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SUMMARY:RARE MATTER — Art Exhibition
DESCRIPTION:Is Fashion Art? Six Berlin-based designers reveal their artistic practices beyond wearable fashion.\nBerlin\, November 2026 — Where does fashion end and art begin? On Friday\, November 13\, 2026\, RARE STORE & COLLECTIVE presents RARE MATTER – Art Exhibition\, a group exhibition bringing together six designers from the Berlin-based creative collective RARE F-hain. \nStepping beyond their fashion labels\, the participating designers reveal the artists\, creative processes and individual perspectives behind their brands through a selection of artworks\, objects and experimental material practices. \nAt the heart of the exhibition lies a question that continues to challenge the boundaries of creative expression: “IS FASHION ART?” \nFashion is more than what we wear. Behind every label is a creative mind whose artistic vision often extends far beyond clothing. \nRARE MATTER brings these often unseen dimensions into focus\, transforming the collective’s store in Berlin-Friedrichshain into a space for artistic exploration and exchange. \nFrom printmaking\, photography and intricate papercutting to textile installations\, sculptural forms and experimental compositions\, the exhibition brings together six distinct artistic approaches. \nThrough their work\, the participating artists explore materiality\, identity\, memory\, transformation and the possibilities of reusing existing resources. Together\, they challenge conventional distinctions between art\, fashion\, craft and design. \nSix designers. Six artistic perspectives. \nJulie Bourgeois — Tata Christiane \nIn Crochet Research. Upcycling Is a Palimpsest\, Julie Bourgeois explores crochet and upcycling as processes of rewriting and transformation. Existing textiles\, traditional techniques and discarded fragments are dismantled and reassembled into unexpected volumes and sculptural forms. Her work approaches materials as carriers of memory\, allowing different histories to coexist within a single creation. \nAndrea Bonfini — FADE OUT Label \nAndrea Bonfini presents a selection of earlier artistic works exploring different printing techniques and materials. These include photographic printing and photo transfers on gauze fabric\, alongside large-scale copperplate etchings on paper. Combining traditional intaglio methods such as soft-ground etching\, drypoint and etching\, his work investigates the expressive possibilities of image-making and material experimentation. \nElise Rolot — Everyday Pieces \nIn From Here to There\, Elise Rolot explores the transformation of discarded household textiles into new forms. Working with curtains\, bedsheets and other familiar fabrics\, she presents a textile installation examining the journey from domestic material to wearable garment. Her practice invites viewers to reconsider the potential of what already exists and the shifting meanings of everyday objects. \nKai Gerhardt — K∆IGERH∆RDT \nKai Gerhardt’s artistic practice operates at the intersection of fashion\, textile design and art. Through experimental material processes\, traditional craftsmanship and the reuse of existing resources\, they develop textile structures that move between surface\, body and space. Guided by LET THE FUTURE BE HUMAN\, their work challenges established categories\, identities and social norms\, opening new perspectives on materiality and creative expression. \nMeri Luján — CHAIN CULT \nMeri Luján presents a selection of early hand-cut papercut artworks\, created entirely by hand using a scalpel. Featuring an insectarium\, band logos and calligraphic compositions\, these intricate works reveal the foundations of an artistic practice that later evolved from fragile paper and cardboard into long-lasting stainless steel. The selection reflects on the contrast between impermanence and durability. \nAngie Aguirre — THERAPY Recycle and Exorcise / Fabric Actions \nIn Matter of Disobedience\, Angie Aguirre presents new works created specifically for the exhibition. Street-found fabrics are transformed into abstract compositions on rescued wood and reused canvases. \nRooted in her activist design practice and experiences between Argentina and Europe\, her work confronts the contrast between material scarcity and overabundance. Part art\, part protest\, these compositions question overproduction\, waste\, privilege and the symbolic values embedded in fashion\, challenging conventional ideas of consumption\, identity and worth. \nBeyond the labels \nFor one evening\, RARE STORE & COLLECTIVE becomes a meeting point for art\, fashion and individuality. \nThe opening on November 13 invites visitors to discover the artworks\, meet all six participating designers in person and engage with the creative minds behind the labels. \nMusic and drinks will accompany the evening\, creating an informal setting for artistic exchange and unexpected connections. \nNot just fashion. Not just art. A rare matter of perspective. \nEvent details \nRARE MATTER — Art Exhibition \nOpening / Vernissage: Friday\, November 13\, 2026\nTime: 5:00–10:00 PM\nLocation: RARE STORE & COLLECTIVE\nKopernikusstraße 21\, 10245 Berlin-Friedrichshain\, Germany \nFree admission\nMusic\, drinks and all participating artists present. \nAbout RARE STORE & COLLECTIVE \nRARE STORE & COLLECTIVE is an independent creative space in Berlin-Friedrichshain bringing together fashion\, design and artistic exchange. \nHome to the designers of the RARE F-hain collective\, the store provides a shared platform for individual creative practices\, experimental approaches and interdisciplinary encounters. \nWith RARE MATTER\, the collective turns the spotlight toward the artistic identities and practices behind its fashion labels. \nPress information \nImages of the exhibition and participating artists‘ works are attached. \nFor further information\, interviews and press imagery: \nRARE STORE & COLLECTIVE\nKopernikusstraße 21\, 10245 Berlin\, Germany \nParticipating artists:\nKai Gerhardt — @kaigerhardt_official\nMeri Luján — @chain.cult\nAngie Aguirre — @therapy_berlin / @fabric_actions\nAndrea Bonfini — @fadeoutlabel\nJulie Bourgeois — @tatachristiane\nElise Rolot — @everydaypieces
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SUMMARY:Bethan Huws im n.b.k. Showroom
DESCRIPTION:n.b.k. Showroom\nBethan Huws\n5. Dezember 2026 – 7. Februar 2027\nKurator: Arkadij Koscheew \nDer n.b.k. zeigt eine Einzelausstellung von Bethan Huws (*1961 in Bangor/Wales) im n.b.k. Showroom\, für die die Künstlerin ein neues\, raumfüllendes Konzept erarbeitet. Huws beschäftigt sich in ihren Werken eingehend mit Sprache als Mittel der Kunst. Diese Auseinandersetzung verfolgt sie in unterschiedlichen Medien\, räumlichen Interventionen\, Objekten und Textarbeiten. Im Zentrum ihrer vielschichtigen künstlerischen Praxis stehen sprachwissenschaftliche und kunsthistorische Erkundungen\, wobei das Schreiben der zentrale Ausgangspunkt für Huws bleibt. Aufbauend auf sprachlichen Experimenten und poetischen Reflexionen entwickelt sie großformatige Neonarbeiten\, Fotografien\, Videos\, Zeichnungen und Texte. \nEröffnung: Freitag\, 4. Dezember 2026\, 19 Uhr \nAusstellungsdauer: 5. Dezember 2026 – 7. Februar 2027 \nOrt: Neuer Berliner Kunstverein\, Showroom (1. OG)\, Chausseestraße 128/129\, 10115 Berlin\nShowroom (1. OG): Di–Fr 12–18 Uhr / Do 12–20 Uhr \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nBethan Huws ist vom 5. Dezember 2026 bis 7. Februar 2027 im n.b.k. Showroom in der ersten Etage des Neuen Berliner Kunstvereins in der Chausseestraße in Mitte zu sehen\, der Eintritt ist frei. Der 1969 gegründete Kunstverein eröffnet am selben Abend im Erdgeschoss auch die erste Einzelausstellung von Gala Porras-Kim in Deutschland sowie The Zapruder Effect.
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SUMMARY:Gala Porras-Kim. Total Loss Ghost im n.b.k.
DESCRIPTION:Gala Porras-Kim. Total Loss Ghost5. Dezember 2026 – 7. Februar 2027Kurator*innen: Marius Babias\, Krisztina Hunya \nDer Neue Berliner Kunstverein (n.b.k.) präsentiert die erste Einzelausstellung der Künstlerin Gala Porras-Kim (*1984 in Bogotá) in Deutschland. In ihren Arbeiten beschäftigt sich Porras-Kim mit der Wechselwirkung zwischen Objekten\, den materiellen wie rituellen Bedingungen ihrer Entstehung und den Konventionen\, die ihre Sammlung\, taxonomische Einordnung\, Konservierung und Präsentation in Ausstellungen regeln. Ausgehend von der inszenatorischen Macht des Museums sucht sie das Bewusstsein für dessen Codes zu schärfen und versteht Sammlungsobjekte als Speicher sich fortlaufend entfaltender Beziehungen menschlicher wie nicht-menschlicher Akteure. Für ihre Ausstellung im n.b.k. entwickelt Porras-Kim eine Werkschau basierend auf neuen und bereits existierenden Arbeiten\, darunter Zeichnungen\, Installationen und Videos. \nEröffnung: 4. Dezember 2026\, 19 Uhr \nAusstellungsdauer: 5. Dezember 2026 – 7. Februar 2027 \nOrt: Neuer Berliner Kunstverein\, Chausseestrasse 128/129\, 10115 BerlinErdgeschoss: Di–So 12–18 Uhr / Do 12–20 Uhr \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nTotal Loss Ghost im n.b.k. ist vom 5. Dezember 2026 bis 7. Februar 2027 im Erdgeschoss des Neuen Berliner Kunstvereins in der Chausseestraße in Mitte zu sehen\, der Eintritt ist frei. Der 1969 gegründete Kunstverein eröffnet am selben Abend auch die Ausstellung von Bethan Huws im Showroom im ersten Stock und The Zapruder Effect.
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SUMMARY:Anna Jung Seo: Drunken Boat in der Galerie Barbara Thumm
DESCRIPTION:Anna Jung Seo’s (b. 1964) artistic practice centers on the reconstruction of scenes\, drawing heavily from literary imagination. Through a process of transformation\, Seo converts the tangible urban landscape into a stage where exaggeration and metaphor interweave. This approach allows her to explore the nuances of perception and memory\, inviting viewers to engage with her interpretations of reality. \nThe new paintings present us with intimately drawn scenes and observations\, dimly and dramatically lit. Whereas her previous series focused more on daily reflections of her native Seoul or London\, where she lives and works\, the scenes and images in this exhibition are stimulated by literary inspirations—including Arthur Rimbaud’s poem (The Drunken Boat) and the novels of Roberto Bolaño. These works directly reflect Jung Seo’s early education and training in French literature\, as well as her enduring interest in the power of storytelling. \nSeo received a PhD in French Literature from Yonsei University\, Seoul (1999) and graduated from the Turps Studio Programme\, Turps Art School (2017) and the City & Guilds of London Art School (2011). \nCurated by Augusto Arbizo / Schwartzman&\, New York. \nEröffnung: Friday\, 06 November\, 2026\, 6—9 pm \nAusstellungsdauer: 07 November — 19 December\, 2026 \nOrt: Galerie Barbara Thumm\, Space II\, Markgrafenstr. 68 (Passage)\, 10969 Berlin \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nDie Ausstellung Drunken Boat in Berlin ist vom 7. November bis 19. Dezember 2026 im Space II der Galerie Barbara Thumm zu sehen\, parallel zu neuen Bildern von Peter Bonde im Space I. Die Galerie liegt in einer Passage der Markgrafenstraße in Kreuzberg. Geöffnet ist Mittwoch bis Samstag von 12 bis 18 Uhr.
