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SUMMARY:RARE MATTER — Art Exhibition
DESCRIPTION:Is Fashion Art? Six Berlin-based designers reveal their artistic practices beyond wearable fashion.\nBerlin\, November 2026 — Where does fashion end and art begin? On Friday\, November 13\, 2026\, RARE STORE & COLLECTIVE presents RARE MATTER – Art Exhibition\, a group exhibition bringing together six designers from the Berlin-based creative collective RARE F-hain. \nStepping beyond their fashion labels\, the participating designers reveal the artists\, creative processes and individual perspectives behind their brands through a selection of artworks\, objects and experimental material practices. \nAt the heart of the exhibition lies a question that continues to challenge the boundaries of creative expression: “IS FASHION ART?” \nFashion is more than what we wear. Behind every label is a creative mind whose artistic vision often extends far beyond clothing. \nRARE MATTER brings these often unseen dimensions into focus\, transforming the collective’s store in Berlin-Friedrichshain into a space for artistic exploration and exchange. \nFrom printmaking\, photography and intricate papercutting to textile installations\, sculptural forms and experimental compositions\, the exhibition brings together six distinct artistic approaches. \nThrough their work\, the participating artists explore materiality\, identity\, memory\, transformation and the possibilities of reusing existing resources. Together\, they challenge conventional distinctions between art\, fashion\, craft and design. \nSix designers. Six artistic perspectives. \nJulie Bourgeois — Tata Christiane \nIn Crochet Research. Upcycling Is a Palimpsest\, Julie Bourgeois explores crochet and upcycling as processes of rewriting and transformation. Existing textiles\, traditional techniques and discarded fragments are dismantled and reassembled into unexpected volumes and sculptural forms. Her work approaches materials as carriers of memory\, allowing different histories to coexist within a single creation. \nAndrea Bonfini — FADE OUT Label \nAndrea Bonfini presents a selection of earlier artistic works exploring different printing techniques and materials. These include photographic printing and photo transfers on gauze fabric\, alongside large-scale copperplate etchings on paper. Combining traditional intaglio methods such as soft-ground etching\, drypoint and etching\, his work investigates the expressive possibilities of image-making and material experimentation. \nElise Rolot — Everyday Pieces \nIn From Here to There\, Elise Rolot explores the transformation of discarded household textiles into new forms. Working with curtains\, bedsheets and other familiar fabrics\, she presents a textile installation examining the journey from domestic material to wearable garment. Her practice invites viewers to reconsider the potential of what already exists and the shifting meanings of everyday objects. \nKai Gerhardt — K∆IGERH∆RDT \nKai Gerhardt’s artistic practice operates at the intersection of fashion\, textile design and art. Through experimental material processes\, traditional craftsmanship and the reuse of existing resources\, they develop textile structures that move between surface\, body and space. Guided by LET THE FUTURE BE HUMAN\, their work challenges established categories\, identities and social norms\, opening new perspectives on materiality and creative expression. \nMeri Luján — CHAIN CULT \nMeri Luján presents a selection of early hand-cut papercut artworks\, created entirely by hand using a scalpel. Featuring an insectarium\, band logos and calligraphic compositions\, these intricate works reveal the foundations of an artistic practice that later evolved from fragile paper and cardboard into long-lasting stainless steel. The selection reflects on the contrast between impermanence and durability. \nAngie Aguirre — THERAPY Recycle and Exorcise / Fabric Actions \nIn Matter of Disobedience\, Angie Aguirre presents new works created specifically for the exhibition. Street-found fabrics are transformed into abstract compositions on rescued wood and reused canvases. \nRooted in her activist design practice and experiences between Argentina and Europe\, her work confronts the contrast between material scarcity and overabundance. Part art\, part protest\, these compositions question overproduction\, waste\, privilege and the symbolic values embedded in fashion\, challenging conventional ideas of consumption\, identity and worth. \nBeyond the labels \nFor one evening\, RARE STORE & COLLECTIVE becomes a meeting point for art\, fashion and individuality. \nThe opening on November 13 invites visitors to discover the artworks\, meet all six participating designers in person and engage with the creative minds behind the labels. \nMusic and drinks will accompany the evening\, creating an informal setting for artistic exchange and unexpected connections. \nNot just fashion. Not just art. A rare matter of perspective. \nEvent details \nRARE MATTER — Art Exhibition \nOpening / Vernissage: Friday\, November 13\, 2026\nTime: 5:00–10:00 PM\nLocation: RARE STORE & COLLECTIVE\nKopernikusstraße 21\, 10245 Berlin-Friedrichshain\, Germany \nFree admission\nMusic\, drinks and all participating artists present. \nAbout RARE STORE & COLLECTIVE \nRARE STORE & COLLECTIVE is an independent creative space in Berlin-Friedrichshain bringing together fashion\, design and artistic exchange. \nHome to the designers of the RARE F-hain collective\, the store provides a shared platform for individual creative practices\, experimental approaches and interdisciplinary encounters. \nWith RARE MATTER\, the collective turns the spotlight toward the artistic identities and practices behind its fashion labels. \nPress information \nImages of the exhibition and participating artists‘ works are attached. \nFor further information\, interviews and press imagery: \nRARE STORE & COLLECTIVE\nKopernikusstraße 21\, 10245 Berlin\, Germany \nParticipating artists:\nKai Gerhardt — @kaigerhardt_official\nMeri Luján — @chain.cult\nAngie Aguirre — @therapy_berlin / @fabric_actions\nAndrea Bonfini — @fadeoutlabel\nJulie Bourgeois — @tatachristiane\nElise Rolot — @everydaypieces
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SUMMARY:Bethan Huws im n.b.k. Showroom
DESCRIPTION:n.b.k. ShowroomBethan Huws5. Dezember 2026 – 7. Februar 2027Kurator: Arkadij Koscheew \nDer n.b.k. zeigt eine Einzelausstellung von Bethan Huws (*1961 in Bangor/Wales) im n.b.k. Showroom\, für die die Künstlerin ein neues\, raumfüllendes Konzept erarbeitet. Huws beschäftigt sich in ihren Werken eingehend mit Sprache als Mittel der Kunst. Diese Auseinandersetzung verfolgt sie in unterschiedlichen Medien\, räumlichen Interventionen\, Objekten und Textarbeiten. Im Zentrum ihrer vielschichtigen künstlerischen Praxis stehen sprachwissenschaftliche und kunsthistorische Erkundungen\, wobei das Schreiben der zentrale Ausgangspunkt für Huws bleibt. Aufbauend auf sprachlichen Experimenten und poetischen Reflexionen entwickelt sie großformatige Neonarbeiten\, Fotografien\, Videos\, Zeichnungen und Texte. \nEröffnung: Freitag\, 4. Dezember 2026\, 19 Uhr \nAusstellungsdauer: 5. Dezember 2026 – 7. Februar 2027 \nOrt: Neuer Berliner Kunstverein\, Showroom (1. OG)\, Chausseestraße 128/129\, 10115 BerlinShowroom (1. OG): Di–Fr 12–18 Uhr / Do 12–20 Uhr \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nBethan Huws ist vom 5. Dezember 2026 bis 7. Februar 2027 im n.b.k. Showroom in der ersten Etage des Neuen Berliner Kunstvereins in der Chausseestraße in Mitte zu sehen\, der Eintritt ist frei. Der 1969 gegründete Kunstverein eröffnet am selben Abend im Erdgeschoss auch die erste Einzelausstellung von Gala Porras-Kim in Deutschland sowie The Zapruder Effect.
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SUMMARY:Gala Porras-Kim. Total Loss Ghost im n.b.k.
DESCRIPTION:Gala Porras-Kim. Total Loss Ghost5. Dezember 2026 – 7. Februar 2027Kurator*innen: Marius Babias\, Krisztina Hunya \nDer Neue Berliner Kunstverein (n.b.k.) präsentiert die erste Einzelausstellung der Künstlerin Gala Porras-Kim (*1984 in Bogotá) in Deutschland. In ihren Arbeiten beschäftigt sich Porras-Kim mit der Wechselwirkung zwischen Objekten\, den materiellen wie rituellen Bedingungen ihrer Entstehung und den Konventionen\, die ihre Sammlung\, taxonomische Einordnung\, Konservierung und Präsentation in Ausstellungen regeln. Ausgehend von der inszenatorischen Macht des Museums sucht sie das Bewusstsein für dessen Codes zu schärfen und versteht Sammlungsobjekte als Speicher sich fortlaufend entfaltender Beziehungen menschlicher wie nicht-menschlicher Akteure. Für ihre Ausstellung im n.b.k. entwickelt Porras-Kim eine Werkschau basierend auf neuen und bereits existierenden Arbeiten\, darunter Zeichnungen\, Installationen und Videos. \nEröffnung: 4. Dezember 2026\, 19 Uhr \nAusstellungsdauer: 5. Dezember 2026 – 7. Februar 2027 \nOrt: Neuer Berliner Kunstverein\, Chausseestrasse 128/129\, 10115 BerlinErdgeschoss: Di–So 12–18 Uhr / Do 12–20 Uhr \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nTotal Loss Ghost im n.b.k. ist vom 5. Dezember 2026 bis 7. Februar 2027 im Erdgeschoss des Neuen Berliner Kunstvereins in der Chausseestraße in Mitte zu sehen\, der Eintritt ist frei. Der 1969 gegründete Kunstverein eröffnet am selben Abend auch die Ausstellung von Bethan Huws im Showroom im ersten Stock und The Zapruder Effect.
