariannenplatz 2 in Kreuzberg zu sehen. Der Kunstraum zeigt Gruppen- und Themenausstellungen zu sozialen und kulturellen Gegenwartsprozessen. Geöffnet ist täglich von 10 bis 20 Uhr\, der Eintritt ist frei.
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SUMMARY:Susanne Ahner – „Marmorpalais“
DESCRIPTION:Susanne Ahner geht in ihrer künstlerischen Arbeit stets von Orten und Räumen aus. Im Falle der Ausstellung Marmorpalais im Projektraum des Vereins der Berliner Künstlerinnen 1867 richtet sie ihren Blick als Bildhauerin auf den grau-wolkigen Marmorboden\, der dem ehemaligen Antiquitätengeschäft einen Hauch von repräsentativer Kostbarkeit verleihen sollte.\n\nVom Boden aus entspannt Ahner ein Geflecht an Bezügen. Der Marmor führt sie zurück in ihre Kindheit\, bestand doch der Boden ihres Elternhauses aus unregelmäßig gebrochenen Marmorplatten unterschiedlicher Provenienz und Färbungen. Diesen implantiert Ahner nun in die vorhandenen Marmorfliesen – ein kunstvoller Hinweis auf die verbreiteten Natursteinimitate. Ahner verknüpft insofern Erinnerung hier eng mit den Gegebenheiten des Ausstellungsraums. Zugleich verweist das Zusammenspiel von Bodenplatten und Fotografien auf die große Bandbreite im Einsatz von Marmor – echt\, als steinerner Fake oder als Imitationsmalerei\, historisch wie aktuell.\n\nSusanne Ahner ist die fünfte Trägerin des Marianne-Werefkin-Preises. Der Preis wird seit 1990 vom Verein der Berliner Künstlerinnen1867 ausgelobt. Zu der Zeit war er der einzige Kunstpreis in Deutschland\, der ausschließlich an Künstlerinnen vergeben wurde.\n\nSusanne Ahner – „Marmorpalais“\n16. Oktober – 22. November 2026 \nProjektraum des Vereins der Berliner Künstlerinnen 1867 (VdBK1867)
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/susanne-ahner-marmorpalais/
LOCATION:Verein der Berliner Künstlerinnen 1867 e.V.\, Eisenacher Straße 118\, Berlin\, 10777\, Deutschland
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SUMMARY:Sol Namgung – „Everybody Knows This is Nowhere“
DESCRIPTION:Die FWR Galerie präsentiert ihre zweite Einzelausstellung mit der südkoreanischen Künstlerin Sol Namgung. Unter dem Titel „Everybody Knows This is Nowhere“ sind in Berlin ihre neuesten Malereien auf Leinwand zu sehen. \nLiebe Sol\, Deine zweite Soloshow bei FWR Galerie trägt den Titel Everybody Knows This Is Nowhere. Dies ist auch der Titel einer Malerei in der Ausstellung\, einem Mittelformat\, das von kreisförmig angeordneten Dreiecksformen in dunklen Blautönen geprägt ist. Es könnten die Silhouetten von Bäumen oder Bergen sein. Mittig glüht eine Art Lichtung im magischen Übergang von Gelb Orange-Rosé. Der Titel greift Neil Youngs bekanntestes Album (1969) auf. Inwiefern ist Musik für dieses Bild und deine Arbeit im Studio inspirierend? \nIch höre meistens Musik ohne Text\, wie z.B. Ambient Musik\, cinematische Musik und Klassik\, um eine Atmosphäre für ein Bild und im Atelier zu inszenieren. Dann beginne ich ein Bild mit einer passenden Farbe\, die zur Stimmung passt\, ohne Vorlage. Tagelang\, wochenlang schaue ich mir das Bild an und fülle es Schritt für Schritt. Ich male mal schnell und mal langsam und lost. Das Bild mit dem Ausstellungstitel stand lange in einer Ecke im Atelier. An einem Abend habe ich das Album Everybody Knows This Is Nowhere von Neil Young auf dem Schallplattenspieler meines Freundes gehört. Als ich dem Lied mit demselben Titel lauschte\, ist mir das „verlorene“ Bild eingefallen\, und auf einmal hatte ich einen Titel dafür. Genauso sind meine Malereien keine Abbildungen von einem bestimmten Ort\, sondern ein Raum\, wo gesehene Landschaft eine neue erschafft. Ein Ort\, der