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SUMMARY:Peter Bonde: New Paintings (keep on keeping on)
DESCRIPTION:We are delighted to present Peter Bonde’s second solo exhibition\, New Paintings / Keep on Keeping on\, at Galerie Barbara Thumm. \nThe new paintings pick up threads from earlier works and series\, revisiting them with the freedom of someone who knows his own vocabulary well enough to dismantle it. In doing so\, the works both invoke and disrupt the language of classical abstract painting. Sweeping gestures\, saturated colour fields and drips nod to the tradition of abstract painting\, yet they are repeatedly interrupted\, overpainted or set against images that refuse to stay in the background. \nNew Paintings / Keep on Keeping on is thus both a continuation and a stubborn act of defiance. It asks what it means to keep painting after decades of questioning painting itself\, and finds an answer in the act of continuing\, of returning to old images\, pulling them apart and putting them back together without smoothing over the seams. \nPeter Bonde graduated from the Royal Danish Academy of Fine Arts in 1982 (Copenhagen\, Denmark). He taught at the Funen Art Academy (Odense\, Denmark\, 1994–1996) and was professor at the Royal Danish Academy of Fine Arts (1996–2005). He represented Denmark alongside Jason Rhoades at the 48th Venice Biennale in 1999\, and in 2019 his works were shown at the 58th Venice Biennale as part of Danh Vo’s installation. \nEröffnung: Friday\, 06 November\, 2026\, 6—9 pm \nAusstellungsdauer: 07 November — 19 December\, 2026 \nOrt: Galerie Barbara Thumm\, Space I\, Markgrafenstr. 68 (Passage)\, 10969 BerlinGallery hours: Wednesday to Saturday 12 – 6 pm
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SUMMARY:Monströs in der Galerie im Turm
DESCRIPTION:Monster verleihen den unsichtbaren Kräften\, die unser Leben im Kapitalismus bestimmen\, eine fassbare Gestalt. Sie sind Bedeutungsträger sowie Ausdruck kultureller Ängste und Unsicherheiten. In einer von Zerstörung geprägten Welt rücken Gothic und Horror aus der Peripherie mitten in die Popkultur. Sie bieten keine bloße Flucht vor der Realität\, sondern stellen eine Diagnose: je monströser unsere Realität wird\, desto mehr spiegeln wir uns in ihrer Fiktion. \nMythische Wesen wie Vampire\, Zombies und Werwölfe kehren immer wieder zurück. Als wandelbare Figuren nehmen sie je nach Epoche und Perspektive neue Bedeutungen an. Innerhalb der bestehenden Machtstrukturen werden Monster seit jeher konstruiert\, um abweichende Stimmen zu unterdrücken. Als Reaktion darauf eigneten sich marginalisierte Communities das Monster als Symbol des Widerstands an. Umgekehrt wird das Konzept des Monströsen genutzt\, um die Mechanismen der Herrschenden offenzulegen: Ausbeutung\, Entfremdung und Unterdrückung. \nDie teilnehmenden Künstler*innen verhandeln genau diese Dualität. Sie zeigen auf\, wodurch bestehende Herrschaftsstrukturen bedroht werden: selbstbestimmte Körper\, die sich der Logik der Reproduktion entziehen oder sich gegen starre Zuschreibungen wehren. Gleichzeitig entlarven die Arbeiten\, was im Monströsen verhandelt wird: reale Gewalt wie die zombieartige Rückkehr des Faschismus und die kolonialen Kontinuitäten dieser Erzählungen. \nIndem sie die Monströsität unseren Systems offenlegen\, werden Monster zur Waffe gegen diese Verhältnisse. \nMit neuen Arbeiten von Emma Adler\, Caroline Douville\, Marven Rabe und Milena Wojhan. \nKuration: Carlotta Gonindard Liebe\nAusstellungsgestaltung: Carolina Redondo\nGrafikdesign: Polina Zagumenova\nAssistenz: Philipp Eyselein \nGalerie im Turm\, Berlin\n19. Nov 26 — 24. Jan 27\nEröffnung: 18. November\, 18 Uhr
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SUMMARY:Sonderausstellung: „Klaus Hack – Retrospektive“
DESCRIPTION:Klaus Hack (geboren 1966 in Bayreuth) ist ein Künstler\, der nicht nur früh und mit Erfolg in die Selbstständigkeit ging\, sondern seit diesem Zeitpunkt auch kontinuierlich sein Werk weiterentwickelt hat. Entgegen dem Zeitgeist hatte sich Hack\, inspiriert von den Skulpturen des Expressionismus\, von Beginn an für den klassischen Werkstoff Holz entschieden. Seit nunmehr 40 Jahren entstehen in diesem Material handwerklich vielseitig und virtuos\, motivisch phantasievoll und thematisch vielschichtig großformatige\, häufig weiß gefasste Holzskulpturen. \nKlaus Hack studierte nach einer Schreinerlehre zunächst an der Akademie in Nürnberg bei dem figurativ arbeitenden Bildhauer Wilhelm Uhlig (1930-2022). Er wechselte 1991 an die Berliner Hochschule der Künste zu Rolf Szymanski (1928-2013)\, wo er sich von der unversehrten menschlichen Figur zu lösen begann\, um fortan Körper und Gegenstände sich in freien Formen entwickeln zu lassen. Seit 1995 arbeitet der Künstler selbständig. \nDie Skulpturen von Klaus Hack sind meist allansichtig\, voller Durchbrüche und ineinander verschränkter Formen. Der Künstler erfindet phantastische Wesen\, obsessiv strukturierte Oberflächen und architektonische Formen und konstruiert Altäre von ungewöhnlicher Spiritualität. Seine Holzschnittdrucke kombinieren Zwei- und Dreidimensionales\, in dem der bearbeitete Baumstamm als Drucktrommel für großformatige Drucke auf Leinwand dient. Dazu schafft Klaus Hack imposante Holzschnitte in kontrastreicher Farbigkeit sowie zartfabulierende Malereien im kleinen Format. Das Werk des heute sechzigjährigen Klaus Hack wird von Erzählfreude und Erfindungsreichtum geprägt. Es steht in seiner Konsequenz\, mit der es im Material Holz stetig weiterentwickelt wurde\, singulär in der heutigen Zeit. \nDie Ausstellung verfolgt die Werkentwicklung des Künstlers von seinen frühen Anfängen Mitte der 1980er Jahre\, die unter dem Eindruck der Skulpturen von Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) standen\, die Arbeiten der Meisterschülerzeit bei Rolf Szymanski und der ersten Selbstständigkeit mit den großformatigen Drucktrommel-Werken über die verinnerlichten Sitzfiguren der frühen 2000er Jahre\, die Architekturobjekte und -reliefs bis zu den aktuellen Altären und Figuren. \nGezeigt werden ca. 30 zum Teil großformatige Skulpturen\, etliche monumentale Holzschnittdrucke und Holzschnitte sowie zahlreiche Zeichnungen. \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nDie Retrospektive Klaus Hack im Käthe-Kollwitz-Museum Berlin läuft vom 15. November 2026 bis zum 10. Januar 2027 und wird am Sonntag\, 15. November\, um 11 Uhr eröffnet. Das Museum im ehemaligen Charlottenburger Schlosstheater\, Spandauer Damm 10\, 14059 Berlin\, ist täglich von 11 bis 18 Uhr geöffnet. Der Eintritt kostet 8 Euro\, ermäßigt 5 Euro\, unter 18 Jahren frei.
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SUMMARY:Angela de la Cruz: Shelter in der Galerie Thomas Schulte
DESCRIPTION:In „Shelter“\, ihrer vierten Einzelausstellung in der Galerie Thomas Schulte\, knüpft Angela de la Cruz an ihre unverwechselbare künstlerische Praxis an. Ausgehend von der Formensprache der Malerei und des Minimalismus entstehen Arbeiten von eindringlicher physischer und emotionaler Präsenz. Eine neue Serie monochromer\, wandmontierter Arbeiten mit skulpturalem Charakter besteht aus mehreren Schichten gespannter und loser Leinwand\, die von einer Aluminiumoberfläche bedeckt sind. Die feste äußere Hülle offenbart durch Dellen und Falten zugleich ihre eigene Fragilität. Darunter kommt die ebenfalls gestauchte und zerknüllte Leinwand zum Vorschein. An den Rändern drängt sie nach außen\, quillt hervor und gibt den Blick auf ein weiches\, Körperinneres frei. Im Zusammenspiel der unterschiedlichen Materialoberflächen zeigen sich subtile Verschiebungen und überraschende Entsprechungen: Festigkeit weicht der Verletzlichkeit\, Verhüllung wird zur Entblößung\, geometrische Ordnung bricht in sich zusammen und offenbart einen Mangel an strukturellem Halt.\nDie Arbeiten in „Shelter“ erinnern an notdürftige Schutzschilde oder weiche\, provisorische Umhüllungen und lassen eine prekäre Form des Schutzes erahnen. Vielleicht sind sie eine Reaktion auf ein ebenso prekäres Umfeld. Sie konfrontieren uns mit den Folgen dessen\, was bereits geschehen ist\, und geben zugleich einen Hinweis auf das\, was noch bevorsteht. \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nShelter in der Galerie Thomas Schulte ist vom 21. November 2026 bis zum 13. Februar 2027 am zweiten Standort der Galerie zu sehen\, in den Mercator Höfen\, Potsdamer Str. 81B\, erster Stock\, 10785 Berlin. Die Galerie hat diesen Ort im Herbst 2024 eröffnet; ihren Sitz hat sie seit 2006 im Tuteurhaus in Berlin-Mitte.
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/angela-de-la-cruz-shelter/
LOCATION:Galerie Thomas Schulte Potsdamer Straße\, Mercator Höfe\, Potsdamer Str. 81B\, erster Stock\, Berlin\, 10785
CATEGORIES:Ausstellung
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SUMMARY:Mark Handforth: Zig-Zag City in der Galerie Thomas Schulte
DESCRIPTION:In seiner ersten Einzelausstellung in der Galerie Thomas Schulte präsentiert Mark Handforth „Zig-Zag City“ mit neuen skulpturalen Arbeiten\, die von der Decke hängen\, sich winden\, in den Raum ausgreifen oder leuchten. Gemeinsam formen sie eine dynamische Landschaft\, die mit den räumlichen Gegebenheiten der Galerie in Dialog tritt. Dafür greift Handforth immer wieder Motive aus dem Stadtraum auf\, die uns so vertraut sind\, dass wir sie kaum noch wahrnehmen. Spielerisch aus ihrem ursprünglichen Zusammenhang gelöst\, in ihren Dimensionen verändert oder neu angeordnet\, gewinnen vertraute Objekte in Messing\, industriellen LED-Röhren und einem Motorrad ein neues Eigenleben. Die funktionalen Aspekte der Gegenstände\, die unsere gemeinsame Umgebung prägen oder strukturieren\, werden dabei selbst zum Material der Kunstwerke. Ihrer eigentümlichen Schwerfälligkeit\, ihrer Zerstörung oder ihren auf unheimliche Weise menschlichen Zügen wird eine unerwartete Schönheit abgewonnen.\nZwischen Skulptur und Alltagsgegenstand\, an der Schnittstelle zwischen den Straßen der Stadt und dem Innenraum der Galerie\, entsteht ein verschlungener Weg\, in dem vertraute Rhythmen und Spiegelungen in rätselhafte Beziehungen zueinander treten. \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nMark Handforth Zig-Zag City ist vom 21. November 2026 bis zum 13. Februar 2027 in der Galerie Thomas Schulte am Standort Charlottenstraße 24\, 10117 Berlin\, zu sehen. Die Galerie hat hier seit 2006 ihren Sitz\, im Tuteurhaus aus dem 19. Jahrhundert\, dessen dreiteiliges Schaufenster am neun Meter hohen Eckraum Hermann Muthesius 1913 ergänzte. Geöffnet ist dienstags bis samstags von 12 bis 18 Uhr.