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SUMMARY:Anna Jung Seo: Drunken Boat in der Galerie Barbara Thumm
DESCRIPTION:Anna Jung Seo’s (b. 1964) artistic practice centers on the reconstruction of scenes\, drawing heavily from literary imagination. Through a process of transformation\, Seo converts the tangible urban landscape into a stage where exaggeration and metaphor interweave. This approach allows her to explore the nuances of perception and memory\, inviting viewers to engage with her interpretations of reality. \nThe new paintings present us with intimately drawn scenes and observations\, dimly and dramatically lit. Whereas her previous series focused more on daily reflections of her native Seoul or London\, where she lives and works\, the scenes and images in this exhibition are stimulated by literary inspirations—including Arthur Rimbaud’s poem (The Drunken Boat) and the novels of Roberto Bolaño. These works directly reflect Jung Seo’s early education and training in French literature\, as well as her enduring interest in the power of storytelling. \nSeo received a PhD in French Literature from Yonsei University\, Seoul (1999) and graduated from the Turps Studio Programme\, Turps Art School (2017) and the City & Guilds of London Art School (2011). \nCurated by Augusto Arbizo / Schwartzman&\, New York. \nEröffnung: Friday\, 06 November\, 2026\, 6—9 pm \nAusstellungsdauer: 07 November — 19 December\, 2026 \nOrt: Galerie Barbara Thumm\, Space II\, Markgrafenstr. 68 (Passage)\, 10969 Berlin \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nDie Ausstellung Drunken Boat in Berlin ist vom 7. November bis 19. Dezember 2026 im Space II der Galerie Barbara Thumm zu sehen\, parallel zu neuen Bildern von Peter Bonde im Space I. Die Galerie liegt in einer Passage der Markgrafenstraße in Kreuzberg. Geöffnet ist Mittwoch bis Samstag von 12 bis 18 Uhr.
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SUMMARY:Peter Bonde: New Paintings (keep on keeping on)
DESCRIPTION:We are delighted to present Peter Bonde’s second solo exhibition\, New Paintings / Keep on Keeping on\, at Galerie Barbara Thumm. \nThe new paintings pick up threads from earlier works and series\, revisiting them with the freedom of someone who knows his own vocabulary well enough to dismantle it. In doing so\, the works both invoke and disrupt the language of classical abstract painting. Sweeping gestures\, saturated colour fields and drips nod to the tradition of abstract painting\, yet they are repeatedly interrupted\, overpainted or set against images that refuse to stay in the background. \nNew Paintings / Keep on Keeping on is thus both a continuation and a stubborn act of defiance. It asks what it means to keep painting after decades of questioning painting itself\, and finds an answer in the act of continuing\, of returning to old images\, pulling them apart and putting them back together without smoothing over the seams. \nPeter Bonde graduated from the Royal Danish Academy of Fine Arts in 1982 (Copenhagen\, Denmark). He taught at the Funen Art Academy (Odense\, Denmark\, 1994–1996) and was professor at the Royal Danish Academy of Fine Arts (1996–2005). He represented Denmark alongside Jason Rhoades at the 48th Venice Biennale in 1999\, and in 2019 his works were shown at the 58th Venice Biennale as part of Danh Vo’s installation. \nEröffnung: Friday\, 06 November\, 2026\, 6—9 pm \nAusstellungsdauer: 07 November — 19 December\, 2026 \nOrt: Galerie Barbara Thumm\, Space I\, Markgrafenstr. 68 (Passage)\, 10969 BerlinGallery hours: Wednesday to Saturday 12 – 6 pm
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SUMMARY:Tina Buchholtz: Gravity. The Weight of Light in der Vorona Galerie
DESCRIPTION:Tina BuchholtzGravity. The Weight of Light \nKann Licht ein Gewicht haben? Kann etwas Flüchtiges\, Immaterielles eine physische Präsenz entwickeln? \nIn ihrer Ausstellung Gravity. The Weight of Light untersucht Tina Buchholtz das spannungsvolle Verhältnis zwischen Licht und Materie\, Schwere und Leichtigkeit\, Bewegung und Stillstand. \nIhre Malerei bewegt sich an der Grenze zwischen Abstraktion und Landschaft. Leuchtende Farbflächen\, vielschichtige Strukturen und feinste Liniengeflechte verdichten sich zu Bildräumen\, die zugleich vertraut und unbestimmbar erscheinen. Sie erinnern an Gräser im Wind\, an dichtes Gestrüpp\, an Licht\, das durch Vegetation fällt. Doch diese Assoziationen lösen sich immer wieder in reine Farbe\, Linie und Struktur auf. \nEine besondere Rolle spielt dabei die Materialität der Oberfläche. Buchholtz arbeitet mit dem Gegensatz zwischen dichten\, teilweise reliefartigen Farbschichten und filigranen\, sich überlagernden Linien. Die Linien durchziehen die Kompositionen wie ein feines Geflecht\, verbinden und trennen die Farbräume\, erzeugen Rhythmus und Bewegung. \nDas Licht erscheint dabei nicht als etwas\, das die Dinge lediglich sichtbar macht. Es wird selbst zum Gegenstand der Malerei. Es scheint aus der Tiefe der Farbschichten hervorzutreten\, sich auf den Oberflächen zu sammeln oder zwischen den Linien aufzulösen. In manchen Arbeiten entfaltet es eine beinahe explosive Energie\, in anderen wird es zu einem leisen\, kaum greifbaren Schimmer. \nAuch die Schwerkraft ist in diesen Bildern auf eigentümliche Weise präsent. Während die Linien aufsteigen\, sich verzweigen und in alle Richtungen ausbreiten\, verleihen die dichten Farbschichten den Kompositionen eine spürbare Erdung. Aus diesem Gegensatz entsteht eine besondere Spannung: zwischen dem\, was nach oben strebt\, und dem\, was nach unten zieht; zwischen dem Flüchtigen und dem Beständigen. \nGravity. The Weight of Light lädt dazu ein\, Malerei als sinnliche Erfahrung von Raum\, Licht und Materie zu entdecken. Die Bilder verlangen kein eindeutiges Erkennen. Sie eröffnen vielmehr einen Raum des Sehens\, in dem sich Gegenständlichkeit und Abstraktion\, Nähe und Ferne\, Bewegung und Ruhe immer wieder neu begegnen. \nBEHIND THE CANVAS. Ein persönlicher Abend mit Tina Buchholtz \nWas verbirgt sich hinter einem Kunstwerk?Wie entsteht aus Farbe\, Licht und unzähligen feinen Linien eine Bildwelt von faszinierender Tiefe? Wo beginnt die künstlerische Idee – und wie verwandelt sie sich in ein Werk\, das uns berührt?Am Freitag\, den 6. November um 18:00 Uhr\, laden wir Sie zu einem besonderen Galerieabend mit der Berliner Künstlerin Tina Buchholtz ein.Im persönlichen Gespräch gewährt die Künstlerin Einblicke in ihren kreativen Prozess\, erzählt von ihren Inspirationen und verrät\, wie ihre außergewöhnlichen Bildoberflächen entstehen.Erleben Sie ihre Werke aus der aktuellen Ausstellung Gravity. The Weight of Light aus einer neuen Perspektive und genießen Sie einen inspirierenden Abend mit Kunst\, Gesprächen und einem Glas Wein.Wir freuen uns darauf\, diesen besonderen Abend mit Ihnen zu teilen!Freitag\, 6. November 2026 | 18:00 UhrDie Teilnahme ist nur nach vorheriger Anmeldung möglich.Die Plätze sind begrenzt. \nAusstellungsdauer: 16.10.–28.11.2026 \nOrt: Vorona Galerie\, Friedbergstraße 12\, 14057 Berlin-CharlottenburgÖffnungszeiten: Montag – Samstag 11:00 – 18:00 auch gerne zu den anderen Zeitpunkten nach Vereinbarung.