existiert\, aber nicht wirklich ist. Der Titel des Lieds hat quasi bei mir „angeklopft“. Und so verwandelt sich manchmal ein Wort\, ein Satz oder eben ein Liedtitel in ein Bild. \nVor deinen Bildern stehend gerät man ins Träumen. Was sich auf den ersten Blick als Landschaft präsentiert – hier ein See\, dort Bäume\, Büsche\, weiters Himmel\, Sonne\, Mond -\, wirkt beim zweiten Hinschauen unwirklich. Himmel und Meer tragen spiegelbildlich dasselbe Blau\, oder Sonne und Mondsichel stehen zeitgleich in einem karminroten Farbgrund\, ein perlenartiges Band schiebt sich vor den Horizont. Woher nimmst du deine landschaftlichen Impressionen? Und wie kommt es zu den surrealen Momenten in deiner Bilderwelt? \nIch nehme oft die Landschaften als Bildmotive\, die ich gerne betrachte. In meiner Heimat Chuncheon in Korea sehe ich die Berge aus dem Fenster. Egal\, wohin ich laufe\, stehen die Berge um mich herum\, während die Stadt mit Gebäuden\, Autos\, Straßen und Menschen voll ist. Natur wirkt hier wie eine Leerstelle. Und so kann mein Blick abseits der Hektik der Stadt sich ausruhen auf den Bergen\, den Bäumen\, dem Meer und dem Himmel. Auch auf meinen Reisen suche ich die Ruhe der Landschaft\, fern vom Lärm. Ich mache oft Fotos von Ausschnitten des Himmels\, dem Panorama. Immer wieder finde ich neue\, ungewöhnliche Perspektiven und erlerne dadurch die Dynamik der Linien\, neue Farben und Formen. Bilder vom Tag\, Bilder in der Nacht – ich sammle verschiedene\, und aus den Afterimages entsteht dann eine neuartige Landschaft. Vielleicht entsteht dadurch der surreale\, entrückte Eindruck. \nDein Farbauftrag ist besonders. Du gibst die Ölfarbe auf die pure Leinwand\, in nur einer Berührung. Es ist \,als ob deine Malerei „atmet“. Haben dein Handwerk und die daraus resultierende Ästhetik womöglich Verbindungen zur koreansichen Malerei – oder auch dem Film\, Mode? \nFrüher hatte ich keine Kenntnisse über koreanische Malerei. Seit ich in den USA und Deutschland Kunstmuseen besucht und die westliche Kunst erlebt habe\, fand ich erst meinen Geschmack heraus. Danach habe ich oft Ausstellungen der koreanischen alten und modernen Malerei in Korea besucht\, um die Kunst meiner Herkunft aus neuen Perspektiven zu betrachten. Die Materialien der traditionellen koreanischen Malerei sind Wasser\, Muk (Tusche) und koreanisches Papier. Die Pinselstriche werden in einem Zug entschieden. Die Stellen\, die nicht bemalt werden\, bleiben leer und trocken. Die Leere ist ein wesentlicher Teil der Komposition\, da sie das Bild atmen lässt. Es ist eine entschiedene Malerei\, die entleert und dadurch gefüllt ist. Durch das Anschauen solcher Werke habe ich das Füllen und Leeren\, und den Charme der trockenen Oberfläche des Bildes kennengelernt. Seither bin ich in die moderne Malerei von Lee Ufan\, Yun Hyong-keun und Yoo Young-kuk verliebt. Sie ist ruhig\, dramatisch\, schlicht und pathetisch. Ich möchte auch solche Bilder malen\, die das Essentielle zur Sprache kommen lassen.\n\nDeine Bildkompositionen oszillieren zwischen Figuration und Abstraktion. Anlass für diese Indifferenz ist deine auffallend minimalistische Formensprache. Visuelle Unschärfen lassen Vorder-und Hintergrund sowie die Grenze zwischen Farbe und Motiv verschwimmen. Alles im Bild wirkt losgelöst von Raum und Zeit. Folgst du in deiner Bildgestaltung einem zuvor festgelegten Konzept\, gibt es Vorstudien? Oder lässt du dich in einem intuitiven Prozess leiten? \nMein jüngstes Reiseziel wird oft zum Motiv für eine neue Werkreihe. Es können Berge\, das Meer\, ein Garten\, der letzte Sonnenaufgang oder auch nur eine Hecke oder ein einzelner Vogel am Himmel sein\, die ich zuletzt