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LOCATION:Galerie Thomas Schulte\, Charlottenstraße 24\, Berlin\, 10117\, Deutschland
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SUMMARY:BODIES THAT SPEAK im HAUS.KUNST.MITTE
DESCRIPTION:Was kann ein Körper erzählen\, ohne Worte zu benutzen? \nMit Bodies that Speak widmet sich das Haus. Kunst. Mitte. einem der ältesten Motive der Kunst und zugleich einem Thema von unmittelbarer Gegenwart: dem menschlichen Körper. Nach der erfolgreichen Ausstellung Faces of Mind versammelt das Haus erneut eine Gruppe herausragender Künstlerinnen und richtet den Blick auf die vielfältigen Möglichkeiten\, Körper darzustellen\, zu erleben und neu zu denken. \n17 Künstlerinnen aus vier Generationen stehen im Zentrum der Ausstellung. Sie alle leben und arbeiten in Berlin und setzen sich in ihrer künstlerischen Praxis intensiv mit Körperlichkeit auseinander. Viele von ihnen gehören zu den wichtigen Stimmen ihrer jeweiligen Generation und sind international ausgestellt. Ihre Herkunft ist vielfältig: Die Künstlerinnen kommen unter anderem aus Iran\, China\, den USA\, der Türkei\, Polen\, Japan und Deutschland. Was sie verbindet\, ist keine gemeinsame künstlerische Schule\, sondern die Stadt\, in der sie leben\, und eine intensive Auseinandersetzung mit dem Körper als künstlerischem Ausdrucksmittel. \nBerlin wird dabei zum Ort des Austauschs. Die Stadt ist seit Jahrzehnten Anziehungspunkt für Künstlerinnen aus aller Welt und zugleich ein Ort\, an dem unterschiedliche Lebensentwürfe\, kulturelle Prägungen und künstlerische Positionen aufeinandertreffen. Bodies that Speak macht diese Vielfalt sichtbar und gibt insbesondere Künstlerinnen Raum\, die die Berliner Kunstszene heute prägen. \nDer weibliche Körper steht im Zentrum – jedoch nicht als isoliertes Thema. Geburt\, Sexualität\, Erwachsenwerden\, Krankheit\, Alter und Tod gehören zum menschlichen Leben. Zugleich werden diese Erfahrungen durch Geschlechterrollen\, gesellschaftliche Erwartungen und kulturelle Zuschreibungen unterschiedlich geprägt. Die ausgestellten Arbeiten machen diese Spannung sichtbar und führen von sehr persönlichen Bildern und Geschichten zu Fragen\, die weit über das Weibliche hinausreichen. \nDabei ist der Körper in der Ausstellung weit mehr als ein dargestelltes Motiv. Er wird zum Material\, Werkzeug\, Medium und Träger von Erinnerung und Bedeutung. Das Performative zieht sich durch die gesamte Ausstellung: Auch dort\, wo keine Performance stattfindet\, sind Malen\, Fotografieren\, Formen oder Bearbeiten körperliche Handlungen. Körper „sprechen“ durch Haltung und Bewegung\, Oberfläche und Material\, Präsenz und Abwesenheit. \nDer Rundgang durch 20 Ausstellungsräume folgt fünf thematischen Kapiteln. Von imaginären und traumhaften Körperwelten führt die Ausstellung über Leben und Natur zu gesellschaftlichem und persönlichem Druck. Am Ende lösen sich vertraute Grenzen auf und Körper gehen hybride Verbindungen mit dem Organischen\, Tierischen\, Technischen oder Kosmischen ein. Die Ausstellung erzählt dabei keine lineare Geschichte und bietet keine eindeutigen Antworten. Verletzlichkeit kann ebenso mit Handlungsmacht verbunden sein wie Widerstand mit Fürsorge\, Transformation mit Verlust oder Auflösung mit einem Neuanfang. \nBodies that Speak lädt dazu ein\, den Körper nicht als festgelegte Form zu betrachten\, sondern als etwas Bewegliches\, Widersprüchliches und Veränderbares – und die unterschiedlichen Stimmen der Künstlerinnen selbst sprechen zu lassen. \nBeteiligte Künstlerinnen \nNevin Aladağ · Laura Bruce · Carina Chang · Lunita Juli Dorn · Carola Ernst · Leiko Ikemura · Aneta Kajzer · Franziska Klotz · Sarah Loibl · Nanne Meyer · Jana Sophia Nolle · May Parlar · Bettina Pousttchi · Barbara Quandt · Jenny Rempel · Alma Sinai · Andrea Zaumseil
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LOCATION:HAUS. KUNST. MITTE.\, Heidestrasse 54\, Berlin\, 10557
CATEGORIES:Ausstellung
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SUMMARY:Quer im a.i.p. project space
DESCRIPTION:Herzliche Einladung zur Ausstellungseröffnung von „Quer“\nim Rahmen des Kunstrundgangs „14057 – Kunst bis Mitternacht“\nam Freitag\, den 20. November von 18 – 24 Uhr\nmit einer interaktiven musikalischen Klanginstallation von Marius D. Kettler\,\nkulinarischer Begleitung\nund T-Shirts der „The Unfamiliarnaires“ als Geschenk – solange der Vorrat reicht ! \nTitel: Bagatelle 10 | Für Fünfzehn Instrumente und Stimme\nInteraktion: Neun Akteure und ein Störer\nGesang: Dolores Flores\nDie Performance wird alle 30 Minuten wiederholt! \n‚14057 – Kunst bis Mitternacht‘\nDer Kunstrundgang durch 14057\nFreitag\, 20. November 2026\n18 bis 24 Uhr \n„14057“ steht in diesem Fall für den Zusammenschluss der Galerien im Kiez zwischen dem Lietzensee und dem Stuttgarter Platz. Jeder Ausstellungsort hat sein eigenes Programm und seine eigene Handschrift. Gemeinsam ist ihnen jedoch nicht nur die Postleitzahl\, sondern vor allem der Wunsch\, die Kunst in der Nachbarschaft sichtbarer zu machen\, voneinander zu wissen und miteinander ins Gespräch zu kommen.\n„Kunst bis Mitternacht“ ist der Abend\, den die Galerien dafür gemeinsam ausrichten. Alle Türen sind bis Mitternacht offen. Zu Fuß von Tür zu Tür erwarten Sie überall andere Besonderheiten: Malerei\, Grafik\, Skulptur\, Klang\, Lesungen und Musik.\nUnsere Galerie ist im Rundgang die Nummer 09. \nDie Ausstellung „Quer“ läuft vom 20.11.2026 – 23.01.2027. Es werden Malerei\, lyrische Objektbilder und Graphik von DOLORES FLORES und MARIUS D. KETTLER gezeigt.
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/quer/
LOCATION:a.i.p. project space – artists in progress\, Suarezstraße 8\, Berlin\, 14057\, Deutschland
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SUMMARY:Priceless Things in der Neurotitan Galerie
DESCRIPTION:Die Ausstellung Priceless Things versammelt künstlerische Arbeiten\, die sich mit Dingen\, Beziehungen und Praktiken beschäftigen\, deren Wert sich nicht in Geld bemessen lässt. \nUnbezahlbar ist das Immaterielle und Unwiederbringliche wie Lebenszeit\, Erinnerungen\, Gefühle und Beziehungen. Doch auch materielle Dinge wie Fundstücke\, Geschenke und Weggeworfenes können unbezahlbar sein – gerade wenn sie zufällig zu uns gelangen und nicht als Massenware jederzeit verfügbar sind. \nEbenso unbezahlbar sind natürliche Ressourcen und das\, was eigentlich allen zustehen sollte wie die Luft zum Atmen\, ein Leben in Würde und Sicherheit. \nWas pflegen und bewahren wir? Care – im ökologischen wie im sozialen Sinne – wird in Priceless Things zu einer politischen\, aber auch ästhetischen Frage. Die Ausstellung schafft eine Plattform für Künstler*innen\, deren Arbeit ein Bewusstsein für Ressourcen mit der Fürsorge für Menschen\, Beziehungen und gemeinschaftliche Prozesse verbindet. Die gezeigten Arbeiten beschäftigen sich mit unterschiedlichen Facetten des Unbezahlbaren und stellen einer ökonomischen Logik von Effizienz und Produktivitätsdenken eine Ästhetik der Fürsorge entgegen. Dabei spielt nicht nur die Erscheinung und Präsentation einer Arbeit eine Rolle\, sondern auch die Art und Weise\, wie\, unter welchen Bedingungen und in Verbindung mit welchen ethischen Werten sie entsteht. \nDie ausgestellten Werke zeigen Installationen\, Objekte und deren Inszenierung\, Fotografie\, Film und Performance. Sie lassen an vielfältigen gesellschaftspolitischen Fragestellungen und Perspektiven teilhaben\, wie beispielsweise kollektives Lernen und die Wiederverwendung von Materialien; ökofeministische Perspektiven; Körper als Träger von Erinnerung; Care-Arbeit wie auch die Gefährdung der Umwelt durch Plastikverschmutzung. \nAusgangspunkt der Ausstellung ist das Projekt „Laden der unbezahlbaren Dinge“ (2024)\, kuratiert von Fenia Franz. Darin wurde ein ehemaliges Ladengeschäft in einem fast leer stehenden Einkaufszentrum zu einem temporären Projektraum für nachbarschaftlichen Austausch und gemeinsame künstlerische Aktionen mit interdisziplinären\, sozial engagierten Künstler*innen. \nPriceless Things überführt dieses Konzept in eine Ausstellung im Rahmen des kuratorischen Programms „Connecting“ im Neurotitan. Die Ausstellung ist weniger als Aufreihung autonomer Kunstwerke gedacht\, sondern als gestaltete Umgebung und ein sozialer Ort. Neben einem Programm aus Gesprächen\, Workshops und Performances lädt der Raum zum einfachen Verweilen ein. \nKünstler*innen \nAgente Costura\, Alisa Tretau\, Amazonen in Berlin\, Constanze Klar\, Federica Teti\, FuHo Tsai\, Helen Lanwehr\, Henok Getachew Woldegebreal\, Ilgın Uçar\, Judith Greitemann\, Kristina Popov\, Max Schlag\, Zoë Sebanyiga \nAusstellungsprogramm \nSamstag\, 14.11.2026\, 18 Uhr – Vernissage \n„Der Preis ist Scheiss“\, Lecture Performance von Constanze Klar \nSamstag\, 21.11. & 28.11.2026 \nFührungen\, Artist Talks und Workshops \nSamstag\, 05.12.26\, 17 Uhr \nNoise-Karaoke-Performance von Agente Costura \nDas vollständige Programm und Access-Infos in Kürze unter: https://neurotitan.de/
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/priceless-things/
LOCATION:Neurotitan Galerie\, Rosenthaler Straße 39\, Berlin\, 10178\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung
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SUMMARY:Winterausstellung 2026 – 150 Künstlerinnen und Künstler im Löwenpalais
DESCRIPTION:Prices start at €150; all works with photo and price are on the Stiftung Starke website. On view until approximately the end of February 2027. Visits outside the opening by appointment: +49 30 825 76 85. Free admission\, registration for the opening optional via Eventbrite. \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nDie Winterausstellung der Stiftung Starke in Berlin ist im Löwenpalais in der Koenigsallee 30-32\, 14193 Berlin-Grunewald zu sehen.