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SUMMARY:Α und Ω - vom Ursprung zum Neubeginn in der galerie son
DESCRIPTION:Α und Ω – vom Ursprung zum Neubeginnmongolische GegenwartskunstODMAA Uranchimeg – SUKHBUREN Narankhuu – NYAM-OCHIR OyunpurevAusstellung21. Oktober – 21. November 2026galerie son \nMonumentale abstrakte Kalligrafien und keramische Skulpturen: Mit „Α und Ω“ (Alpha und Omega) präsentiert die galerie son im Herbst eine Ausstellung mit neuen Arbeiten von ODMAA Uranchimeg\, SUKHBUREN Narankhuu und NYAM-OCHIR Oyunpurev. Gegenüber dem Humboldt-Forum am Schinkelplatz 4 begegnet das Publikum einer Mongolei\, deren Gegenwart ebenso viel Aufmerksamkeit verdient wie ihre Geschichte. \nDen Ausgangspunkt bildet eine universelle Frage:Wann wird ein Ende zum Anfang? \nAlpha und Omega – der erste und letzte Buchstabe des griechischen Alphabets – verweisen auf das zentrale Thema der Ausstellung: das Verhältnis von Anfang\, Vollendung und Neubeginn. Die drei Künstler greifen historische und kulturelle Themen auf und untersuchen\, wie Ideen Form annehmen und Veränderung neue Möglichkeiten eröffnet. Plastische Körper und kalligrafische Gesten bringen diese Auseinandersetzung in einen räumlichen Dialog. \nIm Umfeld der Museumsinsel setzt „Α und Ω“ einen zeitgenössischen Akzent. Parallel zur Ausstellung „Dschingis Khan und die Welt der Mongolen“ in der James-Simon-Galerie lenkt sie den Blick auf heutige künstlerische Ausdrucksformen. Für Sammler\, Kuratoren und Medien bietet die Berliner Präsentation Gelegenheit\, drei eigenständige Positionen anhand ihrer jüngsten Werke zu entdecken. \nPräsentiert in Kooperation mit der Arts & Media Project Management & Consulting NGO (AMPMC) und ihrer Gründerin OYUNTUYA Oyunjargal \, eröffnet anlässlich des Staatsbesuchs des mongolischen Präsidenten Uchnaagiin KHURELSUKH in Deutschland. \nDie Kunstwerke wurden während des Artist-in-Residence-Programms 2026 der AMPMC in der Berliner Bildhauerwerkstatt des bbk geschaffen. \nAusstellungsdauer: 21. Oktober – 21. November 2026 \nOrt: galerie son\, schinkelplatz 4\, 10117 berlin germany\, U5 MuseumsinselDi – Sa 11-18 Uhr
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SUMMARY:Nyaba Léon Ouedraogo: SACRED: HUMAN\, ANIMAL AND PLANT
DESCRIPTION:Nyaba Léon OuedraogoSACRED: HUMAN\, ANIMAL AND PLANTAusstellung10.–15. November 2026\, Miss Read Space (Gerichtstr. 45\, 13347 Berlin)Dienstag\, 10. November 26\, 18.00hVernissage & Artist Talk \nAFRIKAMERA präsentiert mit der Ausstellung SACRED: HUMAN\, ANIMAL AND PLANT erstmals in Berlin Fotografien von Nyaba Léon Ouedraogo. \nOuedraogos fotografisches Werk untersucht das Heilige als lebendigen Raum\, der von kulturellen\, ökologischen und spirituellen Spannungen geprägt ist. In der Serie THE SACRED: HUMAN\, ANIMAL AND PLANT erkundet er\, wie Menschen\, Tiere und Pflanzen in Lebensräumen zusammenleben\, in denen überlieferte Praktiken eng mit der Gegenwart verbunden bleiben. Der heilige Krokodilteich von Bazoulé wird dabei zum Ausgangspunkt\, um das fragile Gleichgewicht zwischen kulturellem Erbe und ökologischem Wandel zu befragen. \nOrganische Formen\, Texturen\, die an Haut oder Erde erinnern\, und Bewegungen\, die dem Imaginären entspringen\, sind keine bloßen ästhetischen Entscheidungen. Sie offenbaren eine vielschichtige Beziehung zu einem Ort\, an dem kulturelle Rituale\, spirituelle Überzeugungen und natürliche Ökosysteme einander weiterhin tragen. Das heilige Krokodil\, eine überlieferte Schutzfigur\, wird zum symbolischen Gradmesser für die Gesundheit der Natur. Es erinnert daran\, dass das Heilige nur fortbestehen kann\, wenn die Umwelt\, die es trägt\, intakt bleibt. \nIn Burkina Faso gehören heilige Teiche zu den letzten funktionierenden traditionellen Ökosystemen. Klimatische Veränderungen wie sinkende Wasserstände und der Verlust von Lebensräumen bedrohen nicht nur die Krokodilbestände\, sondern auch die symbolischen Strukturen\, die Gemeinschaften zusammenhalten. Das Heilige wird so zu einem Raum\, in dem sich Fragen des Naturschutzes mit Fragen der Identität kreuzen. Den Teich zu bewahren heißt\, sowohl ein Ökosystem als auch eine Welt von Bedeutungen zu schützen. Darin zeigt sich ein Paradox des Anthropozäns: Überliefertes Wissen\, das die Umwelt lange geschützt hat\, muss sich heute Störungen stellen\, die weit außerhalb lokaler Einflussmöglichkeiten liegen. \nIn einer Welt\, in der menschliches Handeln natürliche Kreisläufe verändert\, steht das Krokodil für Verletzlichkeit. Sein Überleben hängt von der Wasserqualität\, der Stabilität der Böden und der Verfügbarkeit von Ressourcen ab\, Bedingungen\, die der Klimawandel zunehmend untergräbt. \nDie Menschen in den Bildern verkörpern Gemeinschaft\, Kontinuität und ökologische Verantwortung. Ihre Beziehung zu den Krokodilen und zur Pflanzenwelt drückt ein Weltbild aus\, in dem der Mensch nicht außerhalb der Natur steht. Die Pflanzen verweisen auf die Zerbrechlichkeit von Wachstumszyklen und auf die Notwendigkeit eines respektvollen Umgangs mit der Umwelt. Das Krokodil schließlich macht allein durch seine Gegenwart sichtbar\, wie weit die ökologische Zerstörung fortgeschritten ist. \nOuedraogo dokumentiert nicht nur Rituale oder Landschaften. Die Gesten\, die er festhält\, werden zu Akten stillen Widerstands. Sie legen nahe\, dass das Heilige andere Formen des Umgangs mit dem Lebendigen eröffnet\, Formen\, die auf Verantwortung\, Gegenseitigkeit und Kontinuität beruhen. \nMit THE SACRED: HUMAN\, ANIMAL AND PLANT lädt er dazu ein\, traditionelle Ökosysteme nicht als nostalgische Überbleibsel zu betrachten\, sondern als Grundlage für neue Arten\, die Erde zu bewohnen. Seine Fotografie wird zu einem Raum der kritischen Reflexion über unsere Rolle in der lebendigen Welt und über die dringende Notwendigkeit eines verantwortungsvollen Umgangs mit ihr\, der den Herausforderungen unserer Zeit gewachsen ist. \nNyaba Léon Ouedraogo wurde 1978 in Bouyounou\, Burkina Faso\, geboren. Er gehört zu einer neuen Generation afrikanischer Fotografen\, die sich mit den Problemen und Lebensbedingungen ihrer Zeitgenossen an den Schnittstellen Afrikas auseinandersetzen. Er versteht sich als Griot\, der die Geschichten eines sich wandelnden Afrikas erzählt. \nSeine Bilder setzen sich mit den politischen\, wirtschaftlichen\, soziologischen und ökologischen Herausforderungen auseinander\, mit denen der afrikanische Kontinent\, insbesondere der westliche Teil\, konfrontiert ist. \nOuedraogo wurde mit mehreren Preisen ausgezeichnet\, darunter der Preis der Europäischen Union bei den 9. Rencontres de la Photographie in Bamako im Jahr 2011. Er war 2010 Finalist des Prix Pictet und wurde 2016 ein zweites Mal nominiert. Er ist Preisträger der „Résidences photographiques du musée du Quai Branly“ 2013 und erhielt kreative Unterstützung vom Institut Français de Ouagadougou. Zusammen mit Christophe Person ist er Mitbegründer der BISO (Biennale Internationale de Sculpture de Ouagadougou). \nDie Ausstellung findet im Rahmen von AFRIKAMERA – Aktuelles Kino aus Afrika vom 09.-15. November 2026 statt: www.afrikamera.de \nEröffnung: Dienstag\, 10. November 2026\, 18 Uhr\, Vernissage & Artist Talk \nAusstellungsdauer: 10.–15. November 2026 \nOrt: MISS READ SPACE\, Gerichtstr. 45\, 13347 BerlinÖffnungszeiten:MI 11+DO 12 NOV\, 18.00–22.00FR 13+SA 14 NOV\, 16.00–22.00SO 15 NOV\, 16.00–20.00Eintritt frei
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/nyaba-leon-ouedraogo-sacred-human-animal-and-plant/
LOCATION:Miss Read Space\, Gerichtstraße 45\, Berlin\, 13347\, Deutschland
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SUMMARY:Finissage "Verschlüsselte Botschaften" in der Galerie Seelenkuss
DESCRIPTION:Auf den ersten Blick sind es nur Blumen. Doch bei näherem Betrachten kommen Worte und Texte zum Vorschein. Welche Aussagekraft haben die Farben? Was ergibt das Zusammenspiel? Welche Bedeutung steckt dahinter? \nDas Hauptmedium von Kristina Papst ist das Papier. Die Herkunft kann verschieden sein\, zum Beispiel aus alten Büchern. Die Wiederverwertung von gebrauchtem Papier oder Pappe ist eines ihrer Anliegen. Schicht für Schicht wird übereinander geleimt. Farbe kommt ins Spiel. Mal deckend\, mal lasierend\, durchschimmernd.  \nOliver Heubeck möchte euch mitnehmen auf eine Reise in eine neue Welt. Seine Bilder nehmen Bezug zum derzeitigen Bewusstseinsanstieg. \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nDie Finissage Verschlüsselte Botschaften am Mittwoch\, 11. November 2026\, beschließt die Ausstellung\, die seit dem 9. Oktober 2026 in der Galerie Seelenkuss läuft. Die Galerie liegt in der Wollankstr. 135\, 13187 Berlin\, rechts neben dem Rathaus Pankow. Regulär ist sie dienstags\, mittwochs und freitags von 15 bis 19 Uhr sowie samstags von 14 bis 17 Uhr geöffnet.
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SUMMARY:Vernissage "ALLES im FLUSS" in der Galerie Seelenkuss
DESCRIPTION:Wilmer Moyeja ist inspiriert vom Meer und den Wesen darin. Er malt in abstrakter Weise und lässt die Farbe auf der Leinwand fließen. Sein Ziel als Künstler ist es\, wieder erkennbare Situationen aus der Realität darzustellen und gleichzeitig menschliche Emotionen mit sehr lebhaften Farben zu übertreiben. Dem Betrachter soll erspart werden\, rein geometrische oder farbliche Codes entschlüsseln zu müssen. Seine Werke beziehen sich direkt auf Elemente der realen Welt. \nMoyeja nahm bereits an der Kunstmesse in Caracas sowie Valencia teil. \nZur Zeit ist zu Besuch bei seinem Sohn in Berlin. In Venezuela arbeitet er hauptberuflich als Architekt. \nOliver Heubeck liebt es\, Farben fließen zu lassen. Mal entstehen Landschaften an Flüssen oder am Meer\, mal komplett abstrakte Bilder. Seine Werke drücken Emotionen aus und es gibt viel zu entdecken.  \nDie Künstler sind anwesend. Einlass ab 18 Uhr\, offizielle Vorstellung der Künstler ca. 19 Uhr \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nDie Vernissage am Freitag\, 13. November 2026\, eröffnet ALLES im FLUSS in der Galerie Seelenkuss; die Ausstellung ist bis zum 9. Dezember 2026 zu sehen. Die Galerie liegt in der Wollankstr. 135\, 13187 Berlin\, rechts neben dem Rathaus Pankow\, und öffnet dienstags\, mittwochs und freitags von 15 bis 19 Uhr sowie samstags von 14 bis 17 Uhr.