beeindruckt angeschaut habe. Ich male ohne Skizzen oder Zeichnungen als Vorlage. Das Malen ist für mich keine Aufgabe\, bei der ich festen Vorgaben folge\, sondern ich erlaube mir die Zeit für einen freien Ausdruck. Beim Malen wird die erlebte Landschaft von mir innerlich verarbeitet. Manchmal dauert es bei einem Bild zwei Tage oder mal ein halbes Jahr. Jedes Bild hat sein eigenes Tempo. Im Lauf des Prozesses kann das eigentliche Bildmotiv in der Farbe verschwinden\, die Grenze zwischen Vorder- und Hintergrund verunklaren\, und dadurch ein neuers Zeit-/ Raumkontinuum auf der Leinwand entstehen. Durch den langsamen und konstanten Prozess sehe ich schließlich\, wie meine Malerei das Bild formt. \nDeine Malerei wirkt wahrhaftig und tief ergreifend. Angesichts deines wiederkehrenden Motivs von der „Welle“ fühlte ich mich erinnert an eine Erzählung der koreanischen Dichterin Han Kang: „(…) In der Entfernung wirkt das Meer eher gleichmäßig bewegt\, und die Wellenkämme erinnern an die Schuppen unzähliger Fische. Myriaden glitzernder Partikel\, die ständig hin und her gewälzt werden – doch nichts ist unendlich.“ In diesen Worten verbindet sich leise Poesie gepaart mit Melancholie\, die von der Widerstandskraft des menschlichen Daseins erzählt. Welche persönlichen Empfindungen gehen in deine Malerei ein? Und welche Beobachtungen zur Befindlichkeit des Menschen heute machst du? \nIch bin glücklich und doch besorgt. Unglücklich und vergnügt zugleich. Leid und Hoffnung bestehen nebeneinander. Ich denke\, es gibt keinen absoluten Zustand. Nur das Dazwischen. Freude wie Leid vergehen. In dieser Verschwommenheit versuche ich trotzdem\, nicht pessimistisch zu sein. Ich kreiere mir kleine Wünsche und erste Erfolge. Ich richte meinen Blick hier und dorthin und lerne die Welt immer weiter kennen. Malerei ist für mich eine Spiegelung von Gedanken\, die sich nicht in Worte fassen lassen. Es ist meine Art und Weise\, Bedeutungen im Sonnenaufgang und in den endlosen Wellen zu finden und dem zu folgen\, was mich bewegt. Heutzutage gibt es die Neigung\, etwas Ultimatives und Absolutes zu verfolgen. In diesem Entweder-oder-Phänomen sehe ich vor allem Trennendes. Ich versuche hingegen nicht zu vergessen\, dass in allem immer auch eine andere Seite oder etwas dazwischen verborgen. \nSol Namgung – „Everybody Knows This is Nowhere“\n\n\n\n9. Oktober 2026 – 28. November 2026 \n\n\n\nFWR Galerie
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SUMMARY:Esther Naused - Transparenzen in der Wichtendahl Galerie
DESCRIPTION:Aus dem Zusammenspiel von kompakten und transparenten Farbflächen\, aus breiten und schmalen Pinselstrichen eröffnen sich in Esther Nauseds Tuschemalerei geheimnisvolle Bildräume von großer Tiefe. Es erscheinen Durchblicke und Spiegelungen\, offene und geschlossene Räume\, gleißendes Licht und dunkle Schatten. Mal wirken ihre Arbeiten reduziert und licht\, mal durch Schattierungen\, Überlagerungen und Durchdringungen sehr komplex\, lassen sich nicht sofort erschließen. Aber immer zieht das strahlende Licht den Blick in die Tiefe des Bildraumes\, erschafft eine ganz besondere Atmosphäre. \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nDie Ausstellung Transparenzen mit Esther Naused in der Wichtendahl Galerie läuft vom 16. Oktober bis 28. November 2026. Die Galerie in der Carmerstraße 10\, 10623 Berlin\, präsentiert aktuelle Kunst mit einem Schwerpunkt auf dem Material Papier als Medium der zeitgenössischen Kunst. Geöffnet ist dienstags bis freitags von 14 bis 18 Uhr und samstags von 13 bis 17 Uhr\, nach Vereinbarung auch außerhalb dieser Zeiten.
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