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/winterausstellung-2026-150-kuenstlerinnen-und-kuenstler-im-loewenpalais/
LOCATION:Stiftung Starke\, Löwenpalais (Stiftung Starke)\, Koenigsallee 30-32\, Berlin-Grunewald\, 14193
CATEGORIES:Ausstellung
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SUMMARY:Dana Schutz: The Department bei Contemporary Fine Arts
DESCRIPTION:Dana Schutz (*1976 in Livonia\, Michigan\, USA) zeigt in The Department bei Contemporary Fine Arts neue Gemälde und großformatige Kohlezeichnungen. Ihre Malerei erzählt von turbulenten Figuren\, menschlichen Abgründen\, eskalierenden Situationen und Naturkatastrophen. Mit einem ausgeprägten Gespür für dramatische Spannung entwickelt Schutz komplexe Bildwelten\, in denen vertraute Vorstellungen von Schönheit ins Wanken geraten. Die Ausstellung eröffnet am 6. November. \nEröffnung: Freitag\, 6. November 2026\, 18 bis 20 Uhr\nAusstellungsdauer: 7. November bis 19. Dezember 2026\nOrt: Contemporary Fine Arts\, Grolmanstraße 32/33\, 10623 Berlin \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nDana Schutz bei Contemporary Fine Arts zeigt neben Gemälden wie „Hurt Hand“ (2026\, Öl auf Leinwand\, 213\,4 x 223\,5 cm) großformatige Kohlezeichnungen. Die Galerie beschreibt die New Yorker Malerin als Erzählerin\, deren Bilder von turbulenten Figuren\, Katastrophen und physischen Desastern bevölkert sind\, ein dystopisches Porträt der Gegenwart jenseits traditioneller Schönheit. Die Galerie in der Grolmanstraße in Charlottenburg\, nahe Savignyplatz\, hat Montag bis Freitag von 10 bis 18 Uhr und Samstag von 12 bis 18 Uhr geöffnet.
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/dana-schutz-the-department-bei-contemporary-fine-arts/
LOCATION:Galerie Contemporary Fine Arts\, Grolmanstraße 32/33\, Berlin\, 10623\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung
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SUMMARY:Peer Boehm: Was ich eigentlich tun will in der Galerie Poll
DESCRIPTION:Kindheitserlebnisse\, Reiseerfahrungen\, politische Ereignisse – all das speichert unser Gedächtnis gleichermaßen. Aus flüchtigen Eindrücken und vagen Momentaufnahmen wächst ungeordnet ein Bilderreservoir\, das wir alle teilen und das doch in jedem anders verankert ist. Aus diesem unüberschaubaren Fundus schöpft Peer Boehm die Motive seiner Leinwand- und Papierarbeiten. Mit oft widersinnigen\, nie ganz eindeutigen Titeln stößt er beim Betrachter Assoziationsketten an. \nSeine dritte Einzelausstellung in der Galerie Poll versammelt überwiegend Arbeiten aus den Jahren 2025 und 2026: Szenen aus der Schulzeit („Die Neue“\, „Der Film fängt gleich an“\, „Erste Stunde Textiles gestalten“)\, von ersten Begegnungen mit dem anderen Geschlecht („Ich will lieber nicht“) und aus den Sommerferien am vollen Strand („Im Auto war es warm und bequem“). Hinzu kommt „Berlin 1989“\, ein Bild von 2007\, das den Mauerfall als Wendepunkt der Zeitgeschichte in den Blick nimmt. \nFür seine Papierarbeiten wählt Boehm bereits bedruckte Untergründe wie historische Seekarten oder altes Briefpapier. Darauf zeichnet er\, meist mit Kugelschreiber\, und setzt das Vorgefundene in Beziehung zum Gezeichneten. Die großformatige Zeichnung „Was willst Du mit Deinem Anteil machen?“ zeigt einen Jungen\, der auf einem Floß über eine Seekarte treibt. Motiv\, Papier und Titel lassen an eine Schatzsuche denken – eine einzige „richtige“ Lesart aber gibt es bei Boehm nie. Fortgesetzt hat er auch seine Reihe auf dem Briefpapier des k.o. club\, eines 1969 in Hannover gegründeten Vereins für Avantgarde-Film: Er hat weitere Filmszenen aufgespürt\, die auf den Absender Bezug nehmen. \nFündig wird Boehm in Fotoalben vom Flohmarkt\, in Illustrierten oder im Internet. Personen und Orte abstrahiert er am Computer und reduziert die Vorlage auf Hell-Dunkel-Kontraste\, bis sie kaum noch zu erkennen ist. Dann überträgt er sie auf Leinwand oder Papier und arbeitet sie dort weiter aus. Für die Leinwände hat er eine eigene Lasurtechnik mit Aquarell\, Acryl und Tusche entwickelt. Mitunter dienen auch Kaffee oder Rost als Malmittel\, und ihr bräunlicher Ton lässt die Bilder wie verblichene Fotografien erscheinen. Boehms Bildsprache beruht auf dem Prinzip der Aussparung: Helle und dunkle Flächen verschwimmen ineinander. So wirken die Arbeiten zunächst schemenhaft und treten erst bei längerem Hinsehen hervor wie aus dem Unterbewusstsein – als ganz persönliche Erinnerungen. \nPeer Boehm\, 1968 geboren in Köln\, studierte von 1990 bis 1994 Kunstgeschichte\, Archäologie und Germanistik an der Universität zu Köln. 2021 wurde er mit dem Kunstpreis Wesseling ausgezeichnet\, der 2023 mit einer Ausstellung im gleichnamigen Kunstverein verbunden war. 2022 waren seine Arbeiten im Willy-Brandt-Haus in Berlin ausgestellt\, 2024 fand eine große Übersichtsausstellung mit Werken aus 17 Jahren im Museum Modern Art Hünfeld statt. Arbeiten des Künstlers befinden sich in zahlreichen deutschen und internationalen Privatsammlungen. Peer Boehm lebt und arbeitet in Köln\, wo er von der Galerie Anja Knoess vertreten wird. \nEröffnung: Donnerstag\, 29. Oktober 2026\, 17 bis 20 Uhr\, Begrüßung und Künstlergespräch gegen 19 Uhr\nAusstellungsdauer: 30. Oktober 2026 bis 9. Januar 2027\, Winterpause 22. Dezember 2026 bis 2. Januar 2027\nOrt: POLL Galerie + Kunsthandel\, Gipsstraße 3\, Quergebäude\, Parterre\, 10119 Berlin\, Di bis Sa 12 bis 18 Uhr und nach Vereinbarung
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LOCATION:Galerie Poll\, Gipsstraße 3\, Berlin\, 10119
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SUMMARY:Vitalii Shupliak – THRESHOLDS in der Galerie Gotisches Haus
DESCRIPTION:Im Gotischen Haus eröffnet am 28 Oktober 2026 um 19 Uhr die Ausstellung „THRESHOLDS“ von Vitalii Shupliak. Was geschieht an einer Schwelle – zwischen Innen und Außen\, Sichtbarem und Unsichtbarem\, Schutz und Bedrohung\, Vergangenheit und Gegenwart? Vitalii Shupliak interessiert sich für jene Zwischenräume\, in denen vertraute Ordnungen ihre Eindeutigkeit verlieren. Seine Arbeiten bewegen sich zwischen sakraler Bildtradition und digitaler Gegenwart\, zwischen individueller Wahrnehmung und kollektiver Erfahrung. Grenzen erscheinen dabei weniger als feste Linien denn als durchlässige Räume\, in denen sich Bedeutungen verschieben. \n„Mich fasziniert an Vitalii Shupliaks Arbeiten\, wie sie uns an Schwellen führen\, an denen vertraute Gewissheiten ins Wanken geraten – zwischen Sakralem und Politischem\, Sichtbarem und Unsichtbarem\, Schutz und Bedrohung. Im Gotischen Haus begegnen seine Werke einer Architektur\, die selbst von solchen Übergängen geprägt ist\, und eröffnen einen Raum\, in dem wir nicht nur die Grenzen unserer Wahrnehmung\, sondern auch die Ungewissheiten unserer Gegenwart neu befragen können.“Dr. Jens-Ole Rey\, Kurator \nVitalii Shupliak\, geboren 1993 in der Ukraine\, lebt und arbeitet in Berlin. Er studierte Bildende Kunst in Lviv\, Gdańsk\, Poznań und Braunschweig. Seine künstlerische Praxis umfasst Videoinstallation\, Malerei und Performance und beschäftigt sich mit den Schnittstellen von Realität und Virtualität sowie mit Fragen von Migration\, Identität und Grenzen. Die Arbeiten des Künstlers wurden im KINDL\, Berlin; YermilovCentre\, Charkiw; IZOLYATSIA\, Kyjiw; MOCAK Museum of Contemporary Art\, Krakau; CSW Łaźnia\, Danzig; Museum MACAN\, Jakarta; National Museum\, Posen; ZAK Zentrum für Aktuelle Kunst\, Berlin gezeigt. \nIm Gotischen Haus trifft die zeitgenössische Perspektive von Vitalii Shupliak auf eine Architektur\, die selbst von Übergängen geprägt ist: von Licht und Dunkelheit\, Innen und Außen\, Diesseits und Jenseits. Historische Bildwelten und räumliche Strukturen werden zu Resonanzräumen für eine Gegenwart\, in der Grenzen zunehmend porös werden. \nSpiegelnde Vögel werden zu Schutz und Barriere zugleich. Sakrale Augen begegnen den leuchtenden Oberflächen digitaler Geräte. Körper schweben zwischen verschiedenen Wirklichkeiten\, während Feuer zum Bild einer Transformation zwischen Schöpfung und Zerstörung wird. \nDas Vertraute beginnt dabei immer wieder ins Unheimliche zu kippen. Was Schutz verspricht\, kann zur Grenze werden; was Sichtbarkeit schafft\, kann zugleich etwas verbergen. Technologie\, Ritual und Erinnerung überlagern sich und machen Wahrnehmung selbst zu einer Schwelle. \nTHRESHOLDS ist eine Ausstellung über das Dazwischen – und über die Frage\, was sichtbar wird\, wenn Gewissheiten ihre Grenzen erreichen. \nEröffnung: Mittwoch\, 28. Oktober 2026\, 19 UhrAusstellungsdauer: 29. Oktober bis 23. Dezember 2026Ort: Galerie Gotisches Haus\, Breite Straße 32\, 13597 BerlinDi bis Sa 10 bis 18 Uhr\, So 12 bis 18 UhrEintritt frei
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SUMMARY:Das Schokoladenmädchen von Berlin. Svenja Schüffler in der Galerie Kuchling
DESCRIPTION:Galerie KuchlingKarl-Marx-Allee 123\, Berlin Ost24.10. – 08.01.2027Das Schokoladenmädchen von Berlin. Svenja Schüffler \nVernissage: Samstag\, 24. Oktober\, 18h – 22h \nAusstellungsdauer: 24. Oktober 2026 bis 8. Januar 2027\nOrt: Galerie Kuchling\, Karl-Marx-Allee 123\, 10243 Berlin \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nSvenja Schüffler in der Galerie Kuchling nimmt sich bekannte Meisterwerke vor\, allen voran Liotards „Schokoladenmädchen“ und Dürers Hasen\, und zeichnet sie in Pastellkreide\, Tusche\, Blattgold und Aquarell neu. In ihrer Serie „SACRIFICE“ werden die angeeigneten Bilder physisch verwundet\, etwa durch Prägungen im Papier oder einen Pfeil durch das Glas; ein Werk bleibt verborgen und ist nur unter Bedingungen zugänglich. Die Künstlerin\, geboren in Kassel\, hat Geologie und Geoinformatik studiert und lebt in Berlin. Die Galerie an der Karl-Marx-Allee in Friedrichshain (U5 Weberwiese) ist Mittwoch bis Freitag von 14 bis 19 Uhr und Samstag von 13 bis 18 Uhr geöffnet.