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SUMMARY:Was zwischen uns wächst bei Neun Kelche
DESCRIPTION:Lu Cheng widmet sich Formen zwischen menschlicher und nichtmenschlicher Körperlichkeit\, zwischen Vertrautem und Fantastischem und greift dabei auf Bildwelten von Science-Fiction zurück. Was zwischen uns wächst ist die erste Einzelausstellung der Künstlerin in Berlin. Darin zeigt sie zwei bestehende Werke sowie eine neue\, eigens für Neun Kelche produzierte Installation. \nLu Cheng untersucht in ihrer künstlerischen Praxis die Übergänge zwischen organischem Wachstum und künstlicher Konstruktion. Wie verändern sich Körper durch ihre Umgebung\, und wie werden sie selbst zum Lebensraum für andere? Aus vielen kleinen Teilen entstehen körperähnliche Gebilde mit Verwachsungen. Was weich und beweglich erscheint\, ist starr und zerbrechlich. Die Arbeiten lassen Körper als etwas Unabgeschlossenes erscheinen\, das von seiner Umgebung geprägt wird und sich mit ihr verändert. Auch die Besucher*innen sind eingeladen\, die Installation auf dem Boden weiter mutieren zu lassen. \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nMit der Vernissage am Freitag\, 13. November 2026\, von 18 bis 21 Uhr beginnt Was zwischen uns wächst bei Neun Kelche in Berlin; die Ausstellung läuft bis zum 24. Januar 2027. Der Projektraum liegt am Pasedagplatz in Weißensee\, der Zugang erfolgt über die Straße An der Industriebahn. Am Samstag\, 12. Dezember 2026\, um 16 Uhr gibt es eine Sound-Performance von Katherina Bévand.
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/was-zwischen-uns-waechst/
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SUMMARY:Monströs in der Galerie im Turm
DESCRIPTION:Monster verleihen den unsichtbaren Kräften\, die unser Leben im Kapitalismus bestimmen\, eine fassbare Gestalt. Sie sind Bedeutungsträger sowie Ausdruck kultureller Ängste und Unsicherheiten. In einer von Zerstörung geprägten Welt rücken Gothic und Horror aus der Peripherie mitten in die Popkultur. Sie bieten keine bloße Flucht vor der Realität\, sondern stellen eine Diagnose: je monströser unsere Realität wird\, desto mehr spiegeln wir uns in ihrer Fiktion. \nMythische Wesen wie Vampire\, Zombies und Werwölfe kehren immer wieder zurück. Als wandelbare Figuren nehmen sie je nach Epoche und Perspektive neue Bedeutungen an. Innerhalb der bestehenden Machtstrukturen werden Monster seit jeher konstruiert\, um abweichende Stimmen zu unterdrücken. Als Reaktion darauf eigneten sich marginalisierte Communities das Monster als Symbol des Widerstands an. Umgekehrt wird das Konzept des Monströsen genutzt\, um die Mechanismen der Herrschenden offenzulegen: Ausbeutung\, Entfremdung und Unterdrückung. \nDie teilnehmenden Künstler*innen verhandeln genau diese Dualität. Sie zeigen auf\, wodurch bestehende Herrschaftsstrukturen bedroht werden: selbstbestimmte Körper\, die sich der Logik der Reproduktion entziehen oder sich gegen starre Zuschreibungen wehren. Gleichzeitig entlarven die Arbeiten\, was im Monströsen verhandelt wird: reale Gewalt wie die zombieartige Rückkehr des Faschismus und die kolonialen Kontinuitäten dieser Erzählungen. \nIndem sie die Monströsität unseren Systems offenlegen\, werden Monster zur Waffe gegen diese Verhältnisse. \nMit neuen Arbeiten von Emma Adler\, Caroline Douville\, Marven Rabe und Milena Wojhan. \nKuration: Carlotta Gonindard Liebe\nAusstellungsgestaltung: Carolina Redondo\nGrafikdesign: Polina Zagumenova\nAssistenz: Philipp Eyselein \nGalerie im Turm\, Berlin\n19. Nov 26 — 24. Jan 27\nEröffnung: 18. November\, 18 Uhr
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/monstroes/
LOCATION:Galerie im Turm\, Frankfurter Tor 1\, Berlin\, 10243\, Deutschland
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SUMMARY:Catherine Coady: Breathe Deeply bei Backspace
DESCRIPTION:Die von Dominika Kuthová kuratierte Ausstellung Breathe Deeply vereint ausgewählte Arbeiten aus einem Jahrzehnt der multidisziplinären Praxis von Catherine Coady. Konzipiert als eine Folge miteinander verbundener Rauminstallationen\, bringt die Ausstellung scheinbar disparate Werkgruppen in einen Dialog und zeichnet die beständigen Themen und das gemeinsame künstlerische Narrativ nach\, die Coadys vielfältigen Ausdrucksformen zugrunde liegen. \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nBreathe Deeply bei Backspace in Berlin ist vom 18. bis 22. November 2026 zu sehen\, die Vernissage findet am Mittwoch\, 18. November\, von 18 bis 21 Uhr statt. Backspace ist eine ehemalige Logistikhalle in der Markgrafenstraße 68\, 10969 Berlin\, im ehemaligen Zeitungsviertel an der Grenze von Kreuzberg und Mitte\, die heute für Ausstellungen und Veranstaltungen genutzt wird.
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/catherine-coady-breathe-deeply/
LOCATION:Backspace\, Markgrafenstraße 68\, Berlin\, 10969
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SUMMARY:Sonderausstellung: „Klaus Hack – Retrospektive“
DESCRIPTION:Klaus Hack (geboren 1966 in Bayreuth) ist ein Künstler\, der nicht nur früh und mit Erfolg in die Selbstständigkeit ging\, sondern seit diesem Zeitpunkt auch kontinuierlich sein Werk weiterentwickelt hat. Entgegen dem Zeitgeist hatte sich Hack\, inspiriert von den Skulpturen des Expressionismus\, von Beginn an für den klassischen Werkstoff Holz entschieden. Seit nunmehr 40 Jahren entstehen in diesem Material handwerklich vielseitig und virtuos\, motivisch phantasievoll und thematisch vielschichtig großformatige\, häufig weiß gefasste Holzskulpturen. \nKlaus Hack studierte nach einer Schreinerlehre zunächst an der Akademie in Nürnberg bei dem figurativ arbeitenden Bildhauer Wilhelm Uhlig (1930-2022). Er wechselte 1991 an die Berliner Hochschule der Künste zu Rolf Szymanski (1928-2013)\, wo er sich von der unversehrten menschlichen Figur zu lösen begann\, um fortan Körper und Gegenstände sich in freien Formen entwickeln zu lassen. Seit 1995 arbeitet der Künstler selbständig. \nDie Skulpturen von Klaus Hack sind meist allansichtig\, voller Durchbrüche und ineinander verschränkter Formen. Der Künstler erfindet phantastische Wesen\, obsessiv strukturierte Oberflächen und architektonische Formen und konstruiert Altäre von ungewöhnlicher Spiritualität. Seine Holzschnittdrucke kombinieren Zwei- und Dreidimensionales\, in dem der bearbeitete Baumstamm als Drucktrommel für großformatige Drucke auf Leinwand dient. Dazu schafft Klaus Hack imposante Holzschnitte in kontrastreicher Farbigkeit sowie zartfabulierende Malereien im kleinen Format. Das Werk des heute sechzigjährigen Klaus Hack wird von Erzählfreude und Erfindungsreichtum geprägt. Es steht in seiner Konsequenz\, mit der es im Material Holz stetig weiterentwickelt wurde\, singulär in der heutigen Zeit. \nDie Ausstellung verfolgt die Werkentwicklung des Künstlers von seinen frühen Anfängen Mitte der 1980er Jahre\, die unter dem Eindruck der Skulpturen von Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) standen\, die Arbeiten der Meisterschülerzeit bei Rolf Szymanski und der ersten Selbstständigkeit mit den großformatigen Drucktrommel-Werken über die verinnerlichten Sitzfiguren der frühen 2000er Jahre\, die Architekturobjekte und -reliefs bis zu den aktuellen Altären und Figuren. \nGezeigt werden ca. 30 zum Teil großformatige Skulpturen\, etliche monumentale Holzschnittdrucke und Holzschnitte sowie zahlreiche Zeichnungen. \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nDie Retrospektive Klaus Hack im Käthe-Kollwitz-Museum Berlin läuft vom 15. November 2026 bis zum 10. Januar 2027 und wird am Sonntag\, 15. November\, um 11 Uhr eröffnet. Das Museum im ehemaligen Charlottenburger Schlosstheater\, Spandauer Damm 10\, 14059 Berlin\, ist täglich von 11 bis 18 Uhr geöffnet. Der Eintritt kostet 8 Euro\, ermäßigt 5 Euro\, unter 18 Jahren frei.
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/sonderausstellung-klaus-hack-retrospektive/
LOCATION:Käthe-Kollwitz-Museum Berlin\, Spandauer Damm 10\, Berlin\, 14059\, Deutschland
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SUMMARY:Angela de la Cruz: Shelter in der Galerie Thomas Schulte
DESCRIPTION:In „Shelter“\, ihrer vierten Einzelausstellung in der Galerie Thomas Schulte\, knüpft Angela de la Cruz an ihre unverwechselbare künstlerische Praxis an. Ausgehend von der Formensprache der Malerei und des Minimalismus entstehen Arbeiten von eindringlicher physischer und emotionaler Präsenz. Eine neue Serie monochromer\, wandmontierter Arbeiten mit skulpturalem Charakter besteht aus mehreren Schichten gespannter und loser Leinwand\, die von einer Aluminiumoberfläche bedeckt sind. Die feste äußere Hülle offenbart durch Dellen und Falten zugleich ihre eigene Fragilität. Darunter kommt die ebenfalls gestauchte und zerknüllte Leinwand zum Vorschein. An den Rändern drängt sie nach außen\, quillt hervor und gibt den Blick auf ein weiches\, Körperinneres frei. Im Zusammenspiel der unterschiedlichen Materialoberflächen zeigen sich subtile Verschiebungen und überraschende Entsprechungen: Festigkeit weicht der Verletzlichkeit\, Verhüllung wird zur Entblößung\, geometrische Ordnung bricht in sich zusammen und offenbart einen Mangel an strukturellem Halt.\nDie Arbeiten in „Shelter“ erinnern an notdürftige Schutzschilde oder weiche\, provisorische Umhüllungen und lassen eine prekäre Form des Schutzes erahnen. Vielleicht sind sie eine Reaktion auf ein ebenso prekäres Umfeld. Sie konfrontieren uns mit den Folgen dessen\, was bereits geschehen ist\, und geben zugleich einen Hinweis auf das\, was noch bevorsteht. \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nShelter in der Galerie Thomas Schulte ist vom 21. November 2026 bis zum 13. Februar 2027 am zweiten Standort der Galerie zu sehen\, in den Mercator Höfen\, Potsdamer Str. 81B\, erster Stock\, 10785 Berlin. Die Galerie hat diesen Ort im Herbst 2024 eröffnet; ihren Sitz hat sie seit 2006 im Tuteurhaus in Berlin-Mitte.
