Geometry of Light bei Persons Projects

Diese Ausstellung untersucht erstmals den direkten Einfluss von Karl Benjamins Hard-Edge-Malerei auf die frühe konzeptuelle Fotografie von Grey Crawford. Obwohl beide Künstler in unterschiedlichen Medien arbeiteten, waren sie in Südkalifornien verwurzelt und teilten eine gemeinsame visuelle Sprache – geprägt vom präzisen Einsatz von Geometrie, Struktur und Abstraktion.

Karl Benjamin nimmt einen bedeutenden Platz in der Geschichte der amerikanischen Nachkriegskunst ein und gilt als zentrale Figur in der Entwicklung der Hard-Edge-Malerei, einer Bewegung, die in den 1950er-Jahren in Südkalifornien entstand. Seine Arbeiten zeichnen sich durch die präzise Anordnung geometrischer Formen, scharf abgegrenzte Farbbereiche und eine raffinierte Erforschung chromatischer Beziehungen aus. Benjamins Gemälde spiegeln ein starkes Gefühl für Struktur und Disziplin wider. Anstelle der expressiven Gestik des Abstrakten Expressionismus verfolgt seine Arbeit einen systematischeren und analytischeren Ansatz der Abstraktion.

Benjamin erlangte nationale Bekanntheit durch seine Teilnahme an der von Jules Langsner kuratierten Ausstellung Four Abstract Classicists im Jahr 1959, an der auch Lorser Feitelson, John McLaughlin und Frederick Hammersley teilnahmen. Diese Ausstellung war maßgeblich daran beteiligt, den Hard-Edge-Stil zu definieren, und etablierte einen eigenständigen Beitrag der Westküste zur modernistischen Abstraktion. Trotz zahlreicher Ausstellungen in den Vereinigten Staaten, wurden Benjamins Werke in Berlin nur einmal im Rahmen der Ausstellung Pacific Standard Time (2012) im Martin-Gropius-Bau präsentiert.

Karl Benjamins kraftvoller Umgang mit Farbe, Form und räumlicher Balance hatte einen nachhaltigen Einfluss auf Crawford, der in den 1970er-Jahren künstlerisch heranreifte. Während seines Fotografie Studiums am Rochester Institute of Technology, und des darauffolgenden Studiums an der Claremont Graduate School, verinnerlichte Crawford Benjamins Prinzipien und adaptierte diese in seinem Dunkelkammerprozess indem er mittels Maskierungstechniken geometrische Formen auf das Fotopapier einfügte.

Dieser Einfluss wird besonders deutlich in Crawfords fotografischen Serien Umbra (1975–79) und Chroma (1978–85), die in Südkalifornien entstanden und Abstraktion an der Schnittstelle von Fotografie und Malerei untersuchen.

Crawford entwickelte aufgrund seiner klassischen Ausbildung höchst anspruchsvolle Techniken. Obwohl die kalifornische Kunstszene zu einem Zentrum für experimentelle und progressive Positionen wurde, fanden Crawfords Arbeiten in der Kunstwelt keine volle Anerkennung, da diese nur als Fotografie wahrgenommen wurden und nicht als eigenständige künstlerische Praxis. Gleichzeitig wurde es auch innerhalb der Fotografie-Community aufgrund seiner manipulierten Bildsprache nicht vollständig gewürdigt. Infolgedessen litt die Anerkennung seiner Arbeit, und Crawford erlebte Schwierigkeiten, geeignete Ausstellungsorte für seine Arbeiten zu finden.

Nach vier Jahrzehnten wiederentdeckt, sticht Crawford als einzigartige Figur dieser Zeit hervor. Seine Fotografien verbinden Benjamins Sinn für Konstruktion mit John McLaughlins zen-ähnlicher Fähigkeit zur Reduktion.

In den 1970er- und 1980er-Jahren fotografierte Crawford mit einer an Lewis Baltz erinnernden Zurückhaltung übersehene, karge urbane Landschaften sowie Lagerhallen, Parkplätze und Industriegebäude. Er arbeitete direkt in der Dunkelkammer und führte durch speziell für jedes Bild zugeschnittene Papiermasken geometrische Formen mit scharfen Kanten ein. Umbra entstand als schwarz-weiße Silbergelatineabzüge und betont Tonwertabstufungen, Licht und Schatten als strukturbildende Elemente. Chroma setzt denselben Prozess in der Farbfotografie fort und erweitert die Arbeit in einen Kontext, in dem Farbe zu einem Mittel wird, um Raum und Wahrnehmung zu definieren. In diesen Arbeiten korrespondiert Crawfords visuelle Sprache mit den leuchtenden Farbpaletten der Architektur Luis Barragáns ebenso wie mit den kraftvollen formalen Strategien der Chicano-Mural-Bewegung in Los Angeles.

Wie Crawford festhält: „Ich bin visuell zweisprachig, ich sehe in Abstraktion und Bild. Indem man die Sprache der Malerei mit der Sprache der Fotografie verbindet, verlässt man das Terrain klarer Unterscheidungen. Ich möchte das Alltägliche im Fluss des Vergessens auflösen und am gegenüberliegenden Ufer ankommen, fern vom Zentrum, an einem neuen Ort. Beim Blick auf unsere visuelle Landschaft wähle ich Elemente, die sich zu einem neuen Ganzen fügen, zu einer visuellen Harmonie ‚reimender‘ Formen, die eine visuelle Syntax schaffen, um unsere Zeit zu betrachten.“

Die Ausstellung markiert einen bedeutenden Dialog zwischen zwei Generationen kalifornischer Künstler und zeigt, wie Benjamins Vermächtnis über die Malerei hinausging und neue Formen konzeptueller Bildgestaltung prägte.