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SUMMARY:Lena Keller: False Skies in der KORNFELD Galerie
DESCRIPTION:In der KORNFELD Galerie zeigt Lena Keller ihre Ausstellung False Skies. Ihre Malerei lädt uns ein\, genauer hinzusehen und unseren eigenen Blick neu zu entdecken. Flüchtige Eindrücke von Landschaft\, Licht und Farbe verwandeln sich in eine bewusste Erfahrung des Sehens. \nEröffnung: Freitag\, 30. Oktober 2026\, 18 bis 21 Uhr\, die Künstlerin ist anwesend\nAusstellungsdauer: 30. Oktober 2026 bis 9. Januar 2027\nOrt: KORNFELD Galerie\, Fasanenstraße 26\, 10719 Berlin \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nLena Keller in der KORNFELD Galerie arbeitet in Öl auf Leinwand nach eigenen\, digital bearbeiteten Fotocollagen; in „False Skies“ bauen transparente Ölschichten\, Lasuren und irisierende Lichtfelder Landschaften auf\, deren Horizonte und Vegetation präsent bleiben\, sich einer klaren Definition aber entziehen. Die 1980 in Heidelberg geborene Malerin schloss 2022 ihr Studium an der Akademie der Bildenden Künste München als Meisterschülerin von Karin Kneffel ab; Arbeiten von ihr befinden sich in der Kunstsammlung des Deutschen Bundestages und in der Staatlichen Graphischen Sammlung München. Am selben Abend eröffnet im Projektraum 68projects by KORNFELD (Fasanenstraße 68) die Ausstellung „Back When Tigers Used to Smoke“ von Youjin Yi. Die Galerie in der Fasanenstraße nahe Kurfürstendamm ist Dienstag bis Samstag von 11 bis 18 Uhr geöffnet.
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SUMMARY:Die Impressionisten. Monet\, Morisot\, Renoir und ihr Netzwerk im Museum Barberini
DESCRIPTION:Wie wurde aus einer kleinen Gruppe junger Künstlerinnen und Künstler\, deren Malerei zunächst auf Ablehnung stieß\, die vielleicht populärste Kunstrichtung der Moderne? Zum zehnjährigen Bestehen des Museums Barberini erzählt die große Jubiläumsausstellung Die Impressionisten. Monet\, Morisot\, Renoir und ihr Netzwerk vom 7. November 2026 bis 21. Februar 2027 die Geschichte des Impressionismus neu: als Geschichte von Freundschaften und Förderern\, mutigen Sammlerinnen und Sammlern\, einflussreichen Kunsthändlern und Kritikern – und von persönlichen Beziehungen\, die eine künstlerische Revolution von Paris in die Welt trugen. \nDie Jubiläumsausstellung ist zugleich eine Summe der Arbeit des Museums Barberini seit seiner Eröffnung 2017. Ausgehend von der Sammlung Hasso Plattner hat sich das Haus in den vergangenen zehn Jahren intensiv dem Impressionismus gewidmet – mit international besetzten Ausstellungen\, wissenschaftlichen Symposien und gewichtigen Publikationen. Zum Jubiläum werden nun Werke der Sammlung Hasso Plattner im Dialog mit Werken aus Museumssammlungen wie dem Art Institute of Chicago\, der National Gallery\, London\, dem Metropolitan Museum of Art\, New York\, dem Musée d’Orsay\, Paris und dem National Museum of Western Art in Tokio gezeigt. \nAusstellungsdauer: 7. November 2026 bis 21. Februar 2027\nOrt: Museum Barberini\, Humboldtstraße 5–6\, 14467 Potsdam\, Mo und Mi bis So 10 bis 19 Uhr\, Di geschlossen\nEintritt: 16 Euro (Mo\, Mi bis Fr)\, 18 Euro (Sa\, So\, feiertags)\, ermäßigt 10 Euro\, ab 17.30 Uhr 10 Euro\, unter 18 Jahren frei
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SUMMARY:Echt Foto! Fotografie zwischen Papier und Pixel im Museum für Fotografie
DESCRIPTION:Was macht eine „echte“ Fotografie aus\, woraus besteht sie? Wir begegnen Fotografien heute meist in Form digitaler Medien. Dabei gerät leicht aus dem Blick\, dass die Geschichte der Fotografie wesentlich eine Geschichte von Materialien\, handwerklichen Verfahren und greifbaren Objekten ist. Echt Foto! Fotografie zwischen Papier und Pixel macht dieses Wissen wieder zugänglich und unmittelbar erlebbar. Die Ausstellung verbindet Werke vom 19. bis ins 21. Jahrhundert aus der Kunstbibliothek und weiteren Sammlungen der Staatlichen Museen zu Berlin mit zahlreichen zeitgenössischen Positionen. Sie eröffnet einen neuen Blick auf Fotografie zwischen analogem Objekt und digitalem Bild – und auf Fragen nach Authentizität\, Originalität und Dauerhaftigkeit\, die im Zeitalter der KI neue Dringlichkeit gewinnen. \nBeim ersten Blick auf eine Fotografie steht häufig das Dargestellte im Zentrum. Heute verbindet sich damit mehr denn je die Frage: Ist das echt oder fake? Doch was wir einem Bild zutrauen und wie es auf uns wirkt\, hängt auch davon ab\, in welcher Form es uns begegnet. Ist es auf Glas oder Papier festgehalten? Sehen wir es auf einem Bildschirm\, in einem Album\, in einem Buch oder auf der Straße? Material\, Bildträger und Kontext beeinflussen unsere Wahrnehmung. Genau darauf richtet die Ausstellung den Fokus. \nSie spannt einen Bogen von den Anfängen der Fotogeschichte – vom frühen Bestreben\, das flüchtige Bild der Camera obscura dauerhaft festzuhalten – bis zu gegenwärtigen\, fotografisch anmutenden Bildern\, die vollständig mit KI erzeugt wurden. Dazwischen entfaltet sich eine große Vielfalt fotografischer Verfahren und Erscheinungsformen. Die Kurator*innen haben dafür die Sammlung Fotografie der Kunstbibliothek neu befragt und auch Objekte ausgewählt\, die sonst aus konservatorischen Gründen selten zu sehen sind. \nEröffnung: Donnerstag\, 3. Dezember 2026\, 19 Uhr\nAusstellungsdauer: 4. Dezember 2026 bis 18. April 2027\nOrt: Museum für Fotografie\, Jebensstraße 2\, 10623 Berlin\, Di\, Mi\, Fr bis So 11 bis 19 Uhr\, Do 11 bis 20 Uhr\, Eintritt 12 Euro\, ermäßigt 6 Euro
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SUMMARY:Helmut Newton's Early Books in der Helmut Newton Foundation
DESCRIPTION:Am 2. Dezember 2026 eröffnet die Berliner Newton Foundation eine neue Ausstellung\, die den drei frühen ikonischen Publikationen von Helmut Newton gewidmet ist. Hinter jedem Fotobuch steht ein völlig individuelles Konzept unterschiedlichen Umfangs\, das Newton seinerzeit selbst präzise vorbereitet hatte. Zusammengenommen bilden die mehr als 200 Fotografien eine Art ‚Best-of‘ seines fotografischen Werkes aus den 1970er- und frühen 1980er-Jahren. \nHelmut Newton gehört zu den einflussreichsten Fotografen des 20. Jahrhunderts. Er inszenierte seine Bilder bekanntlich sehr lasziv und provokant\, mitunter jenseits der Grenzen der gängigen gesellschaftlichen Moralvorstellungen. Seine außergewöhnlich innovativen Aufnahmen\, die zumeist im Auftrag der renommiertesten Magazine entstanden\, wurden seit den 1950er-Jahren regelmäßig veröffentlicht. 1975 stellte er sie erstmals auch in Galerien aus\, und ein Jahr später entstand sein erster Bildband „White Women“ beziehungsweise „Femmes Secrètes“\, der sich damals sehr gut verkaufte\, im gleichen Jahr mit dem Kodak Fotobuchpreis ausgezeichnet wurde – jedoch von Anfang an auch umstritten war. 1978 folgte „Sleepless Nights“ beziehungsweise „Nuits Blanches“\, weitere drei Jahre später „Big Nudes“ beziehungsweise „47 Nudes“. Die Titel verweisen auf die unterschiedlichen Verlage und Sprachen der Bücher; ihr Inhalt blieb nahezu unverändert. Inzwischen sind diese so berühmten wie berüchtigten Publikationen\, die Newtons Weltruhm auch unabhängig seiner unzähligen Zeitschriftenveröffentlichungen begründeten\, absolute Fotobuch-Klassiker. \nDie Newton Foundation nimmt das 50-jährige Jubiläum des Buches „Femmes Secrètes“ zum Anlass\, erneut eine Ausstellung mit zahlreichen Aufnahmen aus den drei Büchern zu bestücken. Auch die neue Präsentation basiert auf der 2012 für das Museum of Fine Arts in Houston erdachten Ausstellung; die in den Büchern publizierten Fotografien verwandelten sich damals in moderne Ausstellungsprints. Zu seinen Lebzeiten wurden die frühen\, teilweise ikonischen Bilder an der Schwelle von der Mode- zur Aktfotografie nie zusammen gezeigt. Ergänzend werden nun in Vitrinen die Original-Maquetten der Bücher mit unterschiedlichen Cover-Entwürfen\, kleinformatigen ‚work prints‘\, mittelformatigen ‚lifetime prints‘\, die seinerzeit vermutlich als Litho-Vorlagen dienten\, sowie Rezensionen aus unterschiedlichen Zeitschriften jener Zeit präsentiert. \nEröffnung: Mittwoch\, 2. Dezember 2026\, 20 Uhr\nAusstellungsdauer: 3. Dezember 2026 bis 16. Mai 2027\nOrt: Helmut Newton Foundation im Museum für Fotografie\, Jebensstraße 2\, 10623 Berlin\, Di\, Mi\, Fr bis So 11 bis 19 Uhr\, Do 11 bis 20 Uhr\, Eintritt 12 Euro\, ermäßigt 6 Euro
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SUMMARY:Mariano Rinaldi Goñi: 30 Jahre Berlin in der Galerie Deschler
DESCRIPTION:Anlässlich von drei Jahrzehnten künstlerischen Wirkens in Berlin präsentiert die Galerie Deschler eine Auswahl neuer Gemälde und Arbeiten des argentinischen Künstlers Mariano Rinaldi Goñi (MAO). \nSeit vielen Jahren beschäftigt sich Goñi mit der nordischen Mythologie\, insbesondere mit den Nornen\, den Verkörperungen von Vergangenheit\, Gegenwart und Zukunft. In seinen neuen Arbeiten erweitert er diesen Kosmos um die etruskische Göttin Vanth\, die er bei einem Besuch der antiken Grabstätten in Tarquinia entdeckte\, sowie um die indischen Göttinnen Kali und Lakshmi. Eine Inspiration bildet dabei auch der Mythos von der Quirlung des Milchozeans\, aus dem Lakshmi hervorgeht. \nIm Zusammenspiel dieser unterschiedlichen Traditionen begegnen sich archetypische Kräfte wie Schicksal\, Tod\, Zerstörung\, Erneuerung und Fülle. Goñi beschreibt diese Verbindung als „Verstärkung durch Interferenz“: Die mythologischen Figuren treten miteinander in Resonanz und eröffnen neue Bedeutungsebenen. \nDie Ausstellung ergänzt die bis zum 8. November 2026 in der Stiftung Starke gezeigte Retrospektive gleichen Titels um aktuelle Arbeiten und gibt Einblick in die jüngste Entwicklung von Goñis vielschichtigem malerischem Kosmos. \nEröffnung: Freitag\, 30. Oktober 2026\, 19 bis 21 Uhr\, Einführung: Teresa Riccardi\, Direktorin des Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori\, Buenos Aires\nAusstellungsdauer: 30. Oktober bis 12. Dezember 2026\nOrt: Galerie Deschler\, Auguststraße 61\, 10117 Berlin\, Di bis Sa 12 bis 18 Uhr
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SUMMARY:Youjin Yi: Back When Tigers Used to Smoke bei 68projects by KORNFELD
DESCRIPTION:Bei 68projects by KORNFELD präsentiert Youjin Yi ihre Ausstellung Back When Tigers Used to Smoke. Ausgehend von einem märchenhaften Erzählanfang erkundet sie\, wie Erinnerungen über Sprachen\, Orte und Generationen hinweg weiterleben. Auf traditionellem koreanischem Hanji-Papier entstehen vielschichtige Bildwelten\, in denen sich persönliche Erinnerungen und kulturelles Gedächtnis begegnen. \nEröffnung: Freitag\, 30. Oktober 2026\, 18 bis 21 Uhr\, die Künstlerin ist anwesend\nAusstellungsdauer: 30. Oktober 2026 bis 9. Januar 2027\nOrt: 68projects by KORNFELD\, Fasanenstraße 68\, 10719 Berlin \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nYoujin Yi bei 68projects by KORNFELD malt mit Acryl\, Öl und Ölpastell auf Leinwand und auf koreanischem Hanji-Papier\, das sie auf Leinwand aufzieht; Figuren\, Tiere und hybride Formen bevölkern Bildräume\, in denen der Hintergrund als physischer und psychologischer Raum gedacht ist. Der Tiger\, eine Leitfigur der koreanischen Bildkultur\, wandert in der Ausstellung zwischen Märchen\, persönlicher Erinnerung und kulturellem Gedächtnis. Die 1980 in Gangneung geborene Künstlerin studierte traditionelle koreanische Malerei in Seoul und schloss 2011 als Meisterschülerin von Günther Förg an der Akademie der Bildenden Künste München ab; Werke von ihr besitzt das Seoul Museum of Art\, 2023 erhielt sie den Kiaf Seoul Highlights Award. Am selben Abend eröffnet in der KORNFELD Galerie (Fasanenstraße 26) „False Skies“ von Lena Keller. Geöffnet ist Dienstag bis Samstag von 11 bis 18 Uhr.