URL:https://www.kunstleben-berlin.de/event/angela-de-la-cruz-shelter/
LOCATION:Galerie Thomas Schulte Potsdamer Straße\, Mercator Höfe\, Potsdamer Str. 81B\, erster Stock\, Berlin\, 10785
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SUMMARY:Mark Handforth: Zig-Zag City in der Galerie Thomas Schulte
DESCRIPTION:In seiner ersten Einzelausstellung in der Galerie Thomas Schulte präsentiert Mark Handforth „Zig-Zag City“ mit neuen skulpturalen Arbeiten\, die von der Decke hängen\, sich winden\, in den Raum ausgreifen oder leuchten. Gemeinsam formen sie eine dynamische Landschaft\, die mit den räumlichen Gegebenheiten der Galerie in Dialog tritt. Dafür greift Handforth immer wieder Motive aus dem Stadtraum auf\, die uns so vertraut sind\, dass wir sie kaum noch wahrnehmen. Spielerisch aus ihrem ursprünglichen Zusammenhang gelöst\, in ihren Dimensionen verändert oder neu angeordnet\, gewinnen vertraute Objekte in Messing\, industriellen LED-Röhren und einem Motorrad ein neues Eigenleben. Die funktionalen Aspekte der Gegenstände\, die unsere gemeinsame Umgebung prägen oder strukturieren\, werden dabei selbst zum Material der Kunstwerke. Ihrer eigentümlichen Schwerfälligkeit\, ihrer Zerstörung oder ihren auf unheimliche Weise menschlichen Zügen wird eine unerwartete Schönheit abgewonnen.\nZwischen Skulptur und Alltagsgegenstand\, an der Schnittstelle zwischen den Straßen der Stadt und dem Innenraum der Galerie\, entsteht ein verschlungener Weg\, in dem vertraute Rhythmen und Spiegelungen in rätselhafte Beziehungen zueinander treten. \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nMark Handforth Zig-Zag City ist vom 21. November 2026 bis zum 13. Februar 2027 in der Galerie Thomas Schulte am Standort Charlottenstraße 24\, 10117 Berlin\, zu sehen. Die Galerie hat hier seit 2006 ihren Sitz\, im Tuteurhaus aus dem 19. Jahrhundert\, dessen dreiteiliges Schaufenster am neun Meter hohen Eckraum Hermann Muthesius 1913 ergänzte. Geöffnet ist dienstags bis samstags von 12 bis 18 Uhr.
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SUMMARY:Hybrid Creatures Posthuman Worlds and Modern Bestiaries Annina Roescheisen in Dialogue
DESCRIPTION:Die Ausstellung Hybrid Creatures: Posthuman Worlds stellt die international tätige Künstlerin Annina Roescheisen in den Mittelpunkt und beleuchtet die vielschichtigen Verbindungen zwischen Mensch\, Natur und Technologie. In den Arbeiten der deutsch-slowenischen Künstlerin verschmelzen organische Formen mit imaginären Wesen zu hybriden Bildwelten\, die ökologische\, gesellschaftliche und emotionale Fragen sinnlich erfahrbar machen. \nRoescheisens Kunst eröffnet in herausfordernden Zeiten neue Perspektiven und schafft zugleich emotionale Anker. Ihre Werke stärken das Gefühl von Verbundenheit – mit der Natur\, mit anderen und mit der eigenen inneren Welt. Mit über 70 Arbeiten aus Malerei\, Zeichnung\, Installation\, Video und Performance zeigt die Ausstellung zentrale Werkserien wie Dragons\, Zodiac und Earth\, in denen mythologische\, historische und posthumane Narrative ineinandergreifen. Ergänzt werden sie durch Positionen weiterer Künstler:innen\, die mit hybriden Körpern und spekulativen Szenarien arbeiten. Mit der Ausstellung lädt das HAUS. KUNST. MITTE. dazu ein\, neue Verbindungen zwischen Mensch\, Natur und Technologie zu entwickeln und Kunst\, Natur und kulturelle Mythen neu zu entdecken. \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nDie Ausstellung Hybrid Creatures Posthuman Worlds läuft vom 15. Januar bis 10. April 2027 im HAUS.KUNST.MITTE. in der Heidestraße 54\, 10557 Berlin. Der Ort liegt in Moabit im Bezirk Mitte\, nördlich des Berliner Hauptbahnhofs.
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SUMMARY:Hybrid Creatures Posthuman Worlds and Modern Bestiaries Annina Roescheisen in Dialogue - Vernissage mit der Künstlerin
DESCRIPTION:Vernissage – Hybrid Creatures: Posthuman Worlds and Modern Bestiaries\nMit der Künstlerin Annina Roescheisen 15. Januar 2027 | HAUS. KUNST. MITTE.\, Berlin \nDas HAUS. KUNST. MITTE. lädt herzlich zur Eröffnung der Ausstellung „Hybrid Creatures – Posthuman Worlds and Modern Bestiaries“ mit der Künstlerin Annina Roescheisen ein. \nDie Ausstellung beschäftigt sich mit fantastischen Mischwesen\, hybriden Lebensformen und der Frage\, wie sich die Grenzen zwischen Mensch\, Tier\, Natur und Technologie zunehmend verändern. Im Mittelpunkt stehen neue Vorstellungen vom Menschsein und mögliche Formen des Zusammenlebens in einer posthumanen Welt. \nDie Werke eröffnen einen künstlerischen Dialog über die Beziehung zwischen Mensch und Umwelt sowie über die Grenzen zwischen natürlichen und künstlichen Lebensformen. Dabei werden vertraute Vorstellungen von Identität\, Körperlichkeit und Existenz hinterfragt und neue Perspektiven auf unsere Zukunft entwickelt. \nIm Rahmen der Vernissage haben Besucher:innen die Gelegenheit\, die Ausstellung erstmals zu entdecken und einen Einblick in die künstlerischen Ideen und Arbeitsweisen von Annina Roescheisen zu erhalten. Der persönliche Austausch mit der Künstlerin ermöglicht es\, mehr über die Entstehung der Werke\, ihre Inspirationen und die inhaltlichen Schwerpunkte der Ausstellung zu erfahren. \nDie Veranstaltung bietet einen besonderen Abend für Kunstinteressierte\, Kreative und alle\, die sich für zeitgenössische Kunst und gesellschaftliche Zukunftsfragen begeistern. Sie lädt dazu ein\, neue Sichtweisen kennenzulernen\, Fragen zu stellen und miteinander ins Gespräch zu kommen. \nWir freuen uns darauf\, gemeinsam mit Annina Roescheisen die Ausstellung zu eröffnen und in die faszinierende Welt hybrider Kreaturen einzutauchen.
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SUMMARY:BODIES THAT SPEAK im HAUS.KUNST.MITTE - Finissage Meet the Artists
DESCRIPTION:Finissage – Meet the Artists\n12. Dezember 2026 | 17:00–20:00 Uhr | HAUS. KUNST. MITTE.\, Berlin Eintritt frei \nZum Abschluss der Ausstellung „Bodies that Speak“ lädt das HAUS. KUNST. MITTE. zu einer besonderen Finissage unter dem Motto „Meet the Artists“ ein. \nDie Veranstaltung bietet Besucher:innen die Gelegenheit\, die Ausstellung ein letztes Mal in entspannter Atmosphäre zu erleben und persönlich mit den beteiligten Künstlerinnen ins Gespräch zu kommen. Dabei können spannende Einblicke in die künstlerischen Arbeiten\, deren Entstehung und die individuellen Perspektiven der Künstlerinnen gewonnen werden. \nIm Mittelpunkt stehen die vielfältigen Themen der Ausstellung: Körperlichkeit\, Identität\, Geschlecht\, Selbstbestimmung und gesellschaftliche Körperbilder. Die Besucher:innen haben die Möglichkeit\, Fragen zu stellen\, Gedanken auszutauschen und mehr über die persönlichen Geschichten und künstlerischen Konzepte hinter den ausgestellten Werken zu erfahren. \nDie Finissage versteht sich als offener Begegnungsort für Kunstinteressierte\, Künstlerinnen und alle\, die sich mit zeitgenössischer Kunst und gesellschaftlichen Fragestellungen auseinandersetzen möchten. \nIn angenehmer Atmosphäre bietet der Abend einen gemeinsamen Abschluss der Ausstellung und die Möglichkeit\, neue Kontakte zu knüpfen und unterschiedliche Sichtweisen kennenzulernen. \nDer Eintritt ist frei. Alle Interessierten sind herzlich eingeladen\, gemeinsam mit den Künstlerinnen den Abschluss von „Bodies that Speak“ zu feiern. \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nDie Finissage Meet the Artists am Samstag\, 12. Dezember 2026\, von 17 bis 20 Uhr beschließt die Ausstellung Bodies that Speak\, die vom 18. September bis 12. Dezember 2026 im HAUS.KUNST.MITTE. zu sehen ist. Das Haus liegt in der Heidestraße 54\, 10557 Berlin\, in Moabit im Bezirk Mitte\, nördlich des Berliner Hauptbahnhofs.