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SUMMARY:Hermann Reimer: Multiplex in der Galerie Schwind
DESCRIPTION:Hiermit laden wir Sie herzlich zur Ausstellung mit Gemälden von Hermann Reimer am Freitag\, den 30. Oktober 2026 in die Galerie Schwind Berlin ein. \nHermann Reimer (*1959 in Münster\, lebt und arbeitet in Berlin) gehört zu den herausragenden gegenwärtigen Landschafts- und Raummalern. Als Meisterschüler von Klaus Fußmann entwickelt er in seinen Bildern eine Malerei\, die das Vertraute präzise beobachtet und zugleich verfremdet. \nDie Ausstellung zeigt sowohl Interieurs als auch Landschaften der letzten Jahre. \nEröffnung: Freitag\, 30. Oktober 2026\, 18 Uhr\nAusstellungsdauer: 30. Oktober bis 11. Dezember 2026\nOrt: Galerie Schwind Berlin\, Große Hamburger Straße 1\, 10115 Berlin \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nHermann Reimer in der Galerie Schwind zeigt Interieurs und Landschaften in Öl auf Leinwand\, darunter „Wolkenkuckucksheim“ (2021\, 130 x 100 cm) und „Diner“ (2026\, 150 x 150 cm). Die 1989 in Frankfurt am Main gegründete Galerie hat ihren Berliner Standort an der Großen Hamburger Straße in Mitte\, zwischen Hackeschem Markt und Oranienburger Straße. Geöffnet ist Mittwoch bis Freitag von 12 bis 18 Uhr und Samstag von 10 bis 16 Uhr\, an Feiertagen geschlossen.
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SUMMARY:Carrie Mae Weems: The Heart of the Matter im C/O Berlin
DESCRIPTION:Carrie Mae WeemsThe Heart of the MatterSeptember 12\, 2026 – February 03\, 2027C/O Berlin\, Berlin\, Germany \nAusstellungsdauer: 12. September 2026 bis 3. Februar 2027\nOrt: C/O Berlin im Amerika Haus\, Hardenbergstraße 22–24\, 10623 Berlin\, täglich 11 bis 20 Uhr\, Eintritt 15 Euro\, ermäßigt 8 Euro\, frei bis einschließlich 18 Jahre \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nCarrie Mae Weems im C/O Berlin ist eine umfassende Retrospektive mit mehr als 100 Fotografien und Videos: von „Family Pictures and Stories“ (1978 bis 1984) über die „Kitchen Table Series“ (1990) und die Serie „Museums“ bis zu den neuen Arbeiten „Preach“ (2024) und der Videoinstallation „Leave Now!“ (2022). Die 1953 in Portland\, Oregon\, geborene Künstlerin verbindet Fotografie\, Text\, Stoff\, Audio und Video und fragt nach Macht\, Erinnerung und den Konstruktionen von race und Weiblichkeit; sie wurde unter anderem mit der MacArthur Fellowship und der National Medal of Arts ausgezeichnet. Kuratiert hat die Schau Sarah Hermanson Meister (Aperture)\, für Berlin adaptiert von Boaz Levin. Im Begleitprogramm: die performative Intervention „Harlem Renaissance“ mit Langston Uibel an den Samstagen 14.\, 21. und 28. November 2026\, jeweils 19 Uhr\, sowie After-Work-Führungen am 19. November und 17. Dezember 2026 um 19 Uhr; reguläre Führungen samstags und sonntags um 14 Uhr (deutsch) und 15.30 Uhr (englisch). Das Amerika Haus am Bahnhof Zoo ist täglich von 11 bis 20 Uhr geöffnet.
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SUMMARY:Ulay\, Ulay & Abramović in der Neuen Nationalgalerie
DESCRIPTION:Vor fünfzig Jahren\, am 12. Dezember 1976\, „stahl“ Ulay Carl Spitzwegs „Der arme Poet“ (1839) aus der Neuen Nationalgalerie und brachte das Gemälde in die Wohnung einer türkischen Arbeiterfamilie nach Berlin-Kreuzberg. Ein halbes Jahrhundert später greift die Neue Nationalgalerie diese wegweisende Intervention mit der Ausstellung „Ulay\, Ulay & Abramović“ auf und bringt Ulays Werk an den Ort zurück\, an dem eine seiner bedeutendsten Aktionen stattfand. \nUlay gilt als einer der bedeutendsten deutschen Konzeptkünstler\, ist einem breiteren Publikum in Deutschland jedoch bis heute weitgehend unbekannt. Die Ausstellung möchte das ändern. Sie gibt Einblick in Ulays frühes künstlerisches Schaffen\, darunter „S’he“ (1973–1974)\, eine Serie intimer Selbstporträts\, die sich mit Identität und Transformation auseinandersetzt\, sowie „FOTOTOT“ (1976)\, bei der unbelichtete bzw. nicht fixierte Fotografien unter Lichteinwirkung allmählich verschwinden. Die Arbeit ist Teil einer umfassenderen Reihe von Experimenten\, in denen Ulay die vermeintliche Objektivität\, Dauerhaftigkeit und den Beweischarakter des fotografischen Bildes hinterfragt und die Grenzen der Fotografie hin zur Performance und zu anderen Formen künstlerischer Aktionen erweitert. Darüber hinaus präsentiert die Ausstellung die einzigartige Zusammenarbeit zwischen Ulay und Marina Abramović über einen Zeitraum von zwölf Jahren\, von 1976 bis 1988. \nUlay (Frank Uwe Laysiepen\, 1943–2020) wuchs in Solingen auf und absolvierte zunächst eine Ausbildung zum Maschinenbauingenieur\, bevor er an den Kölner Werkschulen Fotografie studierte. 1968 zog er nach Amsterdam\, wo er begann\, mit Polaroid zu arbeiten. In seiner künstlerischen Praxis setzte er sich mit Identität\, Geschlecht und Transformation auseinander. Seine performative Fotografie fand bald Anerkennung in der innovativen und internationalen Kunstszene Amsterdams; frühe Präsentationen fanden in der Galerie Seriaal und der ebenso legendären wie einflussreichen Institution De Appel statt. Von 1976 bis 1988 erlangte seine Zusammenarbeit mit Marina Abramović internationale Aufmerksamkeit. Dazu gehörten gemeinsame Auftritte auf der documenta 6\, 7 und 8 sowie Ausstellungen in Europa und den USA. Nach der Trennung von Abramović im Jahr 1988 setzte Ulay seine eigenständige künstlerische Praxis fort. Seine Arbeiten wurden später in bedeutenden Einzelausstellungen und Retrospektiven gezeigt\, darunter 2016 in der Schirn Kunsthalle Frankfurt und 2020–21 im Stedelijk Museum Amsterdam mit „ULAY WAS HERE“\, der bislang größten Retrospektive seines Werks. Von 1998 bis 2004 war er Professor für Medienkunst an der Staatlichen Hochschule für Gestaltung in Karlsruhe. In den folgenden Jahrzehnten realisierte er weltweit partizipative Kunstprojekte mit gesellschaftlich marginalisierten Gruppen\, unter anderem in den USA\, Australien\, Indien\, Myanmar und Syrien. Ulay starb 2020 in Ljubljana. \nMarina Abramović (1946\, Belgrad) gilt seit den frühen 1970er-Jahren als Wegbereiterin der Performance als eigenständiger Kunstform. Sie schuf einige der bedeutendsten frühen Performances\, darunter „Rhythm 0“ (1974) und „Rhythm 5“ (1974). In diesen Arbeiten lotete sie die Grenzen von Körper und Geist aus und setzte sich durch Dauer\, Stillstand und Schmerz mit Ausdauer\, Verletzlichkeit und der Mitverantwortung des Publikums auseinander. 2012 gründete sie das Marina Abramović Institute (MAI)\, eine gemeinnützige Stiftung für Performancekunst und Langzeitperformances\, die auf der von ihr entwickelten „Abramović Method“ basiert. Abramović gehörte zu den ersten Performancekünstler*innen\, die institutionell in der Museumswelt etabliert wurden\, und war über mehr als 25 Jahre hinweg mit bedeutenden Einzelausstellungen in Europa und den USA vertreten. Zu den Höhepunkten zählen ihre erste große Retrospektive in den USA sowie die über 700 Stunden dauernde Performance „The Artist Is Present“ im Museum of Modern Art (MoMA) in New York (2010)\, die Retrospektive „The Cleaner“ (2017–19) sowie 2023 die erste Einzelausstellung einer Frau in den Main Galleries der Royal Academy of Arts in London. Zu ihren Auszeichnungen zählen der Goldene Löwe der Biennale di Venezia (1997)\, der Prinzessin-von-Asturien-Preis für Kunst (2021)\, der Sonning-Preis (2023) und der Praemium Imperiale für Skulptur (2025). \nIm Zentrum der Ausstellung steht Ulays Aktion von 1976 und deren filmische Dokumentation „Irritation – There is a Criminal Touch to Art“. Die Arbeit stellte das Museum als Ort kultureller Autorität infrage und richtete den Blick auf die gesellschaftlichen Realitäten jenseits des Museums. Indem Ulay Spitzwegs ikonisches Werk „Der arme Poet“ in die Wohnung einer türkischen Arbeiterfamilie brachte\, stellte er im West-Berlin der 1970er-Jahre Vorstellungen von kultureller Repräsentation\, Zugehörigkeit und Ausschluss infrage. Fünf Jahrzehnte später bringt die Neue Nationalgalerie die Arbeit in einen Dialog mit einer Version von „Der arme Poet“\, die aus dem Grohmann Museum in Milwaukee als Leihgabe gezeigt wird. Gemeinsam eröffnen die Werke neue Perspektiven auf künstlerische Interventionen\, institutionelle Rahmenbedingungen sowie unterschiedlich erfahrene Lebensumstände und Umgebungen. \nNeben weiteren Arbeiten aus Ulays eigenständiger künstlerischer Praxis fokussiert sich der zweite Teil der Ausstellung auf die Zusammenarbeit zwischen Ulay und Marina Abramović. 