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SUMMARY:BODIES THAT SPEAK im HAUS.KUNST.MITTE - Artist Talk Gespräch zum Körperbild in der Kunst
DESCRIPTION:Artist Talk – Gespräch zum Körperbild in der Kunst\nIm Rahmen der Ausstellung „Bodies that Speak“ im HAUS. KUNST. MITTE.\, Berlin \nIm Rahmen der Ausstellung „Bodies that Speak“ lädt das HAUS. KUNST. MITTE. zu einem Artist Talk ein\, der sich mit dem Körperbild in der zeitgenössischen Kunst beschäftigt. Im Mittelpunkt des Gesprächs stehen die unterschiedlichen Möglichkeiten\, den menschlichen und insbesondere den weiblichen Körper künstlerisch darzustellen\, zu interpretieren und gesellschaftlich einzuordnen. \nGemeinsam mit den beteiligten Künstlerinnen und Gästen werden Themen wie Schönheitsideale\, Körpernormen\, Identität\, Geschlecht\, Selbstbestimmung und gesellschaftliche Erwartungen diskutiert. Dabei geht es auch um die Frage\, wie persönliche Erfahrungen\, kulturelle Hintergründe und gesellschaftliche Entwicklungen unser Verständnis vom eigenen Körper beeinflussen. \nDer Artist Talk bietet spannende Einblicke in die Gedanken und Arbeitsweisen der Künstlerinnen. Die Besucher:innen erfahren mehr über die Entstehung der ausgestellten Werke\, die verwendeten künstlerischen Ausdrucksformen und die persönlichen Beweggründe hinter den Arbeiten. \nEin weiterer Schwerpunkt liegt auf der Frage\, welche Rolle Kunst dabei spielen kann\, bestehende Körperbilder und Schönheitsvorstellungen zu hinterfragen und neue Perspektiven zu eröffnen. Der Austausch soll dazu anregen\, eigene Vorstellungen von Körperlichkeit und Identität kritisch zu reflektieren. \nDie Veranstaltung bietet Raum für Fragen\, persönliche Eindrücke und einen offenen Dialog zwischen Künstlerinnen und Publikum. Sie richtet sich an Kunstinteressierte und alle\, die sich mit gesellschaftlichen Fragen rund um Körper\, Identität und Selbstwahrnehmung beschäftigen möchten. \nDer Artist Talk versteht sich als Begegnungs- und Diskussionsformat\, das Kunst nicht nur sichtbar macht\, sondern auch zum Nachdenken\, Hinterfragen und gemeinsamen Austausch einlädt. \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nDer Artist Talk zum Körperbild in der Kunst am Donnerstag\, 3. Dezember 2026\, begleitet die Ausstellung Bodies that Speak\, die vom 18. September bis 12. Dezember 2026 im HAUS.KUNST.MITTE. in der Heidestraße 54\, 10557 Berlin zu sehen ist.
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SUMMARY:BODIES THAT SPEAK im HAUS.KUNST.MITTE - Führung Ausstellungsrundgang mit Kuratorin Anna Havemann
DESCRIPTION:Ausstellungsführung „Bodies that Speak“ mit der Kuratorin Anna Havemann\n12. November 2026\, 18:00 Uhr | HAUS. KUNST. MITTE.\, Berlin \nIm Rahmen der Ausstellung „Bodies that Speak“ lädt das HAUS. KUNST. MITTE. zu einem besonderen Ausstellungsrundgang mit der Kuratorin Anna Havemann ein. \nDie Führung bietet die Möglichkeit\, die Werke der beteiligten Künstlerinnen aus einer vertieften Perspektive kennenzulernen und mehr über die künstlerischen Hintergründe\, Konzepte und gesellschaftlichen Fragestellungen der Ausstellung zu erfahren. \nIm Mittelpunkt steht der menschliche und insbesondere der weibliche Körper als Ausdruck von Identität\, persönlichen Erfahrungen\, Erinnerungen und gesellschaftlichen Erwartungen. Die ausgestellten Arbeiten beschäftigen sich mit Themen wie Geschlecht\, Selbstbestimmung\, Verletzlichkeit\, Sexualität\, Alter und Körperlichkeit. \nGemeinsam mit Anna Havemann entdecken die Besucher unterschiedliche künstlerische Positionen und Ausdrucksformen. Dabei werden Zusammenhänge zwischen den Kunstwerken erläutert und neue Sichtweisen auf die Darstellung des Körpers in der zeitgenössischen Kunst eröffnet. \nDer Rundgang lädt dazu ein\, eigene Wahrnehmungen zu hinterfragen\, Fragen zu stellen und miteinander ins Gespräch zu kommen. Die Führung bietet somit nicht nur kunsthistorische Einblicke\, sondern auch Anregungen zur Auseinandersetzung mit aktuellen gesellschaftlichen Themen. \nDie Veranstaltung richtet sich an alle Kunstinteressierten\, die die Ausstellung intensiver erleben und mehr über die Ideen und Aussagen hinter den Kunstwerken erfahren möchten. \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nDer Ausstellungsrundgang mit Kuratorin Anna Havemann findet am Donnerstag\, 12. November 2026\, um 18 Uhr statt und begleitet die Ausstellung Bodies that Speak\, die vom 18. September bis 12. Dezember 2026 im HAUS.KUNST.MITTE. zu sehen ist. Das Haus liegt in der Heidestraße 54\, 10557 Berlin\, in Moabit im Bezirk Mitte\, nördlich des Berliner Hauptbahnhofs.
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SUMMARY:BODIES THAT SPEAK im HAUS.KUNST.MITTE
DESCRIPTION:Was kann ein Körper erzählen\, ohne Worte zu benutzen? \nMit Bodies that Speak widmet sich das Haus. Kunst. Mitte. einem der ältesten Motive der Kunst und zugleich einem Thema von unmittelbarer Gegenwart: dem menschlichen Körper. Nach der erfolgreichen Ausstellung Faces of Mind versammelt das Haus erneut eine Gruppe herausragender Künstlerinnen und richtet den Blick auf die vielfältigen Möglichkeiten\, Körper darzustellen\, zu erleben und neu zu denken. \n17 Künstlerinnen aus vier Generationen stehen im Zentrum der Ausstellung. Sie alle leben und arbeiten in Berlin und setzen sich in ihrer künstlerischen Praxis intensiv mit Körperlichkeit auseinander. Viele von ihnen gehören zu den wichtigen Stimmen ihrer jeweiligen Generation und sind international ausgestellt. Ihre Herkunft ist vielfältig: Die Künstlerinnen kommen unter anderem aus Iran\, China\, den USA\, der Türkei\, Polen\, Japan und Deutschland. Was sie verbindet\, ist keine gemeinsame künstlerische Schule\, sondern die Stadt\, in der sie leben\, und eine intensive Auseinandersetzung mit dem Körper als künstlerischem Ausdrucksmittel. \nBerlin wird dabei zum Ort des Austauschs. Die Stadt ist seit Jahrzehnten Anziehungspunkt für Künstlerinnen aus aller Welt und zugleich ein Ort\, an dem unterschiedliche Lebensentwürfe\, kulturelle Prägungen und künstlerische Positionen aufeinandertreffen. Bodies that Speak macht diese Vielfalt sichtbar und gibt insbesondere Künstlerinnen Raum\, die die Berliner Kunstszene heute prägen. \nDer weibliche Körper steht im Zentrum – jedoch nicht als isoliertes Thema. Geburt\, Sexualität\, Erwachsenwerden\, Krankheit\, Alter und Tod gehören zum menschlichen Leben. Zugleich werden diese Erfahrungen durch Geschlechterrollen\, gesellschaftliche Erwartungen und kulturelle Zuschreibungen unterschiedlich geprägt. Die ausgestellten Arbeiten machen diese Spannung sichtbar und führen von sehr persönlichen Bildern und Geschichten zu Fragen\, die weit über das Weibliche hinausreichen. \nDabei ist der Körper in der Ausstellung weit mehr als ein dargestelltes Motiv. Er wird zum Material\, Werkzeug\, Medium und Träger von Erinnerung und Bedeutung. Das Performative zieht sich durch die gesamte Ausstellung: Auch dort\, wo keine Performance stattfindet\, sind Malen\, Fotografieren\, Formen oder Bearbeiten körperliche Handlungen. Körper „sprechen“ durch Haltung und Bewegung\, Oberfläche und Material\, Präsenz und Abwesenheit. \nDer Rundgang durch 20 Ausstellungsräume folgt fünf thematischen Kapiteln. Von imaginären und traumhaften Körperwelten führt die Ausstellung über Leben und Natur zu gesellschaftlichem und persönlichem Druck. Am Ende lösen sich vertraute Grenzen auf und Körper gehen hybride Verbindungen mit dem Organischen\, Tierischen\, Technischen oder Kosmischen ein. Die Ausstellung erzählt dabei keine lineare Geschichte und bietet keine eindeutigen Antworten. Verletzlichkeit kann ebenso mit Handlungsmacht verbunden sein wie Widerstand mit Fürsorge\, Transformation mit Verlust oder Auflösung mit einem Neuanfang. \nBodies that Speak lädt dazu ein\, den Körper nicht als festgelegte Form zu betrachten\, sondern als etwas Bewegliches\, Widersprüchliches und Veränderbares – und die unterschiedlichen Stimmen der Künstlerinnen selbst sprechen zu lassen. \nBeteiligte Künstlerinnen \nNevin Aladağ · Laura Bruce · Carina Chang · Lunita Juli Dorn · Carola Ernst · Leiko Ikemura · Aneta Kajzer · Franziska Klotz · Sarah Loibl · Nanne Meyer · Jana Sophia Nolle · May Parlar · Bettina Pousttchi · Barbara Quandt · Jenny Rempel · Alma Sinai · Andrea Zaumseil
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SUMMARY:Quer im a.i.p. project space
DESCRIPTION:Herzliche Einladung zur Ausstellungseröffnung von „Quer“\nim Rahmen des Kunstrundgangs „14057 – Kunst bis Mitternacht“\nam Freitag\, den 20. November von 18 – 24 Uhr\nmit einer interaktiven musikalischen Klanginstallation von Marius D. Kettler\,\nkulinarischer Begleitung\nund T-Shirts der „The Unfamiliarnaires“ als Geschenk – solange der Vorrat reicht ! \nTitel: Bagatelle 10 | Für Fünfzehn Instrumente und Stimme\nInteraktion: Neun Akteure und ein Störer\nGesang: Dolores Flores\nDie Performance wird alle 30 Minuten wiederholt! \n‚14057 – Kunst bis Mitternacht‘\nDer Kunstrundgang durch 14057\nFreitag\, 20. November 2026\n18 bis 24 Uhr \n„14057“ steht in diesem Fall für den Zusammenschluss der Galerien im Kiez zwischen dem Lietzensee und dem Stuttgarter Platz. Jeder Ausstellungsort hat sein eigenes Programm und seine eigene Handschrift. Gemeinsam ist ihnen jedoch nicht nur die Postleitzahl\, sondern vor allem der Wunsch\, die Kunst in der Nachbarschaft sichtbarer zu machen\, voneinander zu wissen und miteinander ins Gespräch zu kommen.\n„Kunst bis Mitternacht“ ist der Abend\, den die Galerien dafür gemeinsam ausrichten. Alle Türen sind bis Mitternacht offen. Zu Fuß von Tür zu Tür erwarten Sie überall andere Besonderheiten: Malerei\, Grafik\, Skulptur\, Klang\, Lesungen und Musik.\nUnsere Galerie ist im Rundgang die Nummer 09. \nDie Ausstellung „Quer“ läuft vom 20.11.2026 – 23.01.2027. Es werden Malerei\, lyrische Objektbilder und Graphik von DOLORES FLORES und MARIUS D. KETTLER gezeigt.
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SUMMARY:Priceless Things in der Neurotitan Galerie
DESCRIPTION:Die Ausstellung Priceless Things versammelt künstlerische Arbeiten\, die sich mit Dingen\, Beziehungen und Praktiken beschäftigen\, deren Wert sich nicht in Geld bemessen lässt. \nUnbezahlbar ist das Immaterielle und Unwiederbringliche wie Lebenszeit\, Erinnerungen\, Gefühle und Beziehungen. Doch auch materielle Dinge wie Fundstücke\, Geschenke und Weggeworfenes können unbezahlbar sein – gerade wenn sie zufällig zu uns gelangen und nicht als Massenware jederzeit verfügbar sind. \nEbenso unbezahlbar sind natürliche Ressourcen und das\, was eigentlich allen zustehen sollte wie die Luft zum Atmen\, ein Leben in Würde und Sicherheit. \nWas pflegen und bewahren wir? Care – im ökologischen wie im sozialen Sinne – wird in Priceless Things zu einer politischen\, aber auch ästhetischen Frage. Die Ausstellung schafft eine Plattform für Künstler*innen\, deren Arbeit ein Bewusstsein für Ressourcen mit der Fürsorge für Menschen\, Beziehungen und gemeinschaftliche Prozesse verbindet. Die gezeigten Arbeiten beschäftigen sich mit unterschiedlichen Facetten des Unbezahlbaren und stellen einer ökonomischen Logik von Effizienz und Produktivitätsdenken eine Ästhetik der Fürsorge entgegen. Dabei spielt nicht nur die Erscheinung und Präsentation einer Arbeit eine Rolle\, sondern auch die Art und Weise\, wie\, unter welchen Bedingungen und in Verbindung mit welchen ethischen Werten sie entsteht. \nDie ausgestellten Werke zeigen Installationen\, Objekte und deren Inszenierung\, Fotografie\, Film und Performance. Sie lassen an vielfältigen gesellschaftspolitischen Fragestellungen und Perspektiven teilhaben\, wie beispielsweise kollektives Lernen und die Wiederverwendung von Materialien; ökofeministische Perspektiven; Körper als Träger von Erinnerung; Care-Arbeit wie auch die Gefährdung der Umwelt durch Plastikverschmutzung. \nAusgangspunkt der Ausstellung ist das Projekt „Laden der unbezahlbaren Dinge“ (2024)\, kuratiert von Fenia Franz. Darin wurde ein ehemaliges Ladengeschäft in einem fast leer stehenden Einkaufszentrum zu einem temporären Projektraum für nachbarschaftlichen Austausch und gemeinsame künstlerische Aktionen mit interdisziplinären\, sozial engagierten Künstler*innen. \nPriceless Things überführt dieses Konzept in eine Ausstellung im Rahmen des kuratorischen Programms „Connecting“ im Neurotitan. Die Ausstellung ist weniger als Aufreihung autonomer Kunstwerke gedacht\, sondern als gestaltete Umgebung und ein sozialer Ort. Neben einem Programm aus Gesprächen\, Workshops und Performances lädt der Raum zum einfachen Verweilen ein. \nKünstler*innen \nAgente Costura\, Alisa Tretau\, Amazonen in Berlin\, Constanze Klar\, Federica Teti\, FuHo Tsai\, Helen Lanwehr\, Henok Getachew Woldegebreal\, Ilgın Uçar\, Judith Greitemann\, Kristina Popov\, Max Schlag\, Zoë Sebanyiga \nAusstellungsprogramm \nSamstag\, 14.11.2026\, 18 Uhr – Vernissage \n„Der Preis ist Scheiss“\, Lecture Performance von Constanze Klar \nSamstag\, 21.11. & 28.11.2026 \nFührungen\, Artist Talks und Workshops \nSamstag\, 05.12.26\, 17 Uhr \nNoise-Karaoke-Performance von Agente Costura \nDas vollständige Programm und Access-Infos in Kürze unter: https://neurotitan.de/
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SUMMARY:WAS SIE BEI SICH TRÄGT – Ein Blick in die Taschen und Gedanken von Berlinerinnen
DESCRIPTION:(english below) \nDas Projekt\, das Sergei 2017 in seiner Heimatstadt St. Petersburg begann – inspiriert von der kindlichen Neugier auf die Handtasche seiner Mutter –\, wurde 2025 im vielfältigen und lebendigen Berlin fortgesetzt; ein idealer Ort für seine „Taschen-Spurensuche“.\nIm Laufe des letzten Jahres hat Sergei mehr als 100 Protagonistinnen aus unterschiedlichsten Lebenshintergründen und sozialen Kreisen fotografiert – von einer Frau\, die auf der Straße mit einer Drogensucht kämpft\, bis hin zu einer Galeristin. Auf diese Weise bietet das Projekt ein eindrucksvolles Porträt des Lebens in einer modernen Großstadt\, mit all seinen Freuden und Herausforderungen. \nAuszüge aus dem Berliner Kapitel werden im Rahmen der Ausstellung präsentiert. \nDie Ausstellung ist vom 31. Oktober bis zum 15. November geöffnet.\nÖffnungszeiten: werktags von 14:00 bis 20:00 Uhr\, an Wochenenden von 12:00 bis 20:00 Uhr.\nVernissage: 31. Oktober\, 18:00 Uhr. \n—- \nA long term project by Sergei Stroitelev dedicated to the identities of Berlin women explored through their personal belongings and touching stories. \nThe project\, which Sergei began to shoot in 2017 in his hometown of St. Petersburg – inspired by his childhood curiosity about his mother’s handbag – was continued in diverse and vibrant Berlin in 2025 which became the perfect place for his bag hunting.\nOver the past year\, Sergey has photographed more than 100 heroines from diverse backgrounds and social circles – ranging from a woman struggling with drug addiction on the streets to a gallery owner. Thus\, the project serves as an excellent portrait of life in a modern big city\, with all its joys and difficulties. \nThe excerpts from the Berlin chapter will be featured within the framework of the exhibition. \nThe exhibition will be open from October 31 to November 15.\nOpening hours: 2:00 PM – 8:00 PM on weekdays\, and 12:00 PM – 8:00 PM on weekends.\nVernissage: October 31\, 6:00 PM.
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SUMMARY:Winterausstellung 2026 – 150 Künstlerinnen und Künstler im Löwenpalais
DESCRIPTION:Prices start at €150; all works with photo and price are on the Stiftung Starke website. On view until approximately the end of February 2027. Visits outside the opening by appointment: +49 30 825 76 85. Free admission\, registration for the opening optional via Eventbrite. \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nDie Winterausstellung der Stiftung Starke in Berlin ist im Löwenpalais in der Koenigsallee 30-32\, 14193 Berlin-Grunewald zu sehen.
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CATEGORIES:Ausstellung
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SUMMARY:Dana Schutz: The Department bei Contemporary Fine Arts
DESCRIPTION:Dana Schutz (*1976 in Livonia\, Michigan\, USA) zeigt in The Department bei Contemporary Fine Arts neue Gemälde und großformatige Kohlezeichnungen. Ihre Malerei erzählt von turbulenten Figuren\, menschlichen Abgründen\, eskalierenden Situationen und Naturkatastrophen. Mit einem ausgeprägten Gespür für dramatische Spannung entwickelt Schutz komplexe Bildwelten\, in denen vertraute Vorstellungen von Schönheit ins Wanken geraten. Die Ausstellung eröffnet am 6. November. \nEröffnung: Freitag\, 6. November 2026\, 18 bis 20 Uhr\nAusstellungsdauer: 7. November bis 19. Dezember 2026\nOrt: Contemporary Fine Arts\, Grolmanstraße 32/33\, 10623 Berlin \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nDana Schutz bei Contemporary Fine Arts zeigt neben Gemälden wie „Hurt Hand“ (2026\, Öl auf Leinwand\, 213\,4 x 223\,5 cm) großformatige Kohlezeichnungen. Die Galerie beschreibt die New Yorker Malerin als Erzählerin\, deren Bilder von turbulenten Figuren\, Katastrophen und physischen Desastern bevölkert sind\, ein dystopisches Porträt der Gegenwart jenseits traditioneller Schönheit. Die Galerie in der Grolmanstraße in Charlottenburg\, nahe Savignyplatz\, hat Montag bis Freitag von 10 bis 18 Uhr und Samstag von 12 bis 18 Uhr geöffnet.