1975 lernten sie sich in Amsterdam kennen und entwickelten bald eine enge persönliche und künstlerische Partnerschaft. Zwischen 1976 und 1988 realisierten die beiden Künstler*innen wegweisende Performances\, in denen sie ihre Körper als Medium einsetzten\, um Fragen von Identität und institutionellen Grenzen zu untersuchen. Ihre Zusammenarbeit begann mit „Relation in Space“ (1976)\, das im Rahmen der 38. Biennale di Venezia aufgeführt wurde und in dem sie körperliche Begegnung\, Wiederholung und gegenseitige Präsenz erforschten. Ihren Höhepunkt fand sie in „The Lovers“ (1988)\, ihrer 90-tägigen Reise entlang der Chinesischen Mauer. \nDie Ausstellung vereint Videos\, Fotografien\, Skulpturen und Zeichnungen sowie Skizzen und Briefe sowie „Imponderabilia“ (1977)\, eine wegweisende Live-Performance von Ulay und Marina Abramović. Darin stehen die beiden Künstler*innen nackt einander zugewandt in einem schmalen Eingang und laden die Besuchenden ein\, zwischen ihren Körpern hindurchzugehen. Die Performance wird täglich von 15 bis 16.30 Uhr in der Ausstellung aufgeführt. Gemeinsam geben die Arbeiten nicht nur Einblick in die Performances selbst\, sondern auch in die dahinterliegenden Prozesse\, Diskussionen und Überlegungen. Sie zeigen\, wie Ulay und Marina Abramović ihre künstlerische Praxis in den Alltag integrierten und dabei Zusammenarbeit und Selbstrepräsentation neu definierten. Zugleich stellten sie etablierte Vorstellungen von Autor*innenschaft und Individualität sowie die Grenzen zwischen Kunst und Leben infrage. Ihre Arbeiten untersuchten Verletzlichkeit\, Ausdauer\, Vertrauen und gegenseitige Abhängigkeit und gelten als Meilensteine der Performancekunst. \nDie Ausstellung findet im unteren Geschoss des Mies van der Rohe-Baus statt. Sie beginnt mit zwei Räumen\, die Ulays eigenständiger künstlerischer Praxis gewidmet sind\, bevor sie zu den gemeinsam von Ulay und Marina Abramović entwickelten Arbeiten übergeht. Die Gegenüberstellung der gemeinsamen Arbeiten mit Ulays eigenständiger künstlerischer Praxis zeigt die Bedeutung seines Werks für die Geschichte der Konzept- und Performancekunst und eröffnet zugleich einen neuen Blick auf seine Rolle in Deutschland und international. \nDie Ausstellung wird von der Neuen Nationalgalerie anlässlich des 50. Jahrestages von Ulays Performance „Irritation – There is a Criminal Touch to Art“ organisiert. Sie zeigt eine Auswahl von Ulays Einzelwerken im Kontext dieser wichtigen Phase seiner künstlerischen Praxis. Darüber hinaus präsentiert sie ausgewählte Materialien und Kunstwerke aus „ART VITAL – 12 Years of Ulay / Marina Abramović“\, ursprünglich konzipiert von Alenka Gregorič und Felicitas Thun-Hohenstein und erstmals in der Cukrarna Gallery / MGML (30. November 2025–10. Mai 2026) gezeigt\, in Zusammenarbeit mit Lena Pislak – ULAY Foundation und Sydney Fishman – Marina Abramović Archives. \n„Ulay\, Ulay & Abramović“ wird von Klaus Biesenbach\, Direktor der Neuen Nationalgalerie\, gemeinsam mit Ricarda Bergmann\, Neue Nationalgalerie\, sowie Alenka Gregorič\, künstlerische Leiterin der Cukrarna Gallery\, kuratiert. Kuratorische Assistenz: Nikola Richolt. \nEröffnung\nSamstag\, 28. November 2026 \nAusstellungsdauer\n28. November 2026 bis 2. Mai 2027 \nOrt\nNeue Nationalgalerie\, Potsdamer Straße 50\, 10785 Berlin\nDi bis Mi 10 bis 18 Uhr\, Do 10 bis 20 Uhr\, Fr bis So 10 bis 18 Uhr\nLive-Performance „Imponderabilia“ täglich von 15 bis 16.30 Uhr
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SUMMARY:„BIZARR“: Die Geschichte des verrücktesten Wortes der Welt
DESCRIPTION:Seit mehr als 700 Jahren bezeichnet das Wort „bizarr“ Phänomene\, die die vertraute Ordnung der Welt radikal in Frage stellen: psychische Ausnahmezustände und Träume\, Naturwunder\, Monster\, kühne Ideen und erstaunliche Erfindungen. Erstmals erzählt eine Ausstellung die ganze Geschichte dieses Wortes – mit historischen Quellen und zahlreichen Gemälden\, Zeichnungen und Grafiken. Die Geschichte beginnt in Dantes Inferno mit einem Höllenbewohner\, der sich in rasender Wut selbst zerfleischt\, und endet 700 Jahre später mit einer überraschenden Umkehrung: Die Wirklichkeit selbst wird bizarr. \n„BIZARR“: Die Geschichte des verrücktesten Wortes der Welt verfolgt die ungewöhnliche Karriere des Wortes „bizarr“ von seinem ersten Erscheinen in Dantes Inferno über die Buch- und Bilderwelten der Renaissance bis zur Bewusstseinstheorie und Kosmologie des 21. Jahrhunderts. In acht Sektionen erzählt die Ausstellung\, wie Worte und Bilder über Jahrhunderte unsere Vorstellung vom Bizarren formten – und erschließt dabei eine fantastische\, vielfach noch unbekannte Bilderwelt der Kunstgeschichte. Zu sehen sind bislang selten oder noch nie gezeigte Zeichnungen\, Druckgrafiken\, Bücher aus den Museumssammlungen der Kunstbibliothek sowie Meisterwerke der Gemäldegalerie\, der Alten Nationalgalerie und des Kupferstichkabinetts. \nDie Akteure dieser Geschichte bilden eine denkbar bunte Gesellschaft: u.a. Dante Alighieri (1265–1321)\, Hieronymus Bosch (um 1450–1516)\, Michelangelo (1475–1564)\, Piero di Cosimo (1462–1522)\, Francisco de Goya (1746–1828)\, Frank Zappa (1940–1993) und am Ende Superman mit seinem verrückten Gegenbild „Bizarro“ aus dem Universum „Bizarro World“. \nFuror\nDie Geschichte des Wortes beginnt mit einem Wutexzess. In Dantes Inferno erscheint „bizarr“ Anfang des 14 Jahrhunderts erstmals auf der großen Bühne der Literatur: als Bezeichnung für die Seele eines Florentiner Adligen („El fiorentino spirito bizarro“)\, der sich in rasender Wut in der Hölle selbst zerfleischt. Das Wort geht vermutlich auf „bizza“ zurück\, einen lautmalerischen Ausdruck für einen plötzlichen Zornausbruch.\nIn der Renaissance wurde der Furor zugleich zum Sinnbild kreativer Schaffenswut. Als „bizarr“ galten nun auch Künstler\, deren entfesselte Fantasie Werke jenseits des Vorstellbaren hervorbrachte. So verwandelte sich eine Bezeichnung für den Verlust der Selbstkontrolle in ein Gütesiegel schöpferischer Kühnheit. \nTraum\nDer Traum ist der Furor des Schlafes. Wie der Wahnsinn erzeugt er im Kopf eine Wirklichkeit\, die nicht den Regeln der Wachwelt gehorcht. Schon im 16. Jahrhundert sprang die Bezeichnung „bizarr“ deshalb vom Furor auf den Traum über. Besonders die Werke von Hieronymus Bosch galten als Traumbilder und Schöpfungen „bizarrer Dinge“.\nDie Sektion „Traum“ zeigt\, wie diese „bizarren“ Traumfantasien der Renaissance unsere Vorstellung von der Gegenwelt der Träume bis heute prägen. Im 20. Jahrhundert wurde „bizarreness“ schließlich zu einem Fachbegriff der Psychologie: Mit ihm beschreibt die Traumforschung\, wie stark ein Traum von der persönlichen Wachwirklichkeit abweicht. \nCapriccio\nIn der Renaissance galt der menschliche Geist als ebenso sprunghaft wie eine Ziege – italienisch „capra“. Menschen\, die ihre Gedanken und Gefühle nicht beherrschten\, wurden als „kapriziös“ bezeichnet. Um 1600 machten Künstler aus dieser Unberechenbarkeit eine kreative Methode\, das „Capriccio“.\nIm Capriccio ließen sie den Bildern in ihren Köpfen freien Lauf und bannten den Einfall auf Papier. Das Wort „bizarr“ wurde zum Versprechen einer Kunst jenseits der Konventionen. Eine der kühnsten Capriccio-Serien des 17. Jahrhunderts trägt den Titel Bizzarie di varie figure (1624). Ihr Schöpfer Giovanni Battista Bracelli (um 1584–1650) wurde drei Jahrhunderte später von dem Dadaisten Tristan Tzara (1896–1963) als ein Prophet der Moderne gefeiert. \nGroteske\nGrotesken verbinden Architektur\, Kunsthandwerk sowie Tier- und Pflanzenformen zu fantastischen Bildwelten. Ihren Namen verdanken sie den „Grotten“ verschütteter römischer Ruinen\, in denen Ende des 15. Jahrhunderts antike Wandmalereien entdeckt wurden. Im flackernden Fackellicht schienen diese rätselhaften Ornamente wie die Bilder eines Traumes.\nDer Kunsttheoretiker Daniele Barbaro (1514–1570) bezeichnete Grotesken deshalb als die „Träume der Malerei“. Für das Wort „bizarr“ eröffnete sich damit ein neues Wirkungsfeld. Es kennzeichnete nun vor allem jene Werke\, in denen Künstler die konventionelle Kunst mit einer besonderen Mischung aus Furor und träumerischer Fantasie übertrafen. \nStaunen\nDas Bizarre fällt aus dem Gewohnten heraus. Es überrascht\, fesselt die Aufmerksamkeit und bleibt im Gedächtnis – ein Phänomen\, das die moderne Wahrnehmungspsychologie als „bizarreness effect“ bezeichnet.\nSeit Jahrhunderten brechen Menschen gezielt mit Konventionen\, um Staunen hervorzurufen und sich als einzigartig zu inszenieren. Im Barock wurde diese Strategie zu einem gesellschaftlichen Phänomen: In Kunst\, Mode und öffentlichem Auftreten wetteiferten Männer und Frauen um Originalität. Auch Frank Zappa setzte mit seinem 1968 gegründeten Musiklabel BIZARRE auf diese Strategie\, um sich vom Mainstream abzuheben. \nChimäre\nChimären sind Wesen\, die Merkmale unterschiedlicher Organismen in sich vereinen. Seit der Renaissance faszinieren sie Kunst und Wissenschaft\, weil sie jede eindeutige Zuordnung verweigern. „Bizarr“ wurde zum Etikett für solche Grenzwesen und für eine Fantasie\, welche die bekannte Tier- und Pflanzenwelt immer wieder neu zusammensetzt.\nAuch Menschen können sich mit Masken in Chimären verwandeln\, um andere Identitäten anzunehmen. In dieser Tradition gewann die Bedeutung des Bizarren im 20. Jahrhundert eine neue Dimension: Das Wort bezeichnete nun nicht mehr nur fantastische Abweichungen von der Natur\, sondern zunehmend auch Formen freier Selbstbestimmung. \nGelächter\nLachen entzündet sich häufig an Ereignissen\, die aus dem Rahmen fallen: an Missgeschicken\, Übertreibungen oder Anstößigkeiten. Zugleich ist das Lachen selbst eine Störung. Es bricht plötzlich hervor und lässt sich nur schwer kontrollieren.\nWie Furor\, Traum und Groteske konnte das Komische bestehende Ordnungen infrage stellen. Für die Verbreitung des Wortes „bizarr“ bot es daher ideale Bedingungen. Die im 17. Jahrhundert noch ganz junge Bildgattung der Karikatur wurde als „invenzione bizzarissima“ bewundert\, und die Komödien wimmelten von „bizarren“ Charakteren. Lachbilder wurden unter dem Label „bizarria da ridere“ (Bizarrerie zum Lachen) gehandelt. \nBizarro World\nDie Geschichte des Bizarren folgt einem markanten Muster: Das Wort siedelt sich überall da an\, wo die vertraute Welt Risse bekommt und geltende Logiken versagen. Lange blieb das Bizarre jedoch die Ausnahme von der Regel\, ein Störfall in einer geordneten Wirklichkeit. Nur die Satire wagte es\, die ganze Welt ins Bizarre zu verkehren. Die letzte Sektion der Ausstellung versammelt eine Auswahl der kühnsten und fantastischsten dieser kosmologischen Bildsatiren.