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SUMMARY:Peer Boehm: Was ich eigentlich tun will in der Galerie Poll
DESCRIPTION:Kindheitserlebnisse\, Reiseerfahrungen\, politische Ereignisse – all das speichert unser Gedächtnis gleichermaßen. Aus flüchtigen Eindrücken und vagen Momentaufnahmen wächst ungeordnet ein Bilderreservoir\, das wir alle teilen und das doch in jedem anders verankert ist. Aus diesem unüberschaubaren Fundus schöpft Peer Boehm die Motive seiner Leinwand- und Papierarbeiten. Mit oft widersinnigen\, nie ganz eindeutigen Titeln stößt er beim Betrachter Assoziationsketten an. \nSeine dritte Einzelausstellung in der Galerie Poll versammelt überwiegend Arbeiten aus den Jahren 2025 und 2026: Szenen aus der Schulzeit („Die Neue“\, „Der Film fängt gleich an“\, „Erste Stunde Textiles gestalten“)\, von ersten Begegnungen mit dem anderen Geschlecht („Ich will lieber nicht“) und aus den Sommerferien am vollen Strand („Im Auto war es warm und bequem“). Hinzu kommt „Berlin 1989“\, ein Bild von 2007\, das den Mauerfall als Wendepunkt der Zeitgeschichte in den Blick nimmt. \nFür seine Papierarbeiten wählt Boehm bereits bedruckte Untergründe wie historische Seekarten oder altes Briefpapier. Darauf zeichnet er\, meist mit Kugelschreiber\, und setzt das Vorgefundene in Beziehung zum Gezeichneten. Die großformatige Zeichnung „Was willst Du mit Deinem Anteil machen?“ zeigt einen Jungen\, der auf einem Floß über eine Seekarte treibt. Motiv\, Papier und Titel lassen an eine Schatzsuche denken – eine einzige „richtige“ Lesart aber gibt es bei Boehm nie. Fortgesetzt hat er auch seine Reihe auf dem Briefpapier des k.o. club\, eines 1969 in Hannover gegründeten Vereins für Avantgarde-Film: Er hat weitere Filmszenen aufgespürt\, die auf den Absender Bezug nehmen. \nFündig wird Boehm in Fotoalben vom Flohmarkt\, in Illustrierten oder im Internet. Personen und Orte abstrahiert er am Computer und reduziert die Vorlage auf Hell-Dunkel-Kontraste\, bis sie kaum noch zu erkennen ist. Dann überträgt er sie auf Leinwand oder Papier und arbeitet sie dort weiter aus. Für die Leinwände hat er eine eigene Lasurtechnik mit Aquarell\, Acryl und Tusche entwickelt. Mitunter dienen auch Kaffee oder Rost als Malmittel\, und ihr bräunlicher Ton lässt die Bilder wie verblichene Fotografien erscheinen. Boehms Bildsprache beruht auf dem Prinzip der Aussparung: Helle und dunkle Flächen verschwimmen ineinander. So wirken die Arbeiten zunächst schemenhaft und treten erst bei längerem Hinsehen hervor wie aus dem Unterbewusstsein – als ganz persönliche Erinnerungen. \nPeer Boehm\, 1968 geboren in Köln\, studierte von 1990 bis 1994 Kunstgeschichte\, Archäologie und Germanistik an der Universität zu Köln. 2021 wurde er mit dem Kunstpreis Wesseling ausgezeichnet\, der 2023 mit einer Ausstellung im gleichnamigen Kunstverein verbunden war. 2022 waren seine Arbeiten im Willy-Brandt-Haus in Berlin ausgestellt\, 2024 fand eine große Übersichtsausstellung mit Werken aus 17 Jahren im Museum Modern Art Hünfeld statt. Arbeiten des Künstlers befinden sich in zahlreichen deutschen und internationalen Privatsammlungen. Peer Boehm lebt und arbeitet in Köln\, wo er von der Galerie Anja Knoess vertreten wird. \nEröffnung: Donnerstag\, 29. Oktober 2026\, 17 bis 20 Uhr\, Begrüßung und Künstlergespräch gegen 19 Uhr\nAusstellungsdauer: 30. Oktober 2026 bis 9. Januar 2027\, Winterpause 22. Dezember 2026 bis 2. Januar 2027\nOrt: POLL Galerie + Kunsthandel\, Gipsstraße 3\, Quergebäude\, Parterre\, 10119 Berlin\, Di bis Sa 12 bis 18 Uhr und nach Vereinbarung
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SUMMARY:Vitalii Shupliak – THRESHOLDS in der Galerie Gotisches Haus
DESCRIPTION:Im Gotischen Haus eröffnet am 28 Oktober 2026 um 19 Uhr die Ausstellung „THRESHOLDS“ von Vitalii Shupliak. Was geschieht an einer Schwelle – zwischen Innen und Außen\, Sichtbarem und Unsichtbarem\, Schutz und Bedrohung\, Vergangenheit und Gegenwart? Vitalii Shupliak interessiert sich für jene Zwischenräume\, in denen vertraute Ordnungen ihre Eindeutigkeit verlieren. Seine Arbeiten bewegen sich zwischen sakraler Bildtradition und digitaler Gegenwart\, zwischen individueller Wahrnehmung und kollektiver Erfahrung. Grenzen erscheinen dabei weniger als feste Linien denn als durchlässige Räume\, in denen sich Bedeutungen verschieben. \n„Mich fasziniert an Vitalii Shupliaks Arbeiten\, wie sie uns an Schwellen führen\, an denen vertraute Gewissheiten ins Wanken geraten – zwischen Sakralem und Politischem\, Sichtbarem und Unsichtbarem\, Schutz und Bedrohung. Im Gotischen Haus begegnen seine Werke einer Architektur\, die selbst von solchen Übergängen geprägt ist\, und eröffnen einen Raum\, in dem wir nicht nur die Grenzen unserer Wahrnehmung\, sondern auch die Ungewissheiten unserer Gegenwart neu befragen können.“Dr. Jens-Ole Rey\, Kurator \nVitalii Shupliak\, geboren 1993 in der Ukraine\, lebt und arbeitet in Berlin. Er studierte Bildende Kunst in Lviv\, Gdańsk\, Poznań und Braunschweig. Seine künstlerische Praxis umfasst Videoinstallation\, Malerei und Performance und beschäftigt sich mit den Schnittstellen von Realität und Virtualität sowie mit Fragen von Migration\, Identität und Grenzen. Die Arbeiten des Künstlers wurden im KINDL\, Berlin; YermilovCentre\, Charkiw; IZOLYATSIA\, Kyjiw; MOCAK Museum of Contemporary Art\, Krakau; CSW Łaźnia\, Danzig; Museum MACAN\, Jakarta; National Museum\, Posen; ZAK Zentrum für Aktuelle Kunst\, Berlin gezeigt. \nIm Gotischen Haus trifft die zeitgenössische Perspektive von Vitalii Shupliak auf eine Architektur\, die selbst von Übergängen geprägt ist: von Licht und Dunkelheit\, Innen und Außen\, Diesseits und Jenseits. Historische Bildwelten und räumliche Strukturen werden zu Resonanzräumen für eine Gegenwart\, in der Grenzen zunehmend porös werden. \nSpiegelnde Vögel werden zu Schutz und Barriere zugleich. Sakrale Augen begegnen den leuchtenden Oberflächen digitaler Geräte. Körper schweben zwischen verschiedenen Wirklichkeiten\, während Feuer zum Bild einer Transformation zwischen Schöpfung und Zerstörung wird. \nDas Vertraute beginnt dabei immer wieder ins Unheimliche zu kippen. Was Schutz verspricht\, kann zur Grenze werden; was Sichtbarkeit schafft\, kann zugleich etwas verbergen. Technologie\, Ritual und Erinnerung überlagern sich und machen Wahrnehmung selbst zu einer Schwelle. \nTHRESHOLDS ist eine Ausstellung über das Dazwischen – und über die Frage\, was sichtbar wird\, wenn Gewissheiten ihre Grenzen erreichen. \nEröffnung: Mittwoch\, 28. Oktober 2026\, 19 UhrAusstellungsdauer: 29. Oktober bis 23. Dezember 2026Ort: Galerie Gotisches Haus\, Breite Straße 32\, 13597 BerlinDi bis Sa 10 bis 18 Uhr\, So 12 bis 18 UhrEintritt frei
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SUMMARY:Das Schokoladenmädchen von Berlin. Svenja Schüffler in der Galerie Kuchling
DESCRIPTION:Galerie KuchlingKarl-Marx-Allee 123\, Berlin Ost24.10. – 08.01.2027Das Schokoladenmädchen von Berlin. Svenja Schüffler \nVernissage: Samstag\, 24. Oktober\, 18h – 22h \nAusstellungsdauer: 24. Oktober 2026 bis 8. Januar 2027\nOrt: Galerie Kuchling\, Karl-Marx-Allee 123\, 10243 Berlin \nErgänzung der Kunstleben Berlin Redaktion: \nSvenja Schüffler in der Galerie Kuchling nimmt sich bekannte Meisterwerke vor\, allen voran Liotards „Schokoladenmädchen“ und Dürers Hasen\, und zeichnet sie in Pastellkreide\, Tusche\, Blattgold und Aquarell neu. In ihrer Serie „SACRIFICE“ werden die angeeigneten Bilder physisch verwundet\, etwa durch Prägungen im Papier oder einen Pfeil durch das Glas; ein Werk bleibt verborgen und ist nur unter Bedingungen zugänglich. Die Künstlerin\, geboren in Kassel\, hat Geologie und Geoinformatik studiert und lebt in Berlin. Die Galerie an der Karl-Marx-Allee in Friedrichshain (U5 Weberwiese) ist Mittwoch bis Freitag von 14 bis 19 Uhr und Samstag von 13 bis 18 Uhr geöffnet.
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