\nIm 21. Jahrhundert wird aus Spaß und Humor allerdings Ernst. Physik und Neurowissenschaften stellen die Frage\, ob nicht einzelne Erscheinungen\, sondern unsere klassischen Weltbilder „bizarr“ sind. In der Theorie der „Universal Bizarreness“ des amerikanischen Philosophen Eric Schwitzgebel (geb. 1968) vollzieht sich die entscheidende Umkehrung: Das Bizarre wird zum neuen Normalzustand – und die vermeintliche Normalwelt selbst erscheint bizarr.\nDas Schlüsselbild für diese kosmische Eskalation liefert Hieronymus Bosch. Sein doppelseitiges Gemälde aus der Gemäldegalerie zeigt auf der Vorderseite eine harmonische Welt mit dem Evangelisten Johannes. Auf der Rückseite ist diese Normalwelt zu einer bizarren Blase in einem Kosmos geschrumpft\, in dem die Mächte des Chaos regieren.\nMit diesem Werk verabschiedet die Ausstellung ihr Publikum: Die Reise durch die Geschichte des Wortes „Bizarr“\, die mit einem rasenden Menschen in Dantes Hölle begann\, endet in einem verrückten Universum. \nKatalog\nEin reich bebilderter Ausstellungskatalog bündelt die umfangreiche Forschungsarbeit\, auf der die Ausstellung beruht\, und rekonstruiert erstmals die Karriere des Wortes „bizarr“. Zahlreiche Geschichten\, Quellen und Objekte\, die in der Ausstellung keinen Platz finden konnten\, erweitern darin das Panorama des Bizarren:\n„BIZARR“: Die Geschichte des verrücktesten Wortes der Welt\, hg. v. Moritz Wullen\, ca. 256 Seiten\, ca. 160 Farb- und S/W-Abbildungen\, deutsch/englisch\, Hardcover\, E. A. Seemann Verlag\, Leipzig 2026\, 49\,00 Euro \nPodcast\nEin Audioguide und ein Podcast begleiten die Ausstellung durch ihre acht Sektionen. Darin erkunden der Kriminalbiologe Mark Benecke und Moritz Wullen\, Direktor der Kunstbibliothek und Kurator der Ausstellung\, gemeinsam die Geschichte des Bizarren und fragen\, wo es uns heute begegnet. Im Gespräch schlagen sie den Bogen von Dantes Inferno bis zu den Abgründen und Merkwürdigkeiten der Gegenwart. \nEröffnung\nDonnerstag\, 26. November 2026\, 19 Uhr \nAusstellungsdauer\n27. November 2026 bis 29. März 2027 \nOrt\nKulturforum Berlin\, Sonderausstellungshallen\nJohanna-und-Eduard-Arnhold-Platz / Matthäikirchplatz\, 10785 Berlin\nEintritt: Kulturforum-Ticket 22 Euro\, ermäßigt 11 Euro
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SUMMARY:IM DAZWISCHEN im Spreepark Art Space
DESCRIPTION:Bevor der Spreepark 2027 als Park und neuer Kulturort in Berlin wieder eröffnet\, richtet die Ausstellung im Eierhäuschen den Blick auf eine besondere Phase in der Geschichte des einstigen Vergnügungsparks: die Zeit zwischen Lost Place und sichtbarer Transformation zu einem öffentlichen Park für Kunst\, Kultur und Natur. IM DAZWISCHEN gibt Einblicke in künstlerische Recherchen\, Interventionen und Projekte dieser besonderen Jahre\, in denen die Zukunft des Parks erprobt\, diskutiert und imaginiert wurde. \nWelche Geschichten sind in diesem Ort eingeschrieben? Welches Wissen über Zeitgeschichte birgt er? Und wie können diese Erfahrungen in die Zukunft getragen werden? Die Ausstellung im Spreepark Art Space versammelt sechs Positionen\, die sich in Videos\, Installationen\, Soundarbeiten und performativen Werken mit diesen Fragen beschäftigen und den Spreepark als Spiegel gesellschaftlicher\, ökologischer und räumlicher Veränderungen betrachten. \nMit Daniela Brahm\, Daniela Kinateder und Christian Hiller\, Lukas Matthaei und Sebastian Quack\, raumlaborberlin\, Nadin Reschke und Hans Hs Winkler \nEröffnung\nSonntag\, 22.11.2026\, 11-18 Uhr\nSpreepark Art Space\, Eierhäuschen \nAusstellungsdauer\n22.11.2026 – 17.05.2027 \nOrt\nSpreepark Art Space im Eierhäuschen / Spreepark\nKiehnwerder Allee 2\, 12437 Berlin\nMi – So 11 bis 18 Uhr\nEintritt: frei
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SUMMARY:WINTERLIGHTS von Christopher Bauder bei DARK MATTER
DESCRIPTION:DARK MATTER lädt euch herzlich zur Eröffnung von WINTERLIGHTS ein. \nAm 4. November 2026 verwandelt der Berliner Licht- und Medienkünstler Christopher Bauder die TRANSFORMATOR-Kunsthalle erneut in ein leuchtendes Winterwunderland. \nDas absolute Highlight bildet in diesem Jahr die noch raumgreifendere Eisbahn im Zentrum der Halle: Auf Kufen gleiten die Gäste mitten durch die Installation\, während das Eis durch tausende integrierte Lichter erstmals selbst zum integralen Bestandteil der Inszenierung wird. \nRund um die Eisbahn entfaltet sich auf 1.000 Quadratmetern ein schwebender Wald aus über 600 Tannenbäumen und mehr als 300.000 Lichtpunkten. Begleitet von einer eigens entwickelten Komposition des niederländischen Musikers Chris Kuijten vereint das Werk Tradition\, zeitgenössische Lichtkunst und winterliche Magie. \nERÖFFNUNGSVERANSTALTUNG:\nWann: Mittwoch\, 4. November 2026\, ab 17:30 Uhr\nWo: DARK MATTER\, Köpenicker Chaussee 46\, 10317 Berlin – Lichtenberg \nPROGRAMM:\n17:30 Uhr: Einlass\n18:00 Uhr: Einführung durch Christopher Bauder und Einweihung der Eisbahn mit einer exklusiven Performance on Ice\nAb 18:30 Uhr: Eislaufen für alle Gäste \nEröffnung\nMittwoch\, 4. November 2026\, ab 17:30 Uhr \nAusstellungsdauer\n4. November 2026 bis 14. Februar 2027 \nOrt\nDARK MATTER\, TRANSFORMATOR-Kunsthalle\nKöpenicker Chaussee 46\, 10317 Berlin \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nWINTERLIGHTS bei DARK MATTER läuft vom 4. November 2026 bis 14. Februar 2027 in der TRANSFORMATOR-Kunsthalle an der Köpenicker Chaussee im Bezirk Lichtenberg\, nahe dem S-Bahnhof Rummelsburg. Die Eröffnung am Mittwoch\, 4. November\, beginnt um 17.30 Uhr mit dem Einlass\, um 18 Uhr führt Christopher Bauder in die Installation ein. Danach ist die Lichtinstallation von Mittwoch bis Sonntag geöffnet; die genauen Zeiten und Tickets findest Du auf der Website von DARK MATTER.
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SUMMARY:Über Zeiten. Gursky\, Lucas\, Miró\, Warhol und die Kunst des langen 19. Jahrhunderts
DESCRIPTION:Zum 150-jährigen Jubiläum der Alten Nationalgalerie bringt die Sonderpräsentation „Über Zeiten“ Werke des langen 19. und späten 20. Jahrhunderts miteinander ins Gespräch. In zehn Räumen auf allen drei Etagen des Hauses treffen unter anderem Andreas Gursky\, Sarah Lucas\, Joan Miró und Andy Warhol auf die Kunst des 19. Jahrhunderts. Ungewöhnliche Gegenüberstellungen eröffnen neue Blicke auf vertraute Werke und fragen danach\, was Kunst ist und sein kann. \nAls die Nationalgalerie 1876 auf der Museumsinsel Berlin eröffnet wurde\, war sie ein Haus für zeitgenössische Kunst. Heute ist die Alte Nationalgalerie das Stammhaus der Nationalgalerie und widmet sich der Kunst des langen 19. Jahrhunderts. Alle inzwischen sechs Häuser der Nationalgalerie verbindet ein gemeinsam geführter Bestand\, der vom späten 18. Jahrhundert bis in die unmittelbare Gegenwart reicht. „Über Zeiten“ macht dieses Kontinuum entlang von ausgewählten Positionen innerhalb der historischen Sammlungspräsentation sichtbar und lädt zum vergleichenden\, assoziativen Schauen ein. \nDialoge über Epochen und Gattungen hinweg \nStillleben\, Selbstbildnisse und Porträts\, Abstraktion und Gegenständlichkeit\, Malerei\, Fotografie und Skulptur begegnen einander in überraschenden Konstellationen. Gotthard Graubners (1930-2013) intensive Farbraumkörper treffen auf neue Wahrnehmungsformen des Impressionismus und Postimpressionismus. Die Begegnung von Andy Warhols (1928-1987) „Diamond Dust Shoes“ mit einem Stillleben Paul Cézannes (1839-1906) zeigt\, wie das Genre über mehr als ein Jahrhundert hinweg zum Experimentierfeld für das Zusammenspiel von Form\, Farbe und Fläche wird. \nAuch Selbstentwürfe und gesellschaftliche Rollenbilder spiegeln sich über die Zeiten hinweg: Dem Selbstbildnis der Malerin Sabine Lepsius (1864–1942)\, die sich in einem von Männern dominierten Kunstbetrieb behaupten musste\, steht ein fotografisches Selbstbildnis der britischen Gegenwartskünstlerin Sarah Lucas (*1962) gegenüber. In einer lässigen\, männlich konnotierten Pose blickt Lucas rauchend und trotzig an der Kamera vorbei. \nEin weiterer Dialog verbindet Adolph Menzels epochales „Eisenwalzwerk (Moderne Cyclopen)“ (1872–1875) mit Andreas Gurskys (*1955) „Singapore Bourse II“ (1997). Die Malerei des Realismus trifft hier auf ein verdichtetes künstlerisches Bild der Börsenwirklichkeit. In sehr unterschiedlicher Form nehmen beide Werke Arbeitswelten\, ökonomische Prozesse und die Möglichkeiten ihrer künstlerischen Darstellung in den Blick. \nDie Ausstellung erstreckt sich punktuell über alle drei Etagen der Alten Nationalgalerie. Ein begleitender Audioguide vertieft die epochenübergreifenden Beziehungen: Künstler*innen\, Direktor*innen\, Sammler*innen und Restaurator*innen stellen ausgewählte Werkdialoge vor. \nEine Sonderpräsentation der Alten Nationalgalerie\, Staatliche Museen zu Berlin\, ermöglicht durch die FREUNDE der Nationalgalerie und großzügig unterstützt durch die Eva Leinemann Kunststiftung. \nAusstellungsdauer\n22. Oktober 2026 bis 28. Februar 2027 \nOrt\nAlte Nationalgalerie\, Bodestraße 1-3\, 10178 Berlin\nDi bis So 10 bis 18 Uhr\, montags geschlossen\nEintritt 16 Euro\, ermäßigt 